Tina Turner - Break Every Rule

Tina Turner - Break Every Rule

Lançado em 23 de setembro de 1986, Break Every Rule foi o segundo grande álbum de Tina Turner na década de 1980 e o trabalho que confirmou que o extraordinário sucesso de Private Dancer não havia sido um acontecimento isolado. Depois de reconstruir sua carreira solo aos 44 anos e conquistar o mercado internacional, Tina voltou ao estúdio acompanhada por alguns dos principais compositores e produtores da música pop daquele período. O álbum contou com contribuições de nomes como Terry Britten, Rupert Hine, Mark Knopfler e Bryan Adams. Musicalmente, o disco combinou rock, pop, soul e R&B com uma produção típica da segunda metade dos anos 1980. Tina manteve a voz poderosa e rouca que havia marcado sua carreira, mas agora inserida em arranjos mais modernos e direcionados às rádios internacionais. Canções como "Typical Male", "Two People", "What You Get Is What You See" e "Girls" mostraram que ela conseguia continuar relevante em uma indústria musical que passava por rápidas transformações. Break Every Rule foi, portanto, fundamental para consolidar a nova fase de Tina Turner como uma das maiores estrelas femininas da música mundial.

A recepção da crítica foi bastante positiva, embora alguns jornalistas considerassem o álbum menos inovador que Private Dancer. A Billboard destacou a extraordinária presença vocal de Tina e a capacidade de produtores e compositores de adaptar seu estilo a uma sonoridade pop contemporânea. A revista também observou que a cantora continuava demonstrando uma energia que muitos artistas mais jovens não conseguiam reproduzir. A Rolling Stone elogiou a interpretação de Tina, destacando sua "voz áspera e irresistivelmente poderosa", mas considerou que algumas das produções eram excessivamente calculadas para o mercado pop. A New Musical Express recebeu o álbum de forma favorável, especialmente pela presença de elementos de rock e soul. A crítica britânica também valorizou a capacidade de Tina de trabalhar com diferentes compositores sem perder sua identidade. O consenso geral era de que Break Every Rule não pretendia reinventar a fórmula de Private Dancer, mas demonstrava que Tina havia encontrado uma maneira extremamente eficiente de combinar sua personalidade artística com a música pop contemporânea.

Os grandes jornais também deram atenção ao fenômeno Tina Turner. O The New York Times destacou a extraordinária trajetória da cantora e sua capacidade de permanecer relevante depois de décadas de carreira, observando que sua voz continuava sendo seu maior patrimônio artístico. O Los Angeles Times elogiou especialmente a energia das gravações e a presença de Tina em canções como "Typical Male". A participação de Bryan Adams em "Back Where You Started" também recebeu atenção, assim como a colaboração de Mark Knopfler em "Private Dancer" e outros trabalhos associados à fase de Tina. A The New Yorker, em retrospectivas posteriores, destacou Tina como um dos exemplos mais impressionantes de longevidade na música popular, ressaltando que sua transformação em estrela pop internacional durante os anos 1980 aconteceu em uma idade em que a indústria normalmente começava a afastar cantoras veteranas dos grandes mercados. Break Every Rule demonstrava que Tina não apenas havia retornado: ela havia se estabelecido definitivamente entre as grandes estrelas da música mundial.

Comercialmente, o álbum foi um enorme sucesso internacional. Break Every Rule alcançou o 4º lugar na Billboard 200 nos Estados Unidos e chegou ao 1º lugar em diversos países, incluindo Alemanha, Suíça e Áustria. No Reino Unido, alcançou a 2ª posição da UK Albums Chart. O primeiro grande single, "Typical Male", chegou ao 2º lugar da Billboard Hot 100, tornando-se um dos maiores sucessos americanos da carreira solo de Tina. "Two People" e "What You Get Is What You See" também tiveram excelente desempenho em diversos mercados. O álbum vendeu milhões de cópias em todo o mundo, recebendo certificações de ouro e platina em numerosos países. Seu sucesso foi acompanhado por uma gigantesca turnê mundial, que reforçou ainda mais a imagem de Tina como uma das maiores performers de sua geração. Assim, Break Every Rule provou que o fenômeno comercial de Private Dancer havia se transformado em uma carreira solo duradoura e extraordinariamente bem-sucedida.

O legado de Break Every Rule está diretamente relacionado à extraordinária trajetória de Tina Turner durante os anos 1980. Embora Private Dancer continue sendo considerado seu álbum mais importante e artisticamente revolucionário, o segundo grande trabalho da década demonstrou sua capacidade de sustentar o sucesso em escala mundial. Especialistas destacam principalmente a força vocal de Tina, sua presença cênica e a capacidade de transformar material pop convencional em performances carregadas de personalidade. Para os fãs, músicas como "Typical Male", "Two People" e "What You Get Is What You See" continuam associadas ao período de maior popularidade internacional da cantora. O álbum também ajudou a consolidar uma imagem que se tornaria inseparável de Tina Turner: a de uma artista veterana que não apenas sobreviveu às mudanças da indústria musical, mas conseguiu dominar as paradas em uma nova geração. Mais de três décadas depois, Break Every Rule permanece como um importante registro da extraordinária segunda fase de sua carreira e como prova de que Tina Turner foi uma das grandes sobreviventes e vencedoras da história da música popular.

Tina Turner - Break Every Rule (1986)

Typical Male

What You Get Is What You See

Two People

Till the Right Man Comes Along

Afterglow

Girls

Back Where You Started

Break Every Rule

Paradise Is Here

I'll Be Thunder

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

U2 - The Unforgettable Fire

U2 - The Unforgettable Fire

Lançado em 1º de outubro de 1984, The Unforgettable Fire foi o quarto álbum de estúdio do U2 e representou uma transformação decisiva na trajetória do grupo. Depois da agressividade e do caráter político de War, a banda decidiu explorar uma sonoridade muito mais atmosférica, experimental e sofisticada. O álbum foi produzido por Brian Eno e Daniel Lanois, uma parceria que teria enorme importância na evolução musical do U2. As gravações aconteceram principalmente no castelo de Slane, na Irlanda, e nos estúdios Windmill Lane, em Dublin, permitindo que o grupo experimentasse com texturas, sintetizadores, efeitos de guitarra e ambientes sonoros pouco convencionais. Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr. abandonaram parte da sonoridade direta dos primeiros discos e construíram músicas mais contemplativas. O resultado foi um álbum fundamental para compreender a passagem do U2 de uma importante banda pós-punk para um grupo com ambições artísticas internacionais. Faixas como "A Sort of Homecoming", "Pride (In the Name of Love)" e "Bad" demonstraram essa nova direção.

A recepção crítica foi bastante positiva e, em muitos aspectos, marcou uma mudança na maneira como o U2 era percebido pela imprensa especializada. A Rolling Stone elogiou a produção de Brian Eno e Daniel Lanois e destacou a maneira como o grupo havia conseguido ampliar sua sonoridade sem abandonar sua identidade. A revista considerou o álbum uma evolução importante em relação a War, ressaltando principalmente o trabalho de guitarra de The Edge e a intensidade vocal de Bono. A Billboard também destacou a qualidade da produção e observou que o U2 estava desenvolvendo um som cada vez mais sofisticado e internacional. No Reino Unido, a New Musical Express recebeu o disco favoravelmente, destacando sua atmosfera cinematográfica e a disposição da banda em correr riscos. A crítica reconheceu que The Unforgettable Fire não era simplesmente uma continuação de War, mas uma tentativa deliberada de reinventar a identidade artística do grupo.

Os grandes jornais também perceberam a importância dessa transformação. O The New York Times destacou a crescente ambição artística do U2 e a capacidade da banda de transformar temas políticos e sociais em composições de grande força emocional. O Los Angeles Times elogiou especialmente "Pride (In the Name of Love)", canção inspirada na vida e no assassinato de Martin Luther King Jr., observando que o grupo conseguia transformar uma mensagem política em uma canção de grande apelo popular. A The New Yorker, em análises posteriores da trajetória do U2, destacou The Unforgettable Fire como o momento em que a banda passou a utilizar o estúdio como ferramenta criativa, em vez de simplesmente registrar suas apresentações. Críticos também deram atenção especial a "Bad", considerada uma das interpretações vocais mais emocionantes de Bono. A combinação entre poesia, política, espiritualidade e experimentação sonora fez do álbum um dos trabalhos mais importantes do rock alternativo da primeira metade dos anos 1980.

Comercialmente, The Unforgettable Fire foi um sucesso expressivo e confirmou o crescimento internacional do U2. O álbum alcançou o primeiro lugar na parada britânica, tornando-se o segundo disco consecutivo da banda a chegar ao topo do Reino Unido. Nos Estados Unidos, chegou à 12ª posição da Billboard 200, resultado bastante significativo para um grupo que poucos anos antes ainda era conhecido principalmente no circuito pós-punk europeu. O single "Pride (In the Name of Love)" tornou-se o maior sucesso do álbum, chegando ao 33º lugar da Billboard Hot 100 e alcançando posições ainda melhores em diversos países. "The Unforgettable Fire" também teve boa repercussão internacional. O álbum recebeu certificações de ouro e platina em diferentes mercados e continuou vendendo após o lançamento de The Joshua Tree. Seu desempenho comercial demonstrou que o U2 havia conseguido ampliar consideravelmente seu público sem abandonar a experimentação artística.

O legado de The Unforgettable Fire é enorme porque o álbum preparou diretamente o caminho para o fenômeno mundial que seria The Joshua Tree, de 1987. Especialistas frequentemente apontam este trabalho como o momento em que o U2 encontrou a combinação entre rock de arena, experimentação sonora e consciência política que definiria sua carreira. A influência de Brian Eno e Daniel Lanois tornou-se particularmente importante, pois a dupla ajudou a criar uma linguagem sonora baseada em atmosferas, espaços e texturas que seria aperfeiçoada nos trabalhos seguintes. Para os fãs, o álbum permanece como um dos períodos mais criativos da banda, especialmente por apresentar músicas como "Bad", "Pride (In the Name of Love)" e "A Sort of Homecoming". Embora The Joshua Tree tenha alcançado maior sucesso comercial, The Unforgettable Fire é frequentemente considerado mais aventureiro e experimental. Mais de quatro décadas depois de seu lançamento, continua sendo um dos discos essenciais da história do U2 e uma obra fundamental do rock dos anos 1980.

U2 - The Unforgettable Fire (1984)

A Sort of Homecoming

Pride (In the Name of Love)

Wire

The Unforgettable Fire

Promenade

4th of July

Bad

Indian Summer Sky

Elvis Presley and America

MLK

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Elton John - 21 at 33

Elton John - 21 at 33

Lançado em 13 de maio de 1980, 21 at 33 foi o primeiro álbum de estúdio de Elton John na década de 1980 e marcou o início de uma nova etapa em uma carreira que havia sido extraordinariamente bem-sucedida durante os anos 1970. O título fazia referência ao fato de Elton estar lançando seu 21º álbum de estúdio aos 33 anos de idade, embora a discografia oficial apresente algumas particularidades na contagem. Produzido por Clive Franks e pelo próprio Elton, o disco contou com a participação de músicos importantes, incluindo Pete Townshend, James Newton Howard e Steve Lukather. O álbum apresentou uma sonoridade mais próxima do pop e do rock contemporâneo do período, afastando-se parcialmente da grandiosidade dos trabalhos clássicos da década anterior. A parceria com Bernie Taupin voltou a ocupar posição central em algumas das composições. Embora Elton já não estivesse produzindo sucessos com a mesma frequência dos anos 1970, 21 at 33 demonstrou que ele continuava capaz de criar canções fortes e comercialmente atraentes.

A recepção crítica foi relativamente positiva, mas menos entusiasmada do que aquela reservada aos grandes clássicos de Elton John dos anos 1970. A Billboard destacou a habilidade do cantor em continuar produzindo material acessível e observou que sua voz e seu piano permaneciam como os principais elementos de sua identidade. A Rolling Stone recebeu o álbum de maneira mais moderada, considerando que Elton demonstrava competência, mas já não apresentava a mesma ousadia artística de trabalhos como Goodbye Yellow Brick Road ou Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy. Ainda assim, a publicação reconheceu a qualidade de algumas composições e a força interpretativa do cantor. A New Musical Express observou que Elton estava procurando adaptar sua música à nova década, incorporando uma produção mais enxuta e contemporânea. A crítica reconhecia, portanto, uma certa perda de espontaneidade, mas também via 21 at 33 como um registro importante da transição de Elton entre duas épocas musicais.

Os grandes jornais americanos também analisaram o álbum dentro desse contexto de transição. O The New York Times destacou que Elton John continuava possuindo uma das vozes mais reconhecíveis da música popular e que suas melhores composições ainda apresentavam grande força melódica. O Los Angeles Times chamou atenção para a produção mais contemporânea e para a tentativa do cantor de atualizar seu som diante da chegada de novas tendências como a new wave e o synth-pop. A The New Yorker, em avaliações retrospectivas da carreira de Elton, destacou 21 at 33 como um documento de uma fase de transição, quando o artista tentava conciliar sua identidade musical dos anos 1970 com as novas exigências da década seguinte. A participação de músicos convidados também demonstrava a intenção de Elton de explorar novas possibilidades sonoras. Embora a crítica não o tenha colocado no mesmo nível de seus álbuns clássicos, o disco foi reconhecido como um trabalho competente e representativo de seu momento histórico.

Comercialmente, 21 at 33 apresentou um desempenho respeitável. O álbum alcançou a 13ª posição na Billboard 200 nos Estados Unidos e chegou ao 12º lugar na UK Albums Chart. O principal single, "Little Jeannie", foi o grande destaque comercial do trabalho, alcançando a 3ª posição na Billboard Hot 100, tornando-se um dos maiores sucessos americanos de Elton no início da nova década. "Sartorial Eloquence" também foi lançada como single, embora tenha obtido desempenho mais modesto. O álbum recebeu certificação de ouro nos Estados Unidos, demonstrando vendas superiores a 500 mil cópias. Embora esses números fossem inferiores aos gigantescos resultados de Elton John durante o auge dos anos 1970, eles confirmavam que o cantor continuava sendo uma presença importante no mercado internacional. 21 at 33 serviu, assim, como uma ponte entre o extraordinário domínio comercial da década anterior e a carreira mais irregular que Elton teria durante boa parte dos anos 1980.

O legado de 21 at 33 é mais discreto do que o de obras como Goodbye Yellow Brick Road, Honky Château ou Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy, mas o álbum possui importância histórica dentro da carreira de Elton John. Para especialistas, ele representa o momento em que o artista começou a adaptar seu estilo às mudanças musicais dos anos 1980, período marcado pelo crescimento da new wave, do synth-pop e de novas formas de produção. Para os fãs, "Little Jeannie" permanece como o principal destaque do álbum e uma das boas canções da fase inicial de Elton na década. O disco também é interessante por registrar a colaboração de músicos que posteriormente teriam carreiras importantes. Atualmente, 21 at 33 é geralmente visto como um álbum de transição: não possui a importância revolucionária de seus grandes trabalhos dos anos 1970, mas documenta um artista tentando encontrar uma nova linguagem sem abandonar completamente suas raízes. Por isso, continua sendo uma peça relevante para compreender a evolução de Elton John durante os anos 1980.

Elton John - 21 at 33 (1980)

Chasing the Crown

Little Jeannie

Sartorial Eloquence

Two Rooms at the End of the World

White Lady White Powder

Dear God

Never Gonna Fall in Love Again

Take Me Back

Give Me the Love

If at First You Don't Succeed

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Culture Club - Kissing to Be Clever

Culture Club - Kissing to Be Clever

O primeiro álbum do Culture Club foi Kissing to Be Clever, lançado em 14 de novembro de 1982 pela Virgin Records. O disco marcou a estreia de uma das bandas mais populares e visualmente características da década de 1980, liderada pelo carismático Boy George. O grupo também era formado por Roy Hay, Mikey Craig e Jon Moss, e sua música combinava pop, soul, reggae, new wave e elementos de ska, criando uma sonoridade muito particular. O álbum surgiu no início de uma década marcada pela expansão da MTV e pela transformação dos videoclipes em instrumentos fundamentais para a construção da imagem dos artistas. Nesse cenário, a aparência andrógina de Boy George tornou-se tão importante quanto sua música, transformando-o rapidamente em um dos rostos mais reconhecidos da cultura pop. O grande sucesso do disco foi Do You Really Want to Hurt Me, uma balada de influência reggae que alcançou o primeiro lugar em vários países. O álbum também apresentou outros singles importantes, como Time (Clock of the Heart), embora essa música tenha ficado de fora da edição britânica original do LP. Com sua mistura de ritmos e a personalidade marcante do vocalista, Kissing to Be Clever estabeleceu imediatamente o Culture Club como uma das grandes novidades do pop britânico.

A recepção crítica ao álbum foi predominantemente positiva, com jornalistas elogiando a capacidade do Culture Club de combinar estilos diferentes sem perder o caráter pop de suas músicas. Publicações britânicas especializadas em música destacaram especialmente a voz de Boy George e a habilidade do grupo em transformar influências de soul e reggae em canções acessíveis ao grande público. A Rolling Stone posteriormente reconheceu a importância do disco dentro da explosão do pop britânico dos anos 1980, enquanto o The New York Times também analisou a ascensão de Boy George como um dos fenômenos culturais mais marcantes daquele período. Comercialmente, Kissing to Be Clever foi um enorme sucesso. O álbum alcançou o quinto lugar no Reino Unido e chegou ao segundo lugar da Billboard 200 nos Estados Unidos. Do You Really Want to Hurt Me tornou-se um sucesso internacional gigantesco, liderando as paradas em diversos países. O álbum acabou vendendo milhões de cópias em todo o mundo e transformou o Culture Club em uma das bandas britânicas de maior projeção internacional. O sucesso foi particularmente significativo porque demonstrava que um grupo com uma identidade visual e musical tão diferente poderia conquistar simultaneamente o mercado europeu e o enorme mercado norte-americano.

O legado de Kissing to Be Clever permanece diretamente ligado à transformação do pop dos anos 1980. O álbum ajudou a abrir espaço para artistas que utilizavam a imagem, a moda e a identidade pessoal como partes fundamentais de sua expressão artística, algo que se tornaria cada vez mais comum com a expansão da MTV. Boy George tornou-se um ícone cultural muito além da música, enquanto o Culture Club demonstrou que reggae, soul e pop poderiam conviver dentro de um mesmo repertório comercialmente poderoso. A influência do grupo pode ser percebida em inúmeros artistas posteriores que passaram a explorar identidades visuais mais ousadas e misturas de gêneros musicais. O disco também permanece importante por registrar o início de uma carreira que produziria outros sucessos gigantescos, especialmente no álbum seguinte, Colour by Numbers. Mesmo que o Culture Club tenha passado por mudanças e períodos de inatividade, as músicas de Kissing to Be Clever continuam presentes em rádios, coletâneas, trilhas sonoras e retrospectivas da década de 1980. Atualmente, o álbum é considerado um dos lançamentos essenciais do pop britânico daquele período e um retrato perfeito de uma época em que a música popular estava se tornando cada vez mais visual, internacional e aberta à diversidade de estilos e personalidades.

Culture Club - Kissing to Be Clever (1982)

White Boy

You Know I'm Not Crazy

I'll Tumble 4 Ya

Take Control

Love Twist

Don't Talk About It

You Really Want to Hurt Me

The Expert

Do You Really Want to Hurt Me

I'll Tumble 4 Ya

White Boy (Dance Mix)

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Duran Duran - Duran Duran (1981)

Duran Duran - Duran Duran (1981)

O primeiro álbum do Duran Duran foi Duran Duran, lançado em 15 de junho de 1981 pela EMI Records. O disco marcou a estreia de uma das bandas britânicas mais importantes da década de 1980 e apresentou uma combinação inovadora de new wave, synth-pop, funk, disco e elementos do punk. Formado em Birmingham por Simon Le Bon, Nick Rhodes, John Taylor, Roger Taylor e Andy Taylor, o grupo surgiu em meio à explosão da chamada New Romantic, movimento que valorizava tanto a música eletrônica quanto a estética visual. Desde o início, o Duran Duran demonstrou uma preocupação incomum com a apresentação visual de sua música, algo que posteriormente seria decisivo para seu sucesso na MTV. O álbum trouxe faixas como Planet Earth, primeiro single do grupo, e Girls on Film, que se tornaria uma das músicas mais conhecidas de sua carreira. A produção combinava sintetizadores, linhas de baixo marcantes e guitarras dançantes, criando um som moderno para o início dos anos 1980. A voz de Simon Le Bon acrescentava uma dimensão dramática às canções, enquanto Nick Rhodes contribuía para a atmosfera eletrônica característica do grupo. O disco, portanto, não foi apenas uma estreia comercial, mas também uma declaração estética que antecipava a enorme transformação do pop britânico durante aquela década.

A recepção crítica ao álbum foi positiva, embora alguns críticos tenham considerado a proposta visual da banda mais forte do que sua maturidade musical naquele primeiro momento. A imprensa britânica especializada acompanhou atentamente o surgimento do Duran Duran, especialmente porque o grupo parecia reunir características de várias tendências contemporâneas em uma única formação. A Rolling Stone posteriormente reconheceu a importância do álbum dentro da evolução do pop e da new wave britânica, enquanto outras publicações passaram a destacar a maneira como o grupo ajudou a transformar o videoclipe em parte essencial da experiência musical. Comercialmente, entretanto, o álbum teve uma trajetória bastante curiosa. Inicialmente, alcançou apenas o número 3 na parada britânica, mas seu sucesso cresceu progressivamente com a expansão da popularidade da banda. Nos Estados Unidos, o disco teve desempenho mais modesto em seu lançamento inicial, mas posteriormente conquistou novos ouvintes quando a MTV começou a exibir os videoclipes do grupo. Girls on Film, especialmente, ganhou enorme notoriedade graças ao seu videoclipe provocativo, enquanto Planet Earth ajudou a estabelecer a identidade sonora e visual do Duran Duran. O álbum acabou se tornando um importante ponto de partida para uma carreira internacional que explodiria definitivamente com Rio, em 1982.

O legado de Duran Duran está diretamente relacionado ao nascimento do chamado “MTV pop” dos anos 1980. O grupo percebeu antes de muitos de seus contemporâneos que a música popular estava se tornando uma experiência audiovisual e investiu fortemente em videoclipes sofisticados, figurinos e uma imagem cuidadosamente construída. Essa estratégia seria fundamental para o enorme sucesso internacional alcançado posteriormente pela banda. Musicalmente, o álbum também estabeleceu elementos que seriam aperfeiçoados nos trabalhos seguintes, especialmente a combinação entre sintetizadores, baixo funk, guitarras e batidas dançantes. A influência do Duran Duran pode ser percebida em diversos artistas posteriores de pop, rock e música eletrônica que passaram a tratar a estética visual como parte inseparável de sua identidade. Embora Rio seja frequentemente considerado o grande álbum clássico da banda, a estreia continua sendo fundamental para compreender como tudo começou. Atualmente, Duran Duran é lembrado como um dos registros mais representativos da primeira fase da New Romantic e como um álbum que capturou perfeitamente a atmosfera musical e cultural do início dos anos 1980. Seu legado permanece associado à ousadia estética, à inovação sonora e ao surgimento de uma das maiores bandas pop britânicas de sua geração.

Duran Duran - Duran Duran (1981)

Girls on Film

Planet Earth

Anyone Out There

To the Shore

Careless Memories

Night Boat

Sound of Thunder

Friends of Mine

Tel Aviv

Pablo Aluísio e Erick Steve.

Madonna - Like a Prayer

Madonna - Like a Prayer 

Que Madonna é uma sobrevivente poucos duvidam. Um dos segredos de sua longa carreira é a forma como ela manipula a mídia em seu favor. Madonna nunca deixou de ser, ao longo de todos esses anos, uma notícia quente! Sua vida pessoal e profissional no fundo se resumem a uma só coisa pois tudo no final das contas vai virar produto da mídia. Ela é de certa forma herdeira de Marilyn Monroe nesse sentido, pois a loira ícone do cinema clássico também transformava aspectos de sua vida privada em forma de autopromoção na grande mídia. Nunca saindo das manchetes, mantendo sempre seu nome em evidência (não importando se de forma positiva ou negativa) Madonna foi sobrevivendo como artista. Assim queiramos ou não lá está Madonna de volta ao noticiário, seja causando polêmica contra a Igreja Católica, ou passeando com seu novo namorado garotão fingindo não ver os paparazzis, ora se envolvendo em alguma troca de farpas com outros artistas. Foi sempre assim, eternamente aparecendo na imprensa de alguma forma que Madonna se sustentou por tantos e tantos anos. Um exemplo que ela aprendeu bem cedo na carreira como bem demonstra esse álbum "Like a Prayer".

O alvo da vez, um dos preferidos da diva, foi a Igreja Católica. Como toda descendente de italianos a cantora sempre teve essa relação de amor e ódio com o catolicismo (afinal seu próprio nome vem da tradição católica romana). Na época Madonna criou polêmica com o clip da música, colocando um Jesus negro em uma igreja de um bairro pobre de Nova Iorque, sofrendo mais uma vez a violência das ruas. Para ser mais ousada ainda surgiu beijando na boca o Messias. Um escândalo! Era o tipo de polêmica que ela queria na época pois se mostrar como uma artista ousada, desafiadora, sempre rendeu bons dividendos de popularidade. E a Igreja Católica com toda sua tradição milenar se mostrou um alvo certeiro mais uma vez. No fundo essas exibições polêmicas de Madonna não possuem qualquer valor mais à sério para se debruçar, pois é queiram ou não seus admiradores, apenas mais uma jogada de marketing. A diva sabe se promover, isso é um fato incontestável. Deixando isso tudo de lado temos aqui uma boa seleção musical com faixas que viraram grandes hits nas rádios. Por essa época de extrema popularidade praticamente todas as canções dos álbuns de Madonna viravam mais cedo ou mais tarde hits radiofônicos. Musicalmente os arranjos, como não poderiam deixar de ser, seguem o receituário da época, ou seja, muitos sintetizadores, melodias dançantes e letras derivativas. Mesmo assim são gravações deliciosamente descartáveis que hoje funcionam como pura nostalgia para quem viveu na época. Uma receita de sucesso que se mostrou imbatível por anos e anos a fio.

Madonna - Like a Prayer (1989)
Like a Prayer 

Express Yourself 

Love Song 

Till Death Do Us Part 

Promise to Try 

Cherish 

Dear Jessie 

Oh Father 

Keep It Together 

Spanish Eyes 

Act of Contrition.

Pablo Aluísio.

A-ha - East of the Sun, West of the Moon

A-ha - East of the Sun, West of the Moon

Não cheguei a comprar na época de seu lançamento, só alguns anos depois. Claro que apesar disso foi impossível escapar de ouvir nas rádios o maior hit do grupo nesse disco, uma nova versão do clássico "Crying in the Rain", composição de Howard Greenfield e Carole King. Já achava essa canção extremamente linda, desde que a ouvira pela primeira vez na interpretação do grupo The Everly Brothers, um dos melhores da história nesse tipo de canção. A versão dos Brothers foi lançada em 1962 e até hoje é considerada a melhor, mesmo assim não vou tirar os méritos do A-ha. Eles fizeram uma bela gravação do standart. Aliás uma das maiores qualidades do A-ha vem justamente dessa sutileza. Eles jamais inventam em músicas que precisam ficar na sua simplicidade original para não perderem sua essência melódica. Nesse ponto acertaram em cheio.

Além dessa excelente faixa inicial o disco ainda traz outros atrativos, como por exemplo, a simpática "Early Morning". Ela foi lançada como single e seu clip foi gravado em pleno Rock in Rio II. A música fez sucesso nas rádios, o que acabou impulsionando suas vendas (no total o álbum conseguiu vender mais de três milhões de cópias ao redor do mundo desde seu lançamento original, um número digamos de respeito). Pois bem, depois dessas duas faixas mais conhecidas o álbum segue em frente com uma coleção de boas canções, todas agradáveis. O A-ha também sempre se mostrou muito bom em álbuns justamente por essa capacidade de os preencher com um bom repertório aos ouvidos. Certo, não existem obras primas, mas todas valem ao menos uma audição descompromissada e relaxante. Curiosamente no meio desse retalho sonoro bem ok, a única que nunca me agradou muito foi justamente a canção título do disco, "East of the Sun". Apesar do bom arranjo de voz e violão (e quarteto de cordas ao fundo) nunca consegui realmente gostar de seu refrão. Já "Cold River" se sobressai por causa de seu ritmo mais voltado a um jazz sofisticado. Só peca por ser curta demais. Então basicamente é isso. Não é o meu disco preferido do A-ha, mas certamente vale a pena ter em sua coleção.

A-ha - East of the Sun, West of the Moon (1990)
Crying in the Rain
Early Morning
I Call Your Name
Slender Frame
East of the Sun
Sycamore Leaves
Waiting for Her
Cold River
The Way We Talk
Rolling Thunder
(Seemingly) Non-stop July

Pablo Aluísio.

Michael Jackson - Dangerous

Michael Jackson - Dangerous

O álbum anterior de Michael Jackson intitulado "Bad" havia vendido a metade das cópias de "Thriller". Por essa razão a indústria fonográfica queria saber se Michael Jackson ainda tinha força para vender milhões de discos novamente como havia ocorrido com seu mais famoso e bem sucedido álbum. E ele conseguiu com esse disco "Dangerous" amenizar bastante os críticos que diziam que ele estava em decadência. "Dangerous" vendeu 32 milhões de cópias ao redor do mundo. Ele ainda era capaz de abalar as estruturas da indústria musical. Aliás é bom deixar claro que nenhum disco de Michael Jackson pode ser considerado um fracasso comercial. Até mesmo seu álbum menos vendido ainda era capaz de vender muito mais cópias do que qualquer outro artista de sua época. Isso é um fato inegável. 

"Dangerous" foi lançado em um período complicado de sua vida. Michael Jackson havia se tornado uma celebridade de tabloides e sua música inegavelmente havia ficado em segundo plano. E isso se refletiu nesse disco. Ele é um tanto irregular, alternando grandes momentos, com algumas mediocridades complicadas de engolir. A faixa de maior sucesso foi "Black or White" que pegava carona naquelas polêmicas que diziam que o artista queria ficar branco, renegando suas origens de homem negro. O clip foi um grande sucesso, com uso inovador de computação gráfica. Curiosamente o próprio Michael quase nem aparecia nele. Das músicas do disco as que mais aprecio são "Heal the World" e "Will You Be There". As demais sempre me soaram bem genéricas. Nunca consegui gostar nem ao menos da faixa título do álbum. Enfim, essa é minha opinião sobre esse disco. Foi bem sucedido comercialmente, mas artisticamente falando deixou um pouco a desejar. 

Michael Jackson - Dangerous (1991)

Jam

Why You Wanna Trip on Me

In the Closet

She Drives Me Wild

Remember the Time

Can't Let Her Get Away

Heal the World

Black or White

Who Is It

Give In To Me

Will You Be There

Keep the Faith

Gone Too Soon

Dangerous

Pablo Aluísio. 

Bruce Springsteen - The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle

Bruce Springsteen - The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle

O segundo álbum de estúdio de Bruce Springsteen foi The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, lançado em 11 de setembro de 1973. Lançado apenas oito meses após seu disco de estreia, Greetings from Asbury Park, N.J., The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle representou um enorme salto artístico na carreira de Bruce Springsteen. Produzido por Mike Appel e Jim Cretecos, o álbum abandonou parte da influência folk do primeiro trabalho para abraçar uma sonoridade muito mais ampla, incorporando rock, soul, jazz, rhythm and blues e música latina. Foi também o primeiro disco a destacar plenamente a E Street Band como elemento fundamental da identidade musical de Springsteen. As letras tornaram-se mais cinematográficas e românticas, retratando a juventude, os bairros operários de Nova Jersey, os sonhos e as desilusões da vida urbana. Embora tenha sido um fracasso comercial em seu lançamento, o álbum é hoje considerado um dos trabalhos mais criativos e inspirados de toda a carreira do artista, antecipando muitos dos elementos que seriam aperfeiçoados em Born to Run dois anos depois.

A recepção crítica foi extremamente positiva. A Rolling Stone elogiou o álbum como "uma obra exuberante de imaginação musical", destacando a capacidade de Springsteen de criar personagens memoráveis e narrativas ricas em detalhes. A revista Billboard ressaltou a maturidade das composições e a energia da E Street Band, afirmando que Bruce possuía potencial para se tornar um dos grandes nomes do rock americano. A Variety destacou a riqueza instrumental do disco e a mistura de estilos musicais, observando que o álbum exigia várias audições para revelar toda a sua complexidade. Embora alguns críticos considerassem o trabalho pouco acessível para o rádio, a maioria reconhecia que Springsteen estava desenvolvendo uma linguagem artística extremamente pessoal.

Os grandes jornais americanos também ficaram impressionados com o talento do jovem compositor. O The New York Times escreveu que Springsteen demonstrava "uma rara capacidade de transformar cenas cotidianas em histórias épicas", elogiando particularmente "Rosalita (Come Out Tonight)" e "New York City Serenade". O Los Angeles Times destacou a influência de Bob Dylan e Van Morrison, mas observou que Bruce já possuía uma identidade própria como compositor. Décadas depois, a Rolling Stone incluiria The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle entre os maiores álbuns da história do rock, destacando faixas como "Incident on 57th Street", "Kitty's Back" e "Rosalita" como verdadeiras obras-primas. Atualmente, muitos críticos consideram este um dos discos mais subestimados da década de 1970.

Do ponto de vista comercial, o álbum teve um desempenho decepcionante em seu lançamento. Assim como seu antecessor, não conseguiu alcançar posições significativas na Billboard 200 e vendeu apenas algumas dezenas de milhares de cópias nos primeiros meses. Nenhum single tornou-se um grande sucesso nas rádios, o que limitou sua divulgação. No entanto, as apresentações ao vivo de Springsteen começaram a ganhar enorme reputação, e várias músicas do álbum, especialmente "Rosalita (Come Out Tonight)", transformaram-se em momentos obrigatórios de seus shows. Após o enorme sucesso de Born to Run em 1975, as vendas de The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle cresceram continuamente, levando o disco a receber certificações de ouro e, posteriormente, de platina nos Estados Unidos.

O legado de The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle é hoje extraordinário. Muitos historiadores da música o consideram um dos álbuns mais criativos da carreira de Bruce Springsteen, destacando sua combinação de poesia urbana, exuberância instrumental e liberdade artística. Diversos músicos apontam o disco como influência importante por sua mistura de rock, soul, jazz e narrativas cinematográficas. Para os fãs, ele representa o Bruce Springsteen mais espontâneo e aventureiro, antes da consagração mundial com Born to Run. Faixas como "Rosalita", "Incident on 57th Street" e "New York City Serenade" continuam sendo celebradas como algumas das melhores composições de sua carreira. Mais de cinquenta anos após seu lançamento, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle permanece como uma joia do rock americano e uma obra essencial para compreender a evolução artística de Bruce Springsteen.

Bruce Springsteen - The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle (1973)

The E Street Shuffle

4th of July, Asbury Park (Sandy)

Kitty's Back

Wild Billy's Circus Story

Incident on 57th Street

Rosalita (Come Out Tonight)

New York City Serenade

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Elton John - Tumbleweed Connection

Elton John - Tumbleweed Connection 

O terceiro álbum de estúdio de Elton John foi Tumbleweed Connection, lançado em 30 de outubro de 1970. Lançado poucos meses após o sucesso de seu álbum homônimo, Elton John (1970), Tumbleweed Connection representou um notável avanço artístico na carreira do músico britânico. Embora Elton John fosse inglês, ele e seu principal parceiro de composições, Bernie Taupin, criaram uma obra profundamente inspirada na cultura, na história e no imaginário do Velho Oeste americano. O álbum não é uma trilha sonora nem um disco conceitual tradicional, mas suas canções compartilham uma atmosfera comum, evocando soldados da Guerra Civil Americana, fazendeiros, viajantes e personagens típicos da fronteira dos Estados Unidos. Musicalmente, o disco mistura rock, country, folk, gospel e blues, apresentando uma sonoridade mais orgânica e madura do que seus trabalhos anteriores. Embora inicialmente não tenha produzido grandes sucessos em forma de singles, Tumbleweed Connection consolidou Elton John como um artista de enorme profundidade criativa e demonstrou que sua carreira iria muito além do pop convencional.

A crítica musical recebeu o álbum com entusiasmo, reconhecendo sua maturidade e originalidade. A Billboard destacou que Elton John havia criado "uma obra de rara consistência", elogiando especialmente a qualidade das composições e dos arranjos. A Rolling Stone publicou uma crítica extremamente favorável, afirmando que o cantor "encontrou uma identidade artística própria", destacando a parceria entre Elton John e Bernie Taupin como uma das mais promissoras da música contemporânea. A Variety ressaltou a riqueza musical do disco e observou que sua ausência de singles óbvios era compensada pela excelente qualidade do conjunto. No Reino Unido, a New Musical Express (NME) elogiou o refinamento das composições e a impressionante capacidade de Taupin de escrever letras inspiradas na cultura americana, apesar de jamais ter visitado os Estados Unidos quando escreveu grande parte delas.

A imprensa também destacou o caráter incomum do projeto. O The New York Times observou que Elton John e Bernie Taupin conseguiram criar "uma visão romântica e surpreendentemente convincente do Oeste americano", ressaltando a força emocional de músicas como "Burn Down the Mission". O Los Angeles Times destacou a maturidade vocal de Elton e a riqueza instrumental do álbum, afirmando que ele "soa muito mais como uma obra completa do que uma simples coleção de canções". A The New Yorker chamou atenção para a combinação entre lirismo, melodias sofisticadas e produção elegante, observando que o disco fugia completamente dos padrões comerciais da época. Décadas depois, diversas publicações passaram a considerar Tumbleweed Connection um dos melhores trabalhos de toda a carreira de Elton John.

Comercialmente, Tumbleweed Connection obteve um desempenho bastante sólido, mesmo sem o apoio de um grande single de sucesso. O álbum alcançou a quinta posição na Billboard 200 dos Estados Unidos, desempenho superior ao obtido em seu país de origem, onde chegou ao segundo lugar na UK Albums Chart. Ao longo dos anos, vendeu milhões de cópias em todo o mundo e recebeu certificações de ouro e platina em diversos mercados. O sucesso do disco consolidou Elton John no mercado norte-americano, que rapidamente se tornaria sua principal base de fãs durante toda a década de 1970. Além disso, músicas como "Country Comfort", "Burn Down the Mission" e "Amoreena" tornaram-se favoritas do público e passaram a integrar frequentemente suas apresentações ao vivo. O álbum também abriu caminho para a extraordinária sequência de sucessos comerciais que Elton lançaria nos anos seguintes.

O legado de Tumbleweed Connection cresceu continuamente ao longo das décadas. Atualmente, críticos e historiadores da música frequentemente o classificam entre os maiores álbuns da carreira de Elton John e um dos melhores discos de singer-songwriter da década de 1970. Muitos especialistas destacam a perfeita integração entre as letras cinematográficas de Bernie Taupin e as melodias inspiradas de Elton John, formando uma das parcerias mais importantes da história da música popular. Para os fãs, o álbum representa uma fase em que Elton privilegiava a construção de obras completas em vez da busca por sucessos imediatos nas paradas. Sua influência pode ser percebida em diversos artistas que posteriormente combinaram rock, folk e música americana em trabalhos conceituais. Mais de cinco décadas após seu lançamento, Tumbleweed Connection continua sendo considerado uma obra-prima discreta, porém fundamental, da discografia de Elton John.

Elton John - Tumbleweed Connection (1970)

Ballad of a Well-Known Gun

Come Down in Time

Country Comfort

Son of Your Father

My Father's Gun

Where to Now St. Peter?

Love Song

Amoreena

Talking Old Soldiers

Burn Down the Mission

Erick Steve e Pablo Aluísio. 

Queen - A Night at the Opera

Queen - A Night at the Opera

Lançado em 21 de novembro de 1975, A Night at the Opera foi o quarto álbum de estúdio do Queen e é amplamente considerado a obra-prima da carreira da banda. Produzido por Roy Thomas Baker e pelo próprio grupo, o disco recebeu esse título em homenagem ao clássico filme homônimo dos Irmãos Marx. Na época de sua gravação, tornou-se o álbum mais caro já produzido no Reino Unido, refletindo a ambição artística de Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor e John Deacon. Musicalmente, o trabalho rompeu fronteiras ao reunir hard rock, rock progressivo, pop, folk, music hall, ópera, heavy metal e música erudita em um único álbum. Cada integrante contribuiu com composições próprias, resultando em um repertório extremamente variado, mas surpreendentemente coeso. O lançamento de A Night at the Opera elevou o Queen definitivamente ao primeiro escalão do rock mundial e transformou a banda em um fenômeno internacional.

A recepção crítica foi extremamente positiva e confirmou que o Queen havia alcançado um novo patamar artístico. A Billboard classificou o álbum como "uma demonstração impressionante de criatividade, técnica e produção", destacando a ousadia das composições e a qualidade sonora. A Rolling Stone elogiou o trabalho como "uma aventura musical exuberante", ressaltando a capacidade da banda de combinar estilos completamente diferentes sem perder unidade. No Reino Unido, a New Musical Express (NME) afirmou que o disco representava "o momento em que o Queen deixa de prometer grandeza para efetivamente alcançá-la". Já a Melody Maker destacou a riqueza dos arranjos vocais e instrumentais, observando que poucas bandas possuíam tamanho domínio técnico. A crítica também reconheceu que Freddie Mercury surgia como um dos compositores e vocalistas mais criativos do rock da década de 1970.

Os grandes jornais e revistas culturais dedicaram amplo espaço ao lançamento. O The New York Times descreveu o álbum como "um exercício brilhante de imaginação musical", observando que o Queen havia expandido significativamente os limites do rock convencional. O Los Angeles Times elogiou a produção sofisticada e afirmou que o disco "combina espetáculo e substância de maneira rara na música popular". A The New Yorker destacou especialmente "Bohemian Rhapsody", classificando-a como uma composição que desafia qualquer categorização tradicional dentro do rock. Décadas mais tarde, a Rolling Stone incluiria A Night at the Opera em suas listas dos maiores álbuns de todos os tempos, enquanto diversos críticos passariam a apontá-lo como um dos discos mais influentes já produzidos no gênero.

No aspecto comercial, A Night at the Opera foi um sucesso extraordinário. O álbum alcançou o primeiro lugar na UK Albums Chart e entrou no Top 5 da Billboard 200, tornando-se o maior sucesso internacional do Queen até aquele momento. Estima-se que tenha vendido mais de seis milhões de cópias em todo o mundo, recebendo múltiplas certificações de platina em diversos países. O principal responsável por esse desempenho foi o single "Bohemian Rhapsody", que permaneceu nove semanas consecutivas no primeiro lugar das paradas britânicas e alcançou enorme sucesso em diversos mercados internacionais. Outras faixas, como "You're My Best Friend" e "Love of My Life", também se tornaram clássicos da banda. O enorme sucesso do álbum consolidou definitivamente o Queen como uma das maiores atrações do rock mundial e abriu caminho para uma sequência de discos igualmente bem-sucedidos.

O legado de A Night at the Opera é simplesmente monumental. Especialistas em música frequentemente o classificam entre os maiores álbuns da história do rock, destacando sua produção inovadora, sua diversidade estilística e sua extraordinária criatividade. "Bohemian Rhapsody" tornou-se uma das músicas mais famosas de todos os tempos, sendo considerada por muitos críticos a maior composição da história do rock, graças à sua estrutura incomum, às harmonias vocais complexas e à fusão entre ópera e rock. O álbum influenciou inúmeras bandas de diferentes estilos e continua sendo estudado por músicos, produtores e historiadores da música. Para os fãs, representa o auge criativo do Queen e o momento em que Freddie Mercury e seus companheiros alcançaram plena maturidade artística. Quase cinco décadas após seu lançamento, A Night at the Opera permanece como uma obra-prima absoluta da música popular e um dos discos mais importantes do século XX.

Queen - A Night at the Opera (1975)

Death on Two Legs (Dedicated to...)

Lazing on a Sunday Afternoon

I'm in Love with My Car

You're My Best Friend

'39

Sweet Lady

Seaside Rendezvous

The Prophet's Song

Love of My Life

Good Company

Bohemian Rhapsody

God Save the Queen

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Queen - Sheer Heart Attack

Queen - Sheer Heart Attack 

Lançado em 8 de novembro de 1974, Sheer Heart Attack foi o terceiro álbum de estúdio do Queen e representou o trabalho que finalmente projetou a banda para o estrelato internacional. Depois da ambição progressiva de Queen II, o grupo optou por um disco mais direto e diversificado, sem abrir mão da sofisticação musical que já caracterizava seu estilo. Gravado em diversos estúdios britânicos durante um período em que Brian May enfrentava problemas de saúde, o álbum foi produzido por Roy Thomas Baker e pela própria banda. O repertório passeia pelo hard rock, glam rock, heavy metal, music hall, pop e até jazz, demonstrando a versatilidade criativa de Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor e John Deacon. O impacto do disco foi imediato: ele mostrou que o Queen era capaz de produzir músicas experimentais e, ao mesmo tempo, acessíveis ao grande público, estabelecendo as bases para o sucesso monumental que viria com A Night at the Opera no ano seguinte.

A recepção crítica foi significativamente mais positiva do que a obtida pelos álbuns anteriores. A New Musical Express (NME) destacou que o Queen havia encontrado "o equilíbrio perfeito entre virtuosismo e apelo comercial", elogiando especialmente a diversidade estilística do álbum. A Melody Maker afirmou que a banda demonstrava uma confiança impressionante, classificando Sheer Heart Attack como um dos discos mais criativos lançados em 1974. Nos Estados Unidos, a Billboard ressaltou a força dos arranjos e das harmonias vocais, observando que o grupo finalmente possuía um álbum capaz de conquistar o mercado americano. A Rolling Stone publicou uma crítica favorável, elogiando a ousadia musical da banda e descrevendo o álbum como "uma explosão de energia, técnica e imaginação". A revista também destacou a habilidade do Queen em transitar entre diferentes estilos sem perder sua identidade sonora.

A imprensa generalista também reconheceu a evolução do grupo. O The New York Times observou que o Queen estava deixando de ser apenas uma promessa do rock britânico para se tornar uma das bandas mais originais da década. O Los Angeles Times elogiou a produção sofisticada e a impressionante performance vocal de Freddie Mercury, chamando atenção para a riqueza dos arranjos e das sobreposições vocais. Décadas depois, a The New Yorker descreveria Sheer Heart Attack como "o álbum que revelou plenamente o potencial criativo do Queen", destacando faixas como "Killer Queen", "Brighton Rock" e "Stone Cold Crazy". Esta última, inclusive, seria posteriormente reconhecida como uma das principais influências para o desenvolvimento do thrash metal por bandas como Metallica.

Do ponto de vista comercial, Sheer Heart Attack foi um enorme avanço para a banda. O álbum alcançou a segunda posição na UK Albums Chart e chegou ao Top 20 da Billboard 200 nos Estados Unidos, abrindo definitivamente as portas do mercado norte-americano para o Queen. O single "Killer Queen" tornou-se o primeiro grande sucesso internacional do grupo, alcançando o segundo lugar nas paradas britânicas e o décimo segundo lugar na Billboard Hot 100. O disco vendeu milhões de cópias ao longo dos anos e recebeu certificações de ouro e platina em diversos países. Seu excelente desempenho consolidou o Queen como um dos nomes mais importantes do rock mundial e criou enorme expectativa para o álbum seguinte, que acabaria sendo A Night at the Opera.

O legado de Sheer Heart Attack é hoje amplamente reconhecido por críticos, músicos e fãs. Muitos especialistas o consideram o álbum em que o Queen encontrou definitivamente sua identidade artística, reunindo todas as características que marcariam sua carreira: criatividade, virtuosismo instrumental, harmonias vocais complexas, letras sofisticadas e uma impressionante diversidade de estilos. "Killer Queen" permanece como uma das músicas mais elegantes e celebradas do grupo, enquanto "Stone Cold Crazy" é frequentemente apontada como precursora do speed metal e do thrash metal. Para os fãs, o disco representa o momento em que o Queen deixou de ser apenas uma excelente banda britânica para se transformar em uma potência mundial do rock. Mais de cinquenta anos após seu lançamento, Sheer Heart Attack continua sendo considerado um dos grandes clássicos da década de 1970 e uma obra indispensável na discografia da banda.

Queen - Sheer Heart Attack (1974)

Brighton Rock

Killer Queen

Tenement Funster

Flick of the Wrist

Lily of the Valley

Now I'm Here

In the Lap of the Gods

Stone Cold Crazy

Dear Friends

Misfire

Bring Back That Leroy Brown

She Makes Me (Stormtrooper in Stilettos)

In the Lap of the Gods... Revisited

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Queen - Queen II

Queen - Queen II 

Lançado em 8 de março de 1974, Queen II foi o segundo álbum de estúdio do Queen e representou um salto artístico extraordinário em relação ao disco de estreia. Gravado nos estúdios Trident, em Londres, e produzido por Roy Thomas Baker, em parceria com a própria banda, o álbum consolidou a identidade sonora do Queen ao combinar hard rock, rock progressivo, música clássica e harmonias vocais extremamente elaboradas. Diferentemente do primeiro disco, Queen II foi concebido como uma obra mais ambiciosa, dividida simbolicamente entre o "Lado Branco", dominado pelas composições de Brian May, e o "Lado Negro", centrado nas criações de Freddie Mercury. O álbum apresentou uma atmosfera épica, repleta de referências à fantasia e à literatura, estabelecendo muitas das características que fariam do Queen uma das bandas mais inovadoras e espetaculares da história do rock. Embora inicialmente tenha sido um sucesso mais expressivo no Reino Unido do que nos Estados Unidos, o disco foi decisivo para consolidar a reputação artística do grupo.

A crítica da época reconheceu a ousadia do projeto, embora as avaliações tenham sido variadas. A revista New Musical Express (NME) elogiou a criatividade da banda, afirmando que Queen II era "uma demonstração impressionante de imaginação musical e técnica instrumental". A Melody Maker destacou a complexidade dos arranjos e as harmonias vocais, observando que o grupo possuía uma personalidade distinta dentro do cenário do rock britânico. A revista Billboard apontou que o álbum apresentava enorme potencial artístico, embora pudesse parecer excessivamente sofisticado para parte do público americano. Já a Rolling Stone publicou uma crítica inicialmente mais reservada, considerando o disco tecnicamente impressionante, mas excessivamente grandioso em alguns momentos. Com o passar dos anos, porém, essa avaliação seria amplamente revista, e a própria revista passaria a reconhecer Queen II como um dos trabalhos fundamentais da banda.

Os grandes jornais também perceberam que o Queen estava desenvolvendo uma identidade única. O The New York Times observou que o grupo demonstrava uma ambição incomum para uma banda tão jovem, explorando estruturas musicais complexas e uma produção extremamente elaborada. O Los Angeles Times destacou o virtuosismo dos músicos e a impressionante extensão vocal de Freddie Mercury, chamando atenção para a riqueza dos arranjos. Décadas depois, a The New Yorker revisitou o álbum e o descreveu como "o verdadeiro nascimento da identidade artística do Queen", ressaltando que muitas ideias desenvolvidas em Queen II seriam levadas ao auge em A Night at the Opera. Hoje, diversos críticos consideram esse álbum uma das primeiras grandes obras-primas do rock progressivo britânico da década de 1970.

Comercialmente, Queen II representou o primeiro grande avanço da banda. O álbum alcançou a quinta posição na UK Albums Chart, tornando-se o primeiro disco do grupo a entrar no Top 10 britânico. Embora seu desempenho inicial nos Estados Unidos tenha sido mais modesto, o álbum vendeu continuamente ao longo das décadas, impulsionado pelo enorme sucesso internacional que o Queen alcançaria a partir de 1975. O single "Seven Seas of Rhye" tornou-se o primeiro grande sucesso da banda, chegando ao Top 10 britânico e proporcionando ao grupo ampla exposição na televisão, especialmente após uma marcante apresentação no programa Top of the Pops. Posteriormente, Queen II recebeu certificações de ouro e platina em diversos países, consolidando-se como um dos discos mais importantes da fase inicial da carreira do grupo.

O legado de Queen II cresceu de maneira impressionante com o passar dos anos. Atualmente, especialistas em música frequentemente o classificam entre os melhores álbuns da discografia do Queen e um dos grandes clássicos do rock dos anos 1970. Muitos músicos apontam o disco como uma influência decisiva pela riqueza das harmonias, pelas múltiplas sobreposições vocais e pela produção extremamente sofisticada. Para os fãs, ele representa o momento em que Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor e John Deacon encontraram plenamente sua identidade artística. Canções como "Seven Seas of Rhye", "The March of the Black Queen" e "White Queen (As It Began)" continuam sendo celebradas como algumas das composições mais criativas da carreira da banda. Mais de cinquenta anos após seu lançamento, Queen II permanece como uma obra essencial para compreender a evolução do Queen rumo ao estrelato mundial.

Queen - Queen II (1974)

Procession

Father to Son

White Queen (As It Began)

Some Day One Day

The Loser in the End

Ogre Battle

The Fairy Feller's Master-Stroke

Nevermore

The March of the Black Queen

Funny How Love Is

Seven Seas of Rhye

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Eagles - One of These Nights

Eagles - One of These Nights

Lançado em 10 de junho de 1975, One of These Nights representou o verdadeiro ponto de virada na carreira do Eagles. Embora os dois primeiros álbuns já tivessem estabelecido o grupo como um dos principais nomes do country rock, foi com este trabalho que a banda alcançou o estrelato mundial. Produzido por Bill Szymczyk, o disco marcou uma evolução sonora significativa, incorporando elementos de rock, rhythm and blues, soul e pop sem abandonar completamente suas raízes country. As composições de Don Henley e Glenn Frey tornaram-se mais sofisticadas, enquanto os arranjos ganharam maior refinamento. O álbum também foi o último a contar com o guitarrista Bernie Leadon, encerrando uma fase importante da história da banda. Seu lançamento consolidou os Eagles como um dos maiores grupos do rock americano da década de 1970 e abriu caminho para o monumental sucesso de Hotel California, lançado no ano seguinte.

A recepção crítica foi amplamente positiva e reconheceu a clara evolução artística da banda. A revista Billboard elogiou o álbum por combinar "excelente composição, produção impecável e enorme potencial comercial", destacando a faixa-título como um dos melhores singles do ano. A Variety observou que os Eagles haviam ampliado sua identidade musical ao incorporar influências de soul e funk sem perder sua essência. A Rolling Stone publicou uma análise bastante favorável, afirmando que "a banda finalmente encontrou um equilíbrio perfeito entre ambição artística e apelo popular". No Reino Unido, a NME (New Musical Express) destacou a qualidade das harmonias vocais e a maturidade das letras, classificando o disco como um dos lançamentos mais importantes de 1975.

A imprensa americana também recebeu o álbum com entusiasmo. O The New York Times destacou que os Eagles haviam "superado definitivamente a imagem de simples banda country-rock", elogiando a diversidade musical e a sofisticação dos arranjos. O Los Angeles Times escreveu que One of These Nights apresentava "algumas das melhores composições da música popular americana naquele momento", especialmente "Lyin' Eyes" e "Take It to the Limit". A The New Yorker ressaltou a habilidade do grupo em produzir músicas acessíveis sem abrir mão da qualidade artística, observando que o álbum representava uma evolução natural da banda. Décadas mais tarde, muitos críticos passaram a considerar este trabalho como a verdadeira ponte entre o country rock dos primeiros Eagles e o rock sofisticado que caracterizaria seus maiores sucessos.

Comercialmente, One of These Nights foi um enorme sucesso. O álbum tornou-se o primeiro da banda a alcançar o primeiro lugar na Billboard 200, permanecendo várias semanas no topo da parada. Nos Estados Unidos, vendeu mais de quatro milhões de cópias e recebeu certificação de platina múltipla da Recording Industry Association of America, enquanto suas vendas mundiais ultrapassaram a marca de cinco milhões de unidades. Os singles "One of These Nights", "Lyin' Eyes" e "Take It to the Limit" tornaram-se grandes sucessos nas rádios, com a faixa-título alcançando o primeiro lugar da Billboard Hot 100 e "Lyin' Eyes" conquistando um Grammy Award de Melhor Performance Pop por Duo ou Grupo com Vocais. O êxito comercial confirmou definitivamente os Eagles como uma das maiores bandas do mundo.

O legado de One of These Nights permanece extraordinário. Hoje, especialistas o consideram um dos álbuns fundamentais da década de 1970 e uma das obras que ajudaram a redefinir o country rock, aproximando-o do rock de arena e do pop sofisticado. Críticos frequentemente destacam o equilíbrio entre excelência técnica, qualidade composicional e enorme apelo comercial, características que se tornariam marcas registradas da banda. Para os fãs, o disco representa o momento em que os Eagles atingiram plena maturidade artística, reunindo algumas das canções mais queridas de seu catálogo. Embora Hotel California costume receber maior reconhecimento popular, muitos historiadores da música enxergam One of These Nights como o álbum que realmente transformou os Eagles em uma potência criativa e comercial. Mais de cinquenta anos após seu lançamento, ele continua figurando entre os grandes clássicos do rock americano.

Eagles - One of These Nights (1975)

One of These Nights

Too Many Hands

Hollywood Waltz

Journey of the Sorcerer

Lyin' Eyes

Take It to the Limit

Visions

After the Thrill Is Gone

I Wish You Peace

Erick Steve. 

Eagles - Desperado

Eagles - Desperado 

Lançado em 17 de abril de 1973, Desperado foi o segundo álbum de estúdio do Eagles e marcou uma mudança significativa em relação ao bem-sucedido disco de estreia da banda. Em vez de simplesmente repetir a fórmula do country rock que os havia colocado em evidência, o grupo decidiu produzir um álbum conceitual inspirado na mitologia do Velho Oeste americano e na vida dos fora da lei do século XIX, especialmente a gangue de Doolin-Dalton. Sob a produção de Glyn Johns, o disco apresentou um som mais sofisticado e introspectivo, dando maior destaque às composições de Don Henley e Glenn Frey. Embora não tenha produzido grandes sucessos radiofônicos imediatos, Desperado consolidou a reputação da banda como compositora de obras mais ambiciosas e artisticamente consistentes. A faixa-título, em especial, tornou-se uma das canções mais importantes da carreira dos Eagles e um clássico permanente da música americana.

A recepção crítica na época foi respeitosa, embora não unânime. A revista Billboard destacou a maturidade do grupo, afirmando que o álbum demonstrava "um crescimento impressionante em composição e arranjos". A Variety elogiou a atmosfera cinematográfica do disco e a habilidade dos Eagles em criar uma narrativa coerente do início ao fim. Já a Rolling Stone publicou uma crítica mais moderada, observando que a ambição conceitual do álbum era admirável, embora algumas músicas não alcançassem plenamente seus objetivos dramáticos. No Reino Unido, a NME (New Musical Express) ressaltou a excelente qualidade das harmonias vocais e a influência crescente do country na identidade sonora da banda, ainda que considerasse o álbum menos acessível do que o trabalho de estreia.

Os grandes jornais americanos também reconheceram o esforço artístico representado por Desperado. O The New York Times observou que os Eagles buscavam "expandir os limites do country rock por meio de uma narrativa cuidadosamente construída", destacando a força emocional da faixa "Desperado". O Los Angeles Times elogiou o refinamento instrumental e a evolução das composições, afirmando que a banda demonstrava maturidade incomum para um segundo álbum. A The New Yorker dedicou atenção especial ao lirismo das canções, destacando como a imagem do fora da lei servia de metáfora para solidão, liberdade e fracasso. Com o passar dos anos, muitas dessas análises foram reavaliadas, e diversos críticos passaram a considerar Desperado um dos trabalhos mais importantes da discografia do grupo.

Do ponto de vista comercial, Desperado teve um desempenho apenas moderado em seu lançamento. O álbum alcançou a 41ª posição na Billboard 200, resultado inferior ao esperado pela gravadora, e inicialmente vendeu menos que seu antecessor. A ausência de grandes singles de sucesso limitou seu impacto imediato nas paradas, embora músicas como "Tequila Sunrise", lançada em single, tenham obtido boa execução nas rádios. Com o crescimento extraordinário da popularidade dos Eagles na segunda metade da década de 1970, especialmente após os álbuns One of These Nights, Hotel California e The Long Run, Desperado passou a vender continuamente, recebendo certificações de ouro e posteriormente de platina nos Estados Unidos. Hoje, estima-se que suas vendas ultrapassem dois milhões de cópias apenas no mercado americano, tornando-o um sucesso de longo prazo.

O legado de Desperado cresceu de forma extraordinária ao longo das décadas. Atualmente, críticos e historiadores da música frequentemente o classificam como um dos álbuns fundamentais do country rock e um dos trabalhos mais coesos da carreira dos Eagles. A faixa-título tornou-se uma das canções mais regravadas da música americana, interpretada por dezenas de artistas dos mais variados estilos e constantemente lembrada entre as maiores baladas do rock. Especialistas destacam que o álbum antecipou a sofisticação composicional que culminaria em Hotel California alguns anos depois. Para os fãs, Desperado representa um momento em que a banda demonstrou coragem para priorizar a qualidade artística acima do sucesso imediato. Mais de cinquenta anos após seu lançamento, o disco permanece como uma das obras mais respeitadas dos Eagles e um clássico incontestável da música popular norte-americana.

Eagles - Desperado (1973)

Doolin-Dalton

Twenty-One

Out of Control

Tequila Sunrise

Desperado

Certain Kind of Fool

Doolin-Dalton (Instrumental)

Outlaw Man

Saturday Night

Bitter Creek

Doolin-Dalton/Desperado (Reprise)

Erick Steve. 

Pink Floyd - Ummagumma

Pink Floyd - Ummagumma 

O álbum Ummagumma, da banda britânica Pink Floyd, foi lançado em 7 de novembro de 1969 pela Harvest Records no Reino Unido e pela Capitol Records nos Estados Unidos. Trata-se de um álbum duplo e um dos trabalhos mais experimentais da carreira do grupo. O primeiro disco foi gravado ao vivo, reunindo apresentações registradas em concertos realizados em Birmingham e Manchester, enquanto o segundo é composto por gravações de estúdio nas quais cada integrante recebeu espaço para desenvolver suas próprias ideias musicais. Essa estrutura incomum permitiu que Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright e Nick Mason explorassem diferentes estilos, desde o rock psicodélico até a música experimental, a vanguarda e a música concreta. O álbum surgiu em um momento de transição para o Pink Floyd, que buscava consolidar uma identidade própria após a saída de Syd Barrett, afastando-se gradualmente da psicodelia mais convencional em direção ao rock progressivo que marcaria os anos seguintes.

A recepção crítica ao lançamento foi bastante dividida. Muitos jornalistas elogiaram a ousadia do projeto e a disposição da banda em experimentar novas linguagens musicais, enquanto outros consideraram parte do material excessivamente abstrato e pouco acessível. Com o passar do tempo, revistas como a Rolling Stone reconheceram Ummagumma como um registro importante da evolução artística do Pink Floyd, embora nem sempre o coloquem entre seus melhores discos. O The New York Times destacou, em análises retrospectivas, que o álbum representa um laboratório criativo no qual a banda começou a desenvolver ideias que seriam aperfeiçoadas em obras-primas posteriores. Comercialmente, o disco foi bem-sucedido, alcançando o Top 5 das paradas britânicas e obtendo boas vendas internacionais. O lado ao vivo recebeu elogios especiais pelas interpretações expansivas de músicas como Astronomy Domine e Careful with That Axe, Eugene, enquanto o material de estúdio permaneceu como um dos capítulos mais desafiadores da discografia do grupo.

Com o passar das décadas, Ummagumma passou a ser visto como uma peça fundamental para compreender a transformação do Pink Floyd em uma das maiores bandas da história do rock. Embora seja um álbum menos acessível do que The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here ou The Wall, ele documenta um período de intensa experimentação e liberdade criativa, no qual os integrantes buscavam expandir os limites da música popular. Muitos críticos enxergam o disco como uma ponte entre a fase psicodélica iniciada com Syd Barrett e a era clássica liderada principalmente por Roger Waters e David Gilmour. Seu impacto pode ser percebido na influência exercida sobre o rock progressivo, a música experimental e até mesmo gêneros como ambient e space rock. Atualmente, Ummagumma continua dividindo opiniões, mas é amplamente respeitado por sua coragem artística e por registrar um momento único da evolução do Pink Floyd. Para muitos admiradores da banda, trata-se de uma obra fascinante justamente por revelar o processo criativo que antecedeu alguns dos álbuns mais importantes da história do rock.

Pink Floyd – Ummagumma (1969)

Disco 1 – Ao vivo

Astronomy Domine

Careful with That Axe, Eugene

Set the Controls for the Heart of the Sun

A Saucerful of Secrets

Disco 2 – Estúdio

5. Sysyphus – Part 1

6. Sysyphus – Part 2

7. Sysyphus – Part 3

8. Sysyphus – Part 4

9. Grantchester Meadows

10. Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict

11. The Narrow Way – Part 1

12. The Narrow Way – Part 2

13. The Narrow Way – Part 3

14. The Grand Vizier's Garden Party – Part 1 (Entrance)

15. The Grand Vizier's Garden Party – Part 2 (Entertainment)

16. The Grand Vizier's Garden Party – Part 3 (Exit)

Erick Steve. 

Pink Floyd - More

Pink Floyd - More

Durante um tempo o Pink Floyd ficou meio perdido. Não tinham ainda um disco de sucesso e nem eram muito conhecidos na Inglaterra. Para sobreviver como banda eles decidiram ingressar no mercado de trilhas sonoras. Para isso era preciso ter originalidade, inspiração e talento para músicas instrumentais. E nisso eles eram muito bons. Outro aspecto a se considerar é que naquele momento, logo após a saída de Syd Barrett, eles ainda não tinham decidido quem seria o vocalista principal do grupo. Tampouco sabiam quem iria escrever as letras das músicas. Então era mesmo um momento de indefinição e também de uma certa insegurança sobre os caminhos que o Pink Floyd iria tomar dali em diante. 

A partir desse álbum o Pink Floyd iria chegar de forma definitiva em sua formação clássica básica com David Gilmour, Roger Waters, Nick Mason e Richard Wright. Eles apenas não queriam que o Pink Floyd chegasse a um fim prematuro. Era além de tudo uma questão de pura sobrevivência no mercado. Mal sabiam eles que estavam prestes a criar um novo movimento dentro do grande universo do rock. Eles seriam os pioneiros do que depois seria chamado de Rock Progressivo, dando origem a um estilo musical que seria seguido por dezenas e dezenas de grandes conjuntos da época. Isso realmente aconteceu involuntariamente enquanto eles iniciavam uma nova revolução cultural no mundo da música inglesa. 

Pink Floyd - More (1969)

Cirrus Minor

The Nile Song

Crying Song

Up The Khyber

Green Is The Colour

Cymbaline

Party Sequence

Main Theme

Ibiza Bar

More Blues

Quicksilver

A Spanish Piece

Dramatic Theme

Pablo Aluísio. 

Diana Ross (1970)

O primeiro álbum solo de Diana Ross foi Diana Ross, lançado em 19 de junho de 1970 pela Motown Records. O disco representou um dos momentos mais importantes da história da música popular americana, pois precisava provar que a antiga líder das The Supremes conseguiria sustentar uma carreira de sucesso sem o grupo que a havia transformado em estrela internacional. A gravadora investiu pesadamente no projeto, entregando sua produção à consagrada dupla de compositores e produtores Nickolas Ashford e Valerie Simpson, responsáveis por boa parte da identidade sonora do álbum. O resultado foi um trabalho sofisticado, que combinava soul, R&B, pop e influências do gospel. O primeiro single, Reach Out and Touch (Somebody's Hand), apresentou ao público uma Diana Ross mais madura e independente artisticamente. Embora o lançamento estivesse cercado por enorme expectativa, o verdadeiro impacto viria com o segundo single do álbum, que transformaria definitivamente sua carreira solo. O disco marcou uma ruptura visual e musical com a imagem glamorosa que ela havia cultivado nos anos anteriores, mostrando uma artista em busca de uma nova identidade. 

A recepção crítica foi bastante positiva e muitos observadores enxergaram o álbum como um teste decisivo para o futuro da cantora. O trabalho recebeu elogios pela qualidade dos arranjos, pela produção refinada e pela interpretação emocional de Diana Ross. Críticos destacaram especialmente sua capacidade de transmitir sensibilidade e elegância sem recorrer a excessos vocais, uma característica que se tornaria uma de suas marcas registradas. O álbum alcançou o primeiro lugar na parada americana de R&B e chegou ao Top 20 da Billboard 200, um resultado considerado excelente para uma estreia solo. O grande destaque foi a nova versão de Ain't No Mountain High Enough, originalmente gravada por Marvin Gaye e Tammi Terrell. A interpretação de Diana transformou a canção em um épico soul de mais de seis minutos, alcançando o primeiro lugar da Billboard Hot 100 e rendendo à cantora sua primeira indicação ao Grammy como artista solo. O sucesso confirmou que ela poderia sobreviver artisticamente longe das Supremes e consolidou sua posição entre as maiores estrelas da Motown. 

Com o passar dos anos, Diana Ross passou a ser reconhecido como um dos álbuns mais importantes da transição entre os anos 1960 e 1970 na música soul. Além de lançar oficialmente a carreira solo da cantora, o disco ajudou a estabelecer um modelo para diversas artistas femininas que buscavam independência artística após experiências em grupos vocais. Sua influência pode ser percebida em intérpretes das décadas seguintes, especialmente na forma como combinava sofisticação, acessibilidade comercial e forte personalidade artística. Muitos críticos ainda consideram este um dos melhores trabalhos da carreira de Diana Ross, graças ao equilíbrio entre produção, repertório e interpretação. O álbum também permanece como um dos grandes exemplos do talento de Ashford & Simpson como produtores. Atualmente, é lembrado não apenas pelo enorme sucesso de “Ain't No Mountain High Enough”, mas por simbolizar o nascimento de uma das carreiras solo mais bem-sucedidas da história da música popular. Mais de cinquenta anos após seu lançamento, continua sendo uma obra fundamental do catálogo da Motown e um clássico da soul music. 

Diana Ross – Diana Ross (1970)

Reach Out and Touch (Somebody's Hand)

Now That There's You

You're All I Need to Get By

These Things Will Keep Me Loving You

Ain't No Mountain High Enough

Something on My Mind

I Wouldn't Change the Man He Is

Keep an Eye

Where There Was Darkness

Can't It Wait Until Tomorrow

Dark Side of the World (presente em algumas edições)[[

Erick Steve. 

John Lennon - Unfinished Music No. 2: Life with the Lions

Segundo álbum de sons experimentais de John Lennon e Yoko Ono. Esse disco nasceu de uma fase bem conturbada na vida do casal. Eles queriam ter um filho para concretizar de vez seu relacionamento mas para Yoko isso estava cada vez mais se tornando distante, principalmente por causa de sua idade. Qualquer gravidez seria de risco por causa disso. Após várias tentativas finalmente Yoko ficou grávida, o que gerou um grande entusiasmo em John. Infelizmente depois de algumas semanas de gestação ela foi internada às pressas em um hospital de Nova Iorque com problemas sérios que acabaram a levando a um aborto. Lennon obviamente ficou bastante arrasado com o fato mas como sempre acontecia resolveu levar sua dor para sua obra. Ao saber que seu filho teria poucas horas de vida, John pediu à equipe de cirurgiões do hospital que gravassem os últimos batimentos cardíacos dele antes de falecer. Essa gravação ele acabou usando justamente aqui nesse disco “Unfinished Music No. 2: Life with the Lions”.

A foto da capa também registrava esse terrível momento com Lennon sentado no chão ao lado de Yoko na cama do hospital. No meio da emergência da situação não havia uma cama para Lennon no leito de Yoko mas ele nem se importou, ficou no chão mesmo, esperando ela se recuperar da cirurgia. Em uma entrevista recordou depois: “Não havia uma cama para o beatle John. Afinal de contas quem precisa de um beatle?”. Esse é um trabalho que segue a filosofia do disco anterior, ou seja, é um tipo muito especifico de proposta que provavelmente só vai interessar mesmo os mais fanáticos fãs de John Lennon e Yoko Ono.

Não tem nada a ver com os discos comerciais de John ao lado dos Beatles. Analisando bem esse tipo de gravação sempre teve muito mais a ver com a arte de Yoko do que a de John. São apenas sons experimentais, sonoridades ao acaso, unidas sem que necessariamente façam algum sentido. Não deixa de ser interessante, temos que reconhecer, mas dificilmente convida o ouvinte a mais de uma audição. O fã de Lennon conhece esse tipo de álbum mais para matar a curiosidade do que por qualquer outra coisa. Tudo soa como alternativo ao extremo. De qualquer maneira fica aqui o registro para os admiradores do membro mais radical dos Beatles. 

John Lennon - Unfinished Music No. 2: Life with the Lions (1969)
Cambridge 1969
No Bed for Beatle John
Baby's Heartbeat
Two Minutes Silence
Radio Play

Pablo Aluísio.

Roberto Carlos - Roberto Carlos Canta Para a Juventude

Como todo brasileiro eu de certa forma também acompanhei a longa carreira do cantor Roberto Carlos. Confesso que não posso ser considerado um fã de carteirinha mas obviamente conheço todos os seus grandes sucessos, até porque é simplesmente impossível ignorar as músicas mais conhecidas dele, já que estavam a todo tempo tocando nas rádios. Também não sou particularmente interessado no trabalho que ele desenvolveu a partir dos anos 70 mas admito que gosto bastante de seus discos dos anos 60, justamente os da fase chamada Jovem Guarda. Naquela época Roberto Carlos era um cantor jovem cujo público também era jovem como ele. Não é de se admirar portanto o nome desse álbum (um dos poucos a receber um título próprio já que o cantor se notabilizou por ter a grande maioria de seus discos chamados simplesmente de "Roberto Carlos"). O clima aqui é de doce inocência, namoro no portão, enquanto a mãe não chama para dentro de casa. Tudo muito puro e juvenil, bem típico dos jovens daqueles anos. A primeira vez que conheci as músicas desse trabalho foi quando veio parar em minhas mãos um compacto duplo da CBS com as seguintes faixas: "História de Um Homem Mau", "Os Sete Cabeludos", "Parei... Olhei" e "Eu Sou Fã do Monoquini".

Logo que de cara gostei bastante de "História de Um Homem Mau", uma versão de  Roberto Rei para a canção americana "Ol'man Mose". Como sempre fui fã de westerns, ouvir aquela letra, muito bem bolada e simpática, foi realmente gratificante. Já os "Os Sete Cabeludos" de Roberto e Erasmo tinha um certo toque cinematográfico, inclusive com efeitos sonoros bem legais. Uma faixa forte para os padrões da jovem guarda, sempre tão doce e apaixonada. Também gostei bastante de "Eu Sou Fã do Monoquini", que usava uma letra bem cafajeste (no bom sentido) para louvar a nova moda que estava quase estourando nas praias cariocas (e que ficaria conhecida anos depois como "Topless"). Já das faixas do álbum sempre gostei bastante de "Brucutu", outra versão nacional para uma música americana. O estilo satirizando o famoso personagem dos quadrinhos mostrava o quanto o disco era pop e antenado com a cultura jovem da época. Há obviamente faixas bem açucaradas e românticas que são a cara da jovem guarda como por exemplo "Não Quero Ver Você Triste" (que tem uma melodia muito bonita) ou até mesmo a doce "Rosita". No geral Roberto Carlos, apesar da pouca idade, já mostrava sinais de que iria de fato se tornar o cantor número 1 do país. Era um jovem focado, carismático, que acima de tudo cantava muito bem. Um artista talentoso realmente. Além disso discos saborosos como esse ajudaram e muito em sua subida para a fama e o sucesso. Um disco para ser redescoberto, certamente.

Roberto Carlos Canta para a Juventude (1965)
História de Um Homem Mau (Ol'man Mose)
Noite de Terror
Como É Bom Saber
Os Sete Cabeludos
Parei... Olhei
Os Velhinhos
Eu Sou Fã do Monoquini
Aquele Beijo Que Te Dei
Brucutu (Alley-oop)
Não Quero Ver Você Triste
A Garota do Baile
Rosita

Pablo Aluísio.