Roy Orbison - At the Rock House

Roy Orbison - At the Rock House

O primeiro álbum lançado por Roy Orbison foi At the Rock House, lançado em 1961 pela Sun Records. O disco reúne gravações feitas por Orbison ainda no final da década de 1950, durante sua passagem pela lendária gravadora de Sam Phillips, responsável também por lançar artistas como Elvis Presley, Johnny Cash e Jerry Lee Lewis. Nesse período inicial de carreira, Roy Orbison ainda estava fortemente ligado ao rockabilly e ao rock and roll tradicional do sul dos Estados Unidos, antes de desenvolver o estilo dramático e operístico que o tornaria mundialmente famoso anos depois. O álbum apresenta um artista jovem tentando encontrar sua identidade musical dentro de um cenário dominado pelo rock explosivo da época. Mesmo assim, já é possível perceber elementos que mais tarde definiriam sua carreira, especialmente o alcance emocional de sua voz e a intensidade melódica de suas interpretações. As gravações possuem produção simples, típica da Sun Records naquele período, mas carregam uma energia espontânea muito característica do nascimento do rock americano.

A recepção crítica ao álbum na época foi relativamente discreta, principalmente porque Roy Orbison ainda não havia alcançado o estrelato internacional que viria poucos anos depois com sucessos como Only the Lonely e Crying. No entanto, análises retrospectivas publicadas por veículos como a Rolling Stone frequentemente destacam At the Rock House como um documento importante das origens artísticas de Orbison. O The New York Times também ressaltou em revisões históricas a maneira como o cantor evoluiu de um intérprete de rockabilly tradicional para um dos artistas mais sofisticados emocionalmente da música pop. Comercialmente, o álbum teve alcance limitado em comparação aos trabalhos posteriores lançados pela Monument Records, mas serviu como ponto de partida para a construção de sua carreira. A experiência adquirida na Sun Records foi fundamental para o amadurecimento artístico de Orbison, especialmente em relação à composição e presença vocal. O disco também representa um momento importante da história do rockabilly, gênero que ajudou a moldar toda a música popular americana do final dos anos 1950.

Com o passar do tempo, At the Rock House ganhou enorme valor histórico e passou a ser apreciado principalmente por fãs e estudiosos do rock clássico. O álbum mostra um Roy Orbison ainda em formação, mas já dotado de um talento vocal muito acima da média e de uma sensibilidade interpretativa incomum para artistas tão jovens. Sua evolução posterior transformaria-o em uma das vozes mais influentes e emocionais da história da música popular. Artistas como The Beatles, Bruce Springsteen e Chris Isaak frequentemente citaram Orbison como grande influência artística. Atualmente, o álbum é visto como um retrato fascinante das raízes musicais de um cantor que mais tarde revolucionaria as baladas românticas do rock. Além disso, ele preserva o espírito cru e espontâneo da Sun Records, gravadora essencial para o nascimento do rock and roll moderno. Seu legado permanece importante tanto para fãs de Roy Orbison quanto para admiradores da história inicial do rock americano.

Roy Orbison - At the Rock House (1961)

This Kind of Love

Devil Doll

You’re My Baby

Trying to Get to You

It’s Too Late

Rock House

Mean Little Mama

Ooby Dooby

Problem Child

Go! Go! Go!

Chicken Hearted

I Like Love

Erick Steve. 

The Jackson 5 - Diana Ross Presents The Jackson 5

The Jackson 5 - Diana Ross Presents The Jackson 5

O primeiro álbum do grupo The Jackson 5 foi Diana Ross Presents The Jackson 5, lançado em dezembro de 1969 pela lendária Motown Records. O disco marcou o surgimento de um dos grupos mais importantes da história da música pop e soul americana, além de apresentar ao mundo o talento extraordinário do jovem Michael Jackson, então com apenas 11 anos de idade. Produzido pela equipe de compositores e produtores conhecida como The Corporation, criada especialmente pela Motown para desenvolver o grupo, o álbum mistura soul, pop e rhythm and blues com uma energia juvenil extremamente contagiante. A participação de Diana Ross no lançamento fazia parte de uma estratégia da gravadora para impulsionar a popularidade do grupo, associando-os a uma das maiores estrelas da Motown naquele período. O álbum apresentou harmonias vibrantes, arranjos sofisticados e uma performance vocal impressionante de Michael Jackson, cuja presença carismática imediatamente chamou atenção do público. Faixas como I Want You Back ajudaram a transformar o grupo em um fenômeno instantâneo, redefinindo o pop juvenil no final dos anos 1960.

A recepção crítica ao álbum foi extremamente positiva, especialmente pela energia e maturidade musical demonstradas pelo grupo apesar da pouca idade de seus integrantes. Décadas depois, publicações como a Rolling Stone passaram a considerar o disco um dos lançamentos mais importantes da história da Motown. O The New York Times também destacou em retrospectivas o impacto cultural causado pelo surgimento dos Jackson 5, especialmente por conseguirem unir públicos de diferentes gerações e origens raciais em um momento socialmente delicado nos Estados Unidos. Comercialmente, o álbum foi um enorme sucesso, impulsionado principalmente pelo single “I Want You Back”, que alcançou o primeiro lugar da Billboard e iniciou uma sequência histórica de sucessos do grupo. O disco consolidou a Motown como uma potência da música pop mundial e transformou os Jackson 5 em estrelas internacionais praticamente da noite para o dia. O sucesso do álbum também abriu caminho para uma nova era de grupos familiares e artistas adolescentes dentro da indústria musical americana.

Com o passar das décadas, Diana Ross Presents The Jackson 5 passou a ser reconhecido como um dos álbuns fundamentais da música pop e soul do século XX. O disco não apenas lançou a carreira dos Jackson 5, mas também marcou o início da trajetória de Michael Jackson rumo ao estrelato mundial. Sua mistura de soul sofisticado, pop acessível e performances vocais emocionantes influenciou profundamente artistas e grupos das décadas seguintes. A energia contagiante do álbum continua sendo admirada até hoje, especialmente pela naturalidade e talento demonstrados por Michael ainda criança. Além do impacto musical, o disco também possui grande relevância cultural por representar um momento de transformação na música negra americana, ampliando o alcance do soul para públicos globais. Atualmente, o álbum permanece como um clássico da Motown e um documento essencial para compreender a evolução da música pop moderna. Seu legado continua vivo tanto entre fãs de soul clássico quanto entre admiradores da carreira histórica da família Jackson.

The Jackson 5 - Diana Ross Presents The Jackson 5 (1969)

Zip-a-Dee-Doo-Dah

Nobody

I Want You Back

Can You Remember

Standing in the Shadows of Love

You’ve Changed

My Cherie Amour

Who’s Lovin’ You

Chained

(I Know) I’m Losing You

Stand!

Christian De Bella. 

Ray Charles - Ray Charles (1957)

Ray Charles – Ray Charles (1957)

O primeiro álbum lançado por Ray Charles foi Ray Charles, lançado em 1957 pela Atlantic Records. O disco surgiu em um momento decisivo da música popular norte-americana, quando rhythm and blues, jazz e gospel começavam a se fundir de maneira mais intensa, criando as bases do que posteriormente seria conhecido como soul music. Ray Charles já vinha chamando atenção por seus singles inovadores ao longo da primeira metade da década de 1950, mas este álbum consolidou definitivamente sua identidade artística. O trabalho apresenta um cantor, pianista e compositor extremamente versátil, capaz de unir emoção gospel, sofisticação jazzística e energia do rhythm and blues em uma linguagem completamente nova para a época. A voz intensa e carregada de sentimento de Ray Charles tornou-se rapidamente reconhecível, enquanto seu piano apresentava influências claras de jazz e boogie-woogie. O álbum também ajudou a estabelecer a reputação da Atlantic Records como uma das gravadoras mais importantes da música negra americana durante os anos 1950. Mesmo sendo um disco montado em grande parte a partir de singles já lançados anteriormente, ele funciona como um retrato poderoso do nascimento artístico de um dos músicos mais influentes do século XX.

A recepção crítica ao álbum foi bastante positiva, especialmente entre jornalistas especializados em rhythm and blues e jazz. Embora revistas modernas como a Rolling Stone ainda não existissem naquele período, análises retrospectivas frequentemente apontam este trabalho como um dos registros fundamentais para a evolução da soul music. O The New York Times destacou em revisões históricas a capacidade de Ray Charles de unir emoção crua e sofisticação musical de forma revolucionária. Faixas como I Got a Woman e Drown in My Own Tears ajudaram a transformar o cantor em uma figura central da música americana, especialmente por introduzirem elementos religiosos em canções seculares, algo considerado ousado naquele contexto cultural. Comercialmente, o álbum teve desempenho muito sólido para um artista de rhythm and blues nos anos 1950 e ampliou significativamente o público de Ray Charles. O sucesso do disco também abriu caminho para sua ascensão definitiva nos anos seguintes, quando passaria a dominar tanto o mercado pop quanto o R&B. Sua mistura inovadora de estilos acabaria influenciando profundamente praticamente toda a música popular produzida nas décadas seguintes.

Com o passar dos anos, Ray Charles passou a ser reconhecido como um dos álbuns mais importantes da história da música americana. O disco ajudou a estabelecer as bases da soul music moderna e redefiniu o papel emocional do cantor popular dentro do rhythm and blues. A influência de Ray Charles sobre artistas como Aretha Franklin, Stevie Wonder, Otis Redding e Elvis Presley é amplamente reconhecida por críticos e músicos. Sua habilidade em atravessar barreiras raciais e musicais transformou-o em uma figura revolucionária dentro da indústria fonográfica americana. Hoje, o álbum é considerado um documento histórico essencial para compreender o nascimento da soul music e a evolução da música popular do pós-guerra. Mesmo décadas após seu lançamento, suas gravações continuam soando emocionalmente intensas e artisticamente inovadoras. O legado do disco permanece extremamente vivo, reafirmando Ray Charles como um dos maiores intérpretes e inovadores da história da música mundial.

Ray Charles – Ray Charles (1957)

Ain’t That Love

Drown in My Own Tears

Come Back Baby

Sinner’s Prayer

Funny (But I Still Love You)

Losing Hand

A Fool for You

Hallelujah I Love Her So

Mess Around

This Little Girl of Mine

Mary Ann

Greenbacks

Don’t You Know

I Got a Woman

Erick Steve. 

The Platters - The Platters (1956)

The Platters - The Platters (1956)

O primeiro álbum oficial do grupo vocal norte-americano The Platters foi The Platters, lançado em 1956 pela Mercury Records. O disco surgiu em um momento em que o grupo já começava a dominar as paradas americanas com uma combinação extremamente sofisticada de rhythm and blues, doo-wop e pop vocal. Liderados pela voz elegante de Tony Williams, os Platters conseguiram criar um estilo mais refinado e romântico do que muitos grupos vocais da época, aproximando o rock inicial do público adulto sem perder a conexão com os jovens ouvintes dos anos 1950. O álbum reúne algumas das características que transformariam o grupo em um fenômeno internacional: harmonias suaves, arranjos orquestrais delicados e interpretações emocionalmente intensas. O trabalho foi fortemente impulsionado pelo sucesso de canções como My Prayer e The Great Pretender, que ajudaram a estabelecer os Platters como um dos grupos mais populares da década. Em um período em que o formato LP ainda estava se consolidando no mercado americano, o disco demonstrava que a música vocal negra poderia alcançar enorme sucesso comercial junto ao público mainstream.

A recepção crítica ao álbum foi bastante positiva para os padrões da época, especialmente entre jornalistas especializados em música popular e rádio. Décadas mais tarde, publicações como a Rolling Stone passaram a reconhecer os Platters como um dos grupos fundamentais da história do rock and roll e do doo-wop. O The New York Times também destacou em retrospectivas a capacidade do grupo de unir sofisticação melódica e forte apelo comercial, algo relativamente raro naquele período. Comercialmente, The Platters foi um enorme sucesso e ajudou o grupo a se tornar uma das primeiras formações vocais negras a alcançar popularidade massiva tanto nas paradas de R&B quanto nas listas pop dos Estados Unidos. O álbum também consolidou o trabalho do empresário e compositor Buck Ram, figura essencial na construção da identidade artística do grupo. A sonoridade romântica e elegante do disco acabou influenciando inúmeras formações vocais posteriores, tanto nos Estados Unidos quanto no Reino Unido, especialmente durante o surgimento da chamada British Invasion nos anos 1960.

Com o passar das décadas, The Platters transformou-se em um dos registros mais importantes da música vocal americana dos anos 1950. O álbum representa um momento crucial na evolução do rock and roll, quando o gênero começou a incorporar arranjos mais sofisticados e uma abordagem vocal mais polida. A influência do grupo pode ser percebida em artistas e bandas como The Beatles, The Beach Boys e diversos conjuntos de soul e R&B das décadas seguintes. Além da qualidade musical, o disco possui enorme relevância histórica por ajudar a quebrar barreiras raciais em uma indústria ainda profundamente segregada. Os Platters conseguiram conquistar públicos de diferentes origens em um período socialmente complexo nos Estados Unidos, tornando-se um dos grupos mais universais da era do rock clássico. Atualmente, o álbum continua sendo celebrado como uma obra fundamental do doo-wop e da música romântica americana, preservando um charme atemporal que ainda emociona ouvintes em todo o mundo. Muitas de suas gravações permanecem presentes em filmes, séries e coletâneas dedicadas aos anos 1950, reforçando a permanência de seu legado cultural e musical.

The Platters – The Platters (1956)

My Prayer

Why Should I?

Remember When

Bewitched, Bothered and Bewildered

I Wanna

I'm Sorry

Have Mercy

Someone to Watch Over Me

At Your Beck and Call

On My Word of Honor

Heaven on Earth

The Glory of Love

Erick Steve. 

Bill Haley And His Comets - Haley's Juke Box

Bill Haley And His Comets - Haley's Juke Box

No finalzinho da década de 1950 Bill Haley brigou com os executivos da gravadora Decca. Ele reclamava de que ganhava muito pouco no contrato que tinha com a gravadora. E ganhava pouco mesmo. Para se ter uma ideia ele levava apenas 1 por cento do preço das vendas de capas de seus discos, logo aqueles que seriam os maiores sucessos de sua carreira. Não dava mais para continuar no selo. Após muitas brigas, inclusive pela imprensa, o bom e velho Haley foi embora da Decda batendo a porta. Ele foi para Los Angeles e assinou com a Warner Records, a gravadora do famoso estúdio de cinema. O novo contrato prometia muito sucesso e o próprio Bill Haley tinha esperanças nesse sentido.

Esse foi o seu primeiro disco nessa nova gravadora. Infelizmente as coisas não foram tão bem quanto ele esperava. A Warner se envolveu demais na escolha das músicas e na produção dos arranjos. Bill Haley se viu amordaçado, sem controle artístico do álbum. Ele logo percebeu que também não ria dar muito certo na Warner. Para piorar estava começando uma batalha judicial pelo controle de suas músicas contra a Decca que iria durar anos e anos. O Bill Haley estava esgotado emocionalmente e o resultado não saiu bom. O disco não fez sucesso e acabou sendo uma decepção nas lojas de discos, não vendendo muitas cópias. Pois é, os anos de sucesso e glória pareciam coisa do passado. 

Bill Haley And His Comets - Haley's Juke Box (1960)

Singing The Blues

Candy Kisses

No Letter Today

This Is The Thanks I Get

Bouquet Of Roses

There's A New Moon Over My Shoulder

Cold, Cold Heart

The Wild Side Of Life

Any Time

Afraid

I Don't Hurt Anymore

Detour

Pablo Aluísio. 

Chuck Berry - Rockin’ at the Hops

Chuck Berry - Rockin’ at the Hops

O álbum Rockin’ at the Hops, de Chuck Berry, foi lançado em 1960 pela lendária Chess Records e representa um dos trabalhos mais importantes do início da carreira do pioneiro do rock and roll. Em uma época em que o gênero ainda estava consolidando sua identidade comercial e artística, Chuck Berry já era reconhecido como uma das figuras centrais da nova música juvenil americana. O disco reúne algumas das características mais marcantes de seu estilo: riffs de guitarra energéticos, letras sobre juventude, carros, romances adolescentes e dança, além de um senso rítmico que ajudou a definir os rumos do rock nas décadas seguintes. Embora muitos dos álbuns daquele período fossem montados a partir de singles já lançados anteriormente, Rockin’ at the Hops apresenta um conjunto coeso de gravações que captura perfeitamente a energia e o espírito rebelde do início dos anos 1960. Faixas como Bye Bye Johnny e Let It Rock destacam a habilidade de Berry em unir narrativa, humor e ritmo de maneira extremamente acessível. Seu estilo de tocar guitarra, marcado por frases rápidas e introduções memoráveis, tornou-se um modelo para praticamente todo o rock posterior.

A recepção crítica ao álbum foi bastante positiva dentro do contexto da época, especialmente entre rádios e publicações dedicadas à música popular juvenil. Décadas depois, revistas como a Rolling Stone passaram a reconhecer o trabalho de Chuck Berry como uma das fundações essenciais da música rock, frequentemente apontando discos como Rockin’ at the Hops como peças fundamentais para compreender a evolução do gênero. O The New York Times também destacou em retrospectivas a importância histórica de Berry como compositor, guitarrista e performer. Comercialmente, o álbum teve bom desempenho e ajudou a manter Chuck Berry no topo do rock americano durante um período de intensa transformação cultural. Suas músicas alcançavam tanto o público adolescente quanto músicos iniciantes que viam nele um modelo artístico revolucionário. O impacto do disco foi ampliado pela enorme influência de Berry sobre bandas britânicas dos anos 1960, especialmente grupos que mais tarde liderariam a chamada “British Invasion”.

Com o passar do tempo, Rockin’ at the Hops consolidou-se como um dos registros clássicos do rock and roll em sua forma mais pura e direta. O álbum preserva toda a energia do período inicial do gênero, quando o rock ainda carregava forte ligação com rhythm and blues, country e boogie-woogie. A influência de Chuck Berry sobre artistas como The Beatles, The Rolling Stones e Bruce Springsteen é amplamente reconhecida, especialmente em relação à construção de riffs de guitarra e letras narrativas. Muitas das estruturas musicais popularizadas por Berry continuam sendo utilizadas até hoje no rock contemporâneo. Atualmente, o álbum é visto não apenas como um importante documento histórico, mas também como uma coleção vibrante de canções que permanecem divertidas, energéticas e influentes. Seu legado atravessa gerações e reafirma Chuck Berry como um dos verdadeiros arquitetos da música popular moderna.

Chuck Berry - Rockin’ at the Hops (1960)

Bye Bye Johnny

Worried Life Blues

Down the Road Apiece

Confessin’ the Blues

Too Pooped to Pop

Mad Lad

I Got to Find My Baby

Betty Jean

Childhood Sweetheart

Broken Arrow

Driftin’ Blues

Let It Rock

Pablo Aluísio. 

Elvis Presley - Elvis Presley (1956)

Esse foi o primeiro álbum do Elvis. Era um garotão contratado pela RCA Victor. Iria dar certo? Bem, era uma aposta da gravadora naquele momento. Claro que eu reconheço o grande valor histórico desse disco, mas curiosamente não é o meu preferido do cantor nos anos 50. Esse posto vai para o segundo LP dele, lançado nesse mesmo ano. Eu considero o segundo melhor do que esse primeiro. Não o comprei em vinil nos anos 80, como tantos outros discos do Elvis. Só vim adquiri-lo mesmo já no formato CD quando foi lançado aqui em versão nacional (bons tempos quando isso acontecia nos anos 90).

E quais são os destaques desse álbum? As minhas faixas preferidas fogem um pouco do óbvio. "Blue Suede Shoes" e "Tutti Frutti" foram os grande hits, mas vamos deixar elas um pouco de lado. Eu gosto muito de "I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)" e "One-Sided Love Affair" em que Elvis explorou todos os seus dotes musicais. "I Got A Woman" é um clássico e "Money Honey" é uma grande faixa de rock. Porém a grande música foi herdada dos tempos da Sun Records. Se trata de "Blue Moon", uma gravação atemporal, ainda hoje muito relevante, mesmo em filmes e coletâneas mais modernas. Enfim é isso. O jovem Elvis ainda era um pouco cru, mas o talento estava lá, a ser lapidado. E logo ele deixaria de ser apenas um nome potencial para ser um grande nome da história da música internacional.

Elvis Presley - Elvis Presley (1956)
Blue Suede Shoes
I'm Counting on You
I Got A Woman
One-Sided Love Affair
I Love You Because
Just Because
Tutti Frutti
Trying to Get to You
I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)
I'll Never Let You Go (Lil' Darlin')
Blue Moon
Money Honey

Pablo Aluísio.

Nat King Cole – The King Cole Trio

Nat King Cole – The King Cole Trio

O primeiro álbum lançado por Nat King Cole foi The King Cole Trio, lançado originalmente em 1945 pela Capitol Records em formato de álbum de discos de 78 rotações, padrão da época anterior ao LP moderno. O trabalho foi gravado ao lado do famoso King Cole Trio, grupo formado por Nat King Cole ao piano e vocais, acompanhado por guitarra e baixo, sem bateria — uma formação incomum para o jazz daquele período. O álbum ajudou a consolidar Cole como uma das figuras mais elegantes e inovadoras do jazz vocal e instrumental norte-americano. Antes mesmo de alcançar fama mundial como cantor romântico, Nat King Cole já era altamente respeitado como pianista, sendo influenciado por nomes importantes do jazz como Earl Hines e Count Basie. As músicas do disco apresentam uma combinação sofisticada entre swing, jazz e música popular americana, revelando uma interpretação vocal suave e extremamente refinada. O álbum também marcou um momento importante para a Capitol Records, que começava a construir sua reputação com artistas de grande qualidade musical.

Na época do lançamento, a crítica especializada elogiou bastante a musicalidade do trio e a elegância das interpretações de Nat King Cole. Embora publicações modernas como a Rolling Stone ainda não existissem nos anos 1940, análises posteriores frequentemente classificaram essas primeiras gravações como fundamentais para a evolução do jazz popular e da música vocal americana. O The New York Times, em retrospectivas sobre a carreira do cantor, destacou a naturalidade de sua voz e a sofisticação minimalista dos arranjos. Comercialmente, o álbum teve um desempenho muito bom para os padrões da época e ajudou o King Cole Trio a conquistar espaço tanto no circuito de jazz quanto junto ao público popular. O sucesso dessas gravações abriu caminho para que Nat King Cole expandisse sua carreira além do jazz instrumental, tornando-se posteriormente um dos maiores intérpretes românticos da história da música. Sua popularidade cresceu rapidamente nos anos seguintes, especialmente com o avanço do rádio e da indústria fonográfica americana.

Hoje, The King Cole Trio é visto como uma obra histórica, essencial para compreender o desenvolvimento da música popular norte-americana no pós-guerra. O álbum ajudou a redefinir o papel do cantor de jazz, mostrando que era possível unir sofisticação musical e apelo comercial sem perder qualidade artística. A influência de Nat King Cole pode ser percebida em inúmeros artistas posteriores, incluindo Frank Sinatra, Ray Charles e Stevie Wonder. Seu estilo elegante, sua dicção impecável e sua capacidade de transmitir emoção de forma contida transformaram-no em referência absoluta para gerações de cantores. Além do valor musical, o álbum também possui importância histórica por representar um artista negro alcançando enorme reconhecimento em uma indústria ainda profundamente marcada pela segregação racial. Décadas depois, essas gravações continuam sendo celebradas como clássicos atemporais do jazz e da música americana.

Nat King Cole – The King Cole Trio (1945)

Straighten Up and Fly Right

Sweet Lorraine

It's Only a Paper Moon

Embraceable You

Route 66

What Is This Thing Called Love?

Frim Fram Sauce

(Get Your Kicks on) Route 66

Nature Boy

I Can't See for Lookin'

All for You

The Christmas Song

Erick Steve. 

Dean Martin – Dean Martin Sings

Dean Martin – Dean Martin Sings

O primeiro álbum lançado por Dean Martin foi Dean Martin Sings, lançado em 1953 pela Capitol Records. O disco surgiu em um momento importante da carreira do cantor, quando ele começava a consolidar sua identidade artística fora da famosa parceria com Jerry Lewis, com quem dominava o cinema e os palcos americanos no início da década de 1950. O álbum apresentou ao público um Dean Martin mais sofisticado e romântico, apostando em interpretações suaves e descontraídas que se tornariam sua marca registrada ao longo das décadas seguintes. Musicalmente, o trabalho está profundamente ligado ao tradicional pop americano e ao estilo “crooner”, gênero que vivia enorme popularidade na época graças a artistas como Frank Sinatra e Perry Como. A voz calorosa e aparentemente casual de Martin dava às canções uma atmosfera elegante e intimista, característica que ajudaria a diferenciá-lo de muitos contemporâneos. Mesmo em suas primeiras gravações, já era perceptível seu talento natural para interpretar baladas românticas e standards do cancioneiro americano.

A recepção crítica ao álbum foi positiva dentro do contexto musical da época, especialmente entre jornalistas especializados em música popular e entretenimento. Embora publicações como a Rolling Stone ainda não existissem naquele período, críticas posteriores frequentemente apontaram Dean Martin Sings como um registro importante do nascimento artístico de um dos maiores intérpretes americanos do século XX. O The New York Times, em análises retrospectivas, destacou a naturalidade da interpretação de Martin e sua habilidade em transmitir charme sem esforço aparente. Comercialmente, o álbum teve um desempenho respeitável para a época, especialmente considerando que o mercado de LPs ainda estava em expansão no início dos anos 1950. O sucesso ajudou Dean Martin a fortalecer sua carreira musical paralelamente ao cinema e à televisão, permitindo que ele deixasse de ser visto apenas como metade de uma dupla cômica. Aos poucos, sua imagem como cantor elegante e sedutor começou a ganhar força junto ao público americano.

Com o passar das décadas, Dean Martin Sings passou a ser reconhecido como um dos primeiros passos fundamentais de uma carreira extremamente influente na música popular tradicional. O álbum ajudou a estabelecer o estilo relaxado e sofisticado que faria de Dean Martin uma figura central do entretenimento americano, especialmente durante os anos 1950 e 1960. Sua maneira aparentemente simples de cantar escondia um grande domínio técnico e um senso de timing emocional muito refinado, qualidades que influenciaram inúmeros intérpretes posteriores. Hoje, o disco é valorizado principalmente por fãs do jazz vocal, do pop orquestral e da era clássica dos crooners. Além disso, ele representa um retrato importante de uma época em que os álbuns começavam a se tornar obras artísticas completas e não apenas coleções de singles. Mesmo sendo um trabalho inicial, o álbum preserva o charme atemporal que transformaria Dean Martin em uma das vozes mais reconhecidas e queridas da música norte-americana.

Dean Martin – Dean Martin Sings (1953)

Who's Your Little Who-Zis!

I'm Yours

I Feel a Song Coming On

Come Back to Sorrento

Oh Marie

I Feel Like a Feather in the Breeze

When You're Smiling (The Whole World Smiles)

A Girl Named Mary and a Boy Named Bill.

You're the Right One

Blue Smoke (Kohu-Auwahi)

Johnny Get Your Girl

As You Are

Erick Steve. 

Frank Sinatra - In the Wee Small Hours

Frank Sinatra - In the Wee Small Hours

Desde que havia assinado com a Capitol Records, Sinatra vinha com a intenção de investir cada vez mais em discos conceituais. Eram álbuns com uma temática em comum ligando todas as canções. Havia sido em parte assim com os dois primeiros discos do cantor nessa nova gravadora e seguiu ainda mais firme nesse sentido com esse terceiro disco no selo. O tema central aqui é a desilusão amorosa. Todas as letras de todas as faixas possuem esse elo em comum, falando de relacionamentos fracassados, amores dolorosos, solidão, depressão e amargura. Por essa razão é um disco bem melancólico, onde Sinatra no fundo estava falando de si mesmo. Ele havia se separado da esposa Nancy, tinha embargado em um relacionamento conturbado com Ava Gardner, que o traía constantemente, e tudo parecia desmoronar em sua vida amorosa. 

Eu sempre entendi perfeitamente a importância desse álbum na discografia de Sinatra. Sempre foi um dos mais conceituados e elogiados de sua discografia, mas ao mesmo tempo nunca consegui gostar. Acho que é necessário estar em uma certa vibe para curtir esse LP. E esse é o sentimento da dor de cotovelo, não tem como escapar desse aspecto. O ouvinte tem que estar sintonizado com o próprio estado de espírito do cantor na época para criar uma conexão com o sentimento geral que esse trabalho musical passa. Bom, esse tipo de coisa para baixo, caindo no choro por causa do fim de um relacionamento, nunca foi a minha praia. É o disco da fossa do Sinatra. Por isso nunca gostei mesmo. Prefiro outros discos do cantor, mas de qualquer forma fica a dica. É um disco importante na carreira de Sinatra. 

Frank Sinatra - In the Wee Small Hours (1955)

In the Wee Small Hours of the Morning

Mood Indigo

Glad to Be Unhappy

I Get Along Without You Very Well

Deep in a Dream

I See Your Face Before Me

Can't We Be Friends?

When Your Lover Has Gone

What Is This Thing Called Love?

Last Night When We Were Young

I'll Be Around

Ill Wind

1It Never Entered My Mind

Dancing on the Ceiling

I'll Never Be the Same

This Love of Mine

Pablo Aluísio. 

Norah Jones - Feels Like Home

Segundo álbum de Norah Jones. Muito se disse na época de seu lançamento que esse trabalho trocava o jazz do primeiro trabalho solo por uma sonoridade nitidamente com sabor country. Não concordo plenamente com essa visão. Certamente há canções de raiz entre as faixas que compõem "Feels Like Home" mas o jazz tradicional que tanto impressionou o mundo no disco de estreia de Norah também está presente. Talvez pelo fato da seleção abrir com "Sunrise" tenha criado essa impressão, não sei, o que sei é que é um trabalho coeso e muito bem arranjado. Muitos críticos se limitam a ouvir apenas as primeiras faixas dos discos e ignoram todo o resto. Muito provavelmente foi o que aconteceu aqui. Embora haja canções country esse definitivamente não é o “Norah Jones Country & Western Album” como muitos querem fazer crer.  Eu gosto de insistir em dizer que os melhores trabalhos de Jones são aqueles baseados em piano e quarteto de cordas. Essa é a musicalidade definitiva de Norah Jones, não adianta mudar. De fato quando ela resolveu mudar perdeu consistência. Ela não deve sair de seu caminho melódico mais tradicional. Felizmente "Feels Like Home" deixa o experimentalismo de lado e se decide pelo estilo mais conservador da carreira da cantora. Também convenhamos, esse é apenas seu segundo trabalho - e o sucesso arrasador do primeiro disco não abria margem para mudanças significativas.

A produção é da própria Norah Jones que aqui divide a responsabilidade com Arif Mardin, veterano arranjador e maestro da era de ouro do Jazz americano. A parceria já havia dado muito certo em "Come Away with Me" então não havia razão mesmo para mudar. Já deu para perceber que "Feels Like Home" é de certa forma uma extensão de "Come Away With Me". No conjunto não consegue porém ser melhor que seu antecessor. A seleção musical é inferior. Mesmo assim a gravadora de Norah Jones resolveu investir alto. Para capitalizar em cima de seu nome foram lançados quatro singles do CD! Nos tempos atuais isso é bem incomum. As canções que saíram em single foram "Sunrise", "What Am I to You?" (uma das melhores composições de "Feels Like Home"), "Those Sweet Words" e "Sleepless Nights" (single lançado exclusivamente no mercado do Japão pois a canção virou um tremendo hit por lá). No mais após ouvir todas as faixas tiramos algumas conclusões. A primeira é que Norah Jones ainda canta lindamente, provando mais uma vez que há sim espaço para a boa música atualmente nas paradas. Segundo que country ou não, menos inspirado ou não, o fato é que o álbum foi um grande sucesso de público e crítica. Vendeu mais de 10 milhões de cópias e chegou ao primeiro lugar em praticamente todos os países ocidentais. Não foi tão bem premiado como "Come Away With me" porque afinal aquele levou todos os Grammys importantes de seu ano. Como eu já afirmei "Feels Like Home" é item obrigatório para quem gostou do primeiro CD da cantora. Não é tão brilhante mas mantém um nível de qualidade bem acima do que se produz atualmente. No fundo o que vale a pena mesmo é ouvir a voz de Norah Jones e aqui não há como negar que ela está em momento inspirado. Talento musical certamente não lhe falta.

Norah Jones - Feels Like Home (2004)
Sunrise
What Am I to You?
Those Sweet Words
Carnival Town
In the Morning
Be Here to Love Me
Creepin' In
Toes
Humble Me
Above Ground
The Long Way Home
The Prettiest Thing

Pablo Aluísio.

Katy Perry: Part of Me

Em essência é um documentário musical mostrando a turnê mundial de Katy Perry, uma jovem cantora que tem feito muito sucesso nas paradas. Para se ter uma idéia a garota já conseguiu um feito e tanto – emplacar cinco canções consecutivas entre as dez mais da principal parada dos Estados Unidos. Nem os Beatles conseguiram tal proeza! Para quem quiser entender seu êxito comercial o filme traz boas pistas! Katy Perry é uma artista pop, do mesmo nicho de mercado em que estão inseridas outras cantoras de seu estilo como Avril Lavigne e Britney Spears. Como sempre acontece com artistas pop há muita produção envolvida em seus concertos, grupo de dançarinos, cenários elaborados e coreografias exaustivamente ensaiadas. A Perry surge tanto no palco como nos bastidores mostrando de forma até didática seus primeiros passos rumo à fama. Filha de pastores evangélicos itinerantes Katy surgiu inicialmente como cantora gospel e só depois, bem mais velha, abraçou o cenário pop. Com visual que lembra as antigas pin ups da década de 50, em especial Bettie Page, a moça desfila seu repertório enquanto esbanja simpatia e carinho entre os fãs que a visitam antes e após as apresentações. Aspectos de sua vida pessoal também são mostrados, inclusive o fim de seu relacionamento com o comediante Russel Brand. O filme consegue captar cenas interessantes dela bem antes do show em São Paulo quando abalada emocionalmente por sua separação ainda encontra forças para subir ao palco, sob lágrimas.

Em termos de méritos cinematográficos não há muito o que discutir. O filme é um produto feito para fãs e eventuais curiosos que queiram conhecer um pouco sobre essa cantora teen popular. A estrutura chega até mesmo a lembrar um reality show televisivo! No fundo ela demonstra algum descontrole emocional nos bastidores, agindo tal como uma adolescente que brigou com o namorado da escola! Por falar em teen uma das cenas mais curiosas é aquela em que a própria cantora admite que já não é mais nenhuma criança (ela tem na realidade 27 anos) mas que procura agir como uma garotinha adolescente de 16 anos, Pelo que vemos em cena isso é bem verdadeiro. Aliás agindo assim ela acaba criando uma grande identidade com seu público que é formado basicamente por uma garotada na faixa etária que vai dos 12 até no máximo 18 anos. De fato parece mesmo uma “meninona” e seu show reflete bem isso, com uso de muitos doces e chocolates no cenário, além de uma profusão de símbolos infantis por todos os lados (assim como Michael Jackson ela também parece ser obcecada por mundos de contos de fadas). O lado positivo é que ela tem uma música livre de apologias a drogas e outras barbaridades. É inofensiva, provavelmente fabricada, mas no mundo em que vivemos é bem melhor ter uma cantora como ela nas paradas do que um rapper raivoso vociferando versos incentivando os garotos dos guetos a dar tiros em policiais. A moça é simpática e sua música é não apenas chiclete mas algodão doce também. Em suma é um produto feito para ser consumido por um grupo específico de pessoas, no caso os fãs da cantora Katy Perry. Para os cinéfilos em geral não há grande interesse em conferir essa produção.

Katy Perry: Part of Me (Estados Unidos, 2012) Direção: Dan Cutforth, Jane Lipsitz / Roteiro: Dan Cutforth / Elenco: Katy Perry,  Adam Marcello, Rihanna, Justin Bieber, Lady Gaga, Ellen DeGeneres, Russell Brand, Angelica Baehler-Cob, Glen Ballard / Sinopse: Documentário que mostra os shows e bastidores da turnê mundial da cantora jovem Katy Perry.

Pablo Aluísio.

Avril Lavigne - The Single Collection

Estava eu no bem bom, com um belo copo de whisky escocês no aconchego do lar quando o telefone toca. Era meu grande amigo Pablo pedindo uma nova resenha para o blog! Mas poxa minhas antigas resenhas de Britpop acabaram?! Sim, estão quase acabando my friend, hora de escrever coisa nova. Mas... mas... enfim, tudo bem, então manda aí o nome do CD que eu tenho que escrever. Qual é o nome do artista? Ah?! Abril? Aril? Alil? What?! Fala direito pô! Ah, Avril... rs. Nunca ouvi nome mais esquisito na minha vida! Ok, você venceu batatas fritas manda o CD mister que eu mato no peito aqui e analiso o trem. Quando chegou olhei a arte. É um mocinha, já deu pra ver que posa de punk. Ai meus rins... outra punk de butique? Valha-me Deus. Mas vamos ouvir a moça "mamãe-vou-fugir-de-casa". Ah esses aborrescentes!

Era o que eu pensava. A gatinha teen é canadense, tem todos os dentes na boca e pelo jeito goza de boa saúde. A maquiagem é um pavor, olhos escuros, parece mais um zumbi comedor de miolos. Não faça isso lindinha, se ajeite! O pior é que ela aparece com um baita charuto de encruzilhada na capa do CD! Que feio lindinha, faz isso não... fumar vai escurecer seus dentes e dar câncer de pulmão.. uma moça tão bonita, canadense, nascida no primeiro mundo, depois fica dodói e vem chorar no consultório! Apaga isso menina! Mas chega de devaneios, sou tiozão mas ainda manjo de música pop adolescente. As letras são revoltadinhas, ela curte um garoto que anda de skate, chora e pede atenção a quem a ignora... reclama da escola - ah a escola... tem até aquela música que ela bate na porta (ei essa é do meu tempo, titio conhece!). Tem outras baladas, uns punkzinhos rápidos (e inofensivos) para tocar na rádio e muita produção e arranjos bem feitos (que obviamente não foram feitos pela mocinha).

Vou confessar até algo agora que fará perder meus dois únicos fãs que tenho (será que são dois ou um? I Don´t Know... ). Gostei da loirinha, ela canta bem sim, o repertório é bem mais audível que a Bitch Spears, por exemplo. Até parece música de verdade - e não gatinhos no meio de uma reforma como a Bri (será que a Brit ainda está viva? E eu lá sei...) Claro que a pose, as letras, o som, tudo é cirurgicamente determinado pelos executivos de gravadoras mas vamos dar uma colher de chá - a mocinha leva jeito. Eu até compraria para minha filha, desde que ela não usasse essa maquiagem pavorosa. Não quero gente com rosto de morto vivo no café da manhã. É isso, titio Erick dá seu selo de aprovação! Agora Pablo, fala sério, manda algo sério da próxima vez ok? Cãmbio deslgo. Ps: o post acima foi escrito quando eu estava totalmente sóbrio, garanto. Desce o pano.

Avril Lavigne - The Single Collection / 01. Complicated / 02. Skater Boy / 03. I’m With You / 04. Losing Grip / 05. Knockin’ On Heaven’s Door / 06. Don’t Tell Me / 07. My Happy Ending / 08. Nobody’s Home / 09. He Wasn’t / 10. Keep Holding On / 11. Girlfriend / 12. When You’re Gone / 13. Hot / 14. The Best Damn Thing / 15. Alice / 16. What The Hell / 17. Smile / 18. Wish You Were Here / 19. Alone (Bonus Track) / 20. I Will Be (Bonus Track) / 21. Get Over It (Bonus Track)

Erick Steve.

Spice Girls - Spice

Spice Girls - Spice

O álbum de estreia do grupo britânico Spice Girls foi Spice, lançado em 4 de novembro de 1996 pela Virgin Records. O disco marcou o surgimento de um fenômeno global que redefiniu o pop dos anos 1990, trazendo uma proposta baseada em carisma, identidade individual das integrantes e a mensagem de “girl power”. Produzido por Matt Rowe, Richard Stannard e Absolute, o álbum mistura pop dançante com elementos de R&B e dance music. O grande destaque foi Wannabe, single de estreia que se tornou um sucesso mundial imediato, alcançando o topo das paradas em diversos países. Outras faixas importantes incluem Say You'll Be There, 2 Become 1 e Who Do You Think You Are, que ajudaram a consolidar a imagem e o som do grupo. O álbum apresentou uma abordagem acessível e altamente comercial, mas também extremamente eficaz em capturar o espírito jovem da época.

A recepção crítica ao álbum foi mista inicialmente, com veículos como a Rolling Stone reconhecendo o apelo pop irresistível, mas criticando a simplicidade das composições. O The New York Times destacou o impacto cultural do grupo, especialmente na forma como representavam uma nova geração de artistas femininas com forte identidade coletiva. Comercialmente, Spice foi um sucesso gigantesco, vendendo mais de 23 milhões de cópias no mundo inteiro e tornando-se um dos álbuns mais vendidos da história por um grupo feminino. O disco não apenas lançou as Spice Girls ao estrelato, mas também influenciou profundamente a cultura pop da década de 1990, desde a música até a moda e a mídia. Seu legado permanece sólido até hoje, sendo lembrado como um dos álbuns mais icônicos do pop mundial e como símbolo de uma era dominada por hits, personalidade e forte apelo midiático.

Spice Girls - Spice (1996)

Wannabe

Say You'll Be There

2 Become 1

Love Thing

Last Time Lover

Mama

Who Do You Think You Are

Something Kinda Funny

Naked

If U Can't Dance

Christian de Bella. 

Celine Dion - Let's Talk About Love

Celine Dion - Let's Talk About Love

O álbum de Celine Dion que trouxe o enorme sucesso ligado ao filme Titanic é Let's Talk About Love, lançado em 14 de novembro de 1997 pela Columbia Records. Este foi um dos projetos mais ambiciosos da carreira da cantora canadense, reunindo uma série de produtores e convidados de peso, incluindo Barbra Streisand, Bee Gees e Luciano Pavarotti. O disco apresenta uma sonoridade pop grandiosa, com forte presença de baladas românticas e produção sofisticada, características marcantes do estilo de Celine na década de 1990. O grande destaque é, sem dúvida, My Heart Will Go On, tema central do filme, que se tornou um dos maiores sucessos da história da música. Outras faixas importantes incluem Because You Loved Me (em algumas edições internacionais) e The Power of Love como referências do estilo que consolidou sua carreira, embora o álbum também traga novas canções de destaque como “It’s All Coming Back to Me Now” (em versões ao vivo ou coletâneas relacionadas ao período) como parte do contexto artístico da cantora naquele momento.

A recepção crítica ao álbum foi geralmente positiva, com publicações como a Rolling Stone destacando a potência vocal de Celine Dion e a qualidade da produção, ainda que algumas críticas apontassem certa previsibilidade nas baladas. O The New York Times ressaltou o alcance global da artista e sua capacidade de emocionar audiências diversas. Comercialmente, Let’s Talk About Love foi um fenômeno mundial, vendendo mais de 30 milhões de cópias e tornando-se um dos álbuns mais vendidos de todos os tempos. O sucesso estrondoso de “My Heart Will Go On” impulsionou ainda mais essas vendas, consolidando a cantora como uma das maiores vozes da música pop internacional. O legado do álbum permanece extremamente forte, sendo lembrado como um dos pontos altos da carreira de Celine Dion e um marco definitivo das baladas românticas dos anos 1990, além de eternamente associado ao impacto cultural de Titanic.

Celine Dion – Let's Talk About Love (1997)

The Reason

Immortality

Treat Her Like a Lady

Why Oh Why

Love Is on the Way

Tell Him

Where Is the Love

When I Need You

Miles to Go (Before I Sleep)

Us

Just a Little Bit of Love

My Heart Will Go On

I Hate You Then I Love You

Let's Talk About Love

Amar Haciendo el Amor

Be the Man

I Don't Know

Christian De Bella. 

Faith No More - We Care a Lot

Faith No More - We Care a Lot 

O primeiro álbum da banda norte-americana Faith No More foi We Care a Lot, lançado em 1985 pela Mordam Records. Este disco inaugural apresenta uma formação inicial bastante diferente daquela que posteriormente alcançaria fama mundial, com Chuck Mosley nos vocais, além de Roddy Bottum, Billy Gould e Mike Bordin. Musicalmente, o álbum mistura elementos de funk, punk, pós-punk e rock alternativo, evidenciando desde cedo a proposta híbrida e experimental da banda. A faixa-título We Care a Lot tornou-se o principal destaque do disco, com sua abordagem irônica e crítica social, antecipando a postura irreverente que marcaria o grupo nos anos seguintes. Apesar de uma produção relativamente simples e independente, o álbum já indicava o potencial criativo da banda e sua disposição em romper com os padrões convencionais do rock da época.

A recepção crítica foi discreta no momento de seu lançamento, em grande parte devido à distribuição limitada e ao fato de o grupo ainda fazer parte do circuito underground. Publicações como a Rolling Stone só viriam a dar maior atenção à banda em trabalhos posteriores, enquanto o The New York Times praticamente não cobriu o disco na época. Comercialmente, o álbum teve alcance modesto, mas ganhou certa notoriedade em cenas alternativas, especialmente na Califórnia. Com o passar dos anos e o sucesso posterior do Faith No More — especialmente após a entrada de Mike Patton — We Care a Lot foi reavaliado como um registro importante das origens da banda. Hoje, é visto como um trabalho essencial para compreender a evolução do grupo e o desenvolvimento de sua identidade sonora única, sendo reconhecido como um precursor do metal alternativo e do funk metal que ganharia força no final dos anos 1980 e início dos anos 1990.

Faith No More - We Care a Lot (1985)

We Care a Lot

The Jungle

Mark Bowen

Jim

Why Do You Bother

Greed

Pills for Breakfast

As the Worm Turns

Arabian Disco

Christian De Bella. 

Britney Spears - ...Baby One More Time

Britney Spears - ...Baby One More Time 

O álbum de estreia da cantora norte-americana Britney Spears foi ...Baby One More Time, lançado em 12 de janeiro de 1999 pela Jive Records. O disco marcou o surgimento de uma das maiores estrelas pop da virada do milênio, trazendo uma sonoridade que mesclava pop adolescente com influências de dance e R&B. Produzido por nomes como Max Martin, o álbum foi cuidadosamente elaborado para criar um som altamente comercial e cativante. A faixa-título ...Baby One More Time tornou-se um fenômeno global, impulsionada por um videoclipe icônico que ajudou a consolidar a imagem de Britney na cultura pop. Outros destaques incluem Sometimes, (You Drive Me) Crazy e Born to Make You Happy, que reforçaram o apelo jovem e romântico do disco. O álbum foi fundamental para redefinir o pop adolescente no final dos anos 1990, abrindo caminho para uma nova geração de artistas.

A recepção crítica foi mista na época do lançamento, com publicações como a Rolling Stone reconhecendo o apelo irresistível das músicas, mas também apontando a forte orientação comercial do projeto. O The New York Times destacou o impacto cultural imediato da cantora, mesmo que o conteúdo lírico fosse considerado simples. Apesar das críticas divididas, o sucesso comercial foi avassalador: o álbum vendeu mais de 25 milhões de cópias no mundo inteiro, tornando-se um dos discos mais vendidos da história. Com o passar dos anos, ...Baby One More Time passou a ser visto como um marco definitivo da música pop, simbolizando o retorno do pop adolescente ao topo das paradas e consolidando Britney Spears como um ícone global. Seu legado permanece vivo, influenciando artistas e sendo constantemente revisitado como um dos álbuns mais importantes do final do século XX.

Britney Spears – ...Baby One More Time (1999)

...Baby One More Time

(You Drive Me) Crazy

Sometimes

Soda Pop

Born to Make You Happy

From the Bottom of My Broken Heart

I Will Be There

I Will Still Love You

Thinkin' About You

E-Mail My Heart

The Beat Goes On

Christian de Bella. 

Stereophonics - Just Enough Education to Perform

Stereophonics - Just Enough Education to Perform

O terceiro álbum de estúdio da banda galesa Stereophonics, Just Enough Education to Perform, foi lançado em 11 de abril de 2001 e marcou um momento decisivo na consolidação do grupo como um dos principais nomes do rock britânico do início dos anos 2000. Produzido por Bird & Bush (parceria entre Marshall Bird e Steve Bush), o disco apresenta uma sonoridade mais refinada em relação aos trabalhos anteriores, equilibrando o rock alternativo com elementos mais melódicos e introspectivos. Liderado pela voz característica de Kelly Jones, o álbum trouxe composições que exploram temas como fama, cotidiano e observações sociais, muitas vezes com um tom crítico e pessoal. Entre os destaques estão Have a Nice Day, um dos maiores sucessos da banda, além de Mr. Writer, que aborda diretamente a relação conflituosa com a imprensa musical, e Handbags and Gladrags, um cover que ganhou enorme popularidade.

A recepção crítica ao álbum foi geralmente positiva, com publicações como a Rolling Stone destacando a evolução sonora e a maturidade nas composições da banda. O The New York Times também ressaltou o talento narrativo de Kelly Jones, comparando-o a cronistas do cotidiano urbano britânico. Comercialmente, Just Enough Education to Perform foi um enorme sucesso, alcançando o topo das paradas no Reino Unido e vendendo milhões de cópias, tornando-se o álbum mais bem-sucedido da carreira do Stereophonics. Ao longo dos anos, o disco consolidou-se como um marco do rock britânico da virada do milênio, ajudando a definir o som da época e influenciando diversas bandas posteriores. Seu legado permanece forte entre os fãs e é frequentemente lembrado como o ponto alto criativo e comercial do grupo, sendo uma referência essencial para compreender a trajetória do Stereophonics.

Stereophonics – Just Enough Education to Perform (2001)

Vegas Two Times

Lying in the Sun

Mr. Writer

Step on My Old Size Nines

Have a Nice Day

Nice to Be Out

Watch Them Fly Sundays

Every Day I Think of Money

Maybe

Caravan Holiday

Rooftop

Handbags and Gladrags

Erick Steve. 

Oasis - Be Here Now

Oasis - Be Here Now

O terceiro álbum de estúdio da banda britânica Oasis, Be Here Now, foi lançado em 21 de agosto de 1997 e chegou cercado por uma expectativa gigantesca após o sucesso fenomenal de (What’s the Story) Morning Glory?. Produzido por Noel Gallagher e Owen Morris, o disco representa o auge do britpop em termos de ambição e grandiosidade sonora. As músicas são marcadas por arranjos expansivos, guitarras sobrepostas e durações longas, refletindo tanto a confiança quanto o excesso criativo da banda naquele momento. Faixas como D'You Know What I Mean?, Stand by Me e All Around the World se destacaram como singles importantes, com esta última ultrapassando nove minutos e simbolizando o caráter épico do álbum. O disco também carrega a atmosfera hedonista do período, marcada pelo sucesso, fama e excessos vividos pelos irmãos Liam Gallagher e Noel Gallagher.

A recepção crítica inicial foi extremamente positiva, com publicações como a Rolling Stone e a imprensa britânica exaltando o álbum como um novo marco do rock contemporâneo. No entanto, com o passar do tempo, a avaliação mudou significativamente: veículos como o The New York Times e outras revistas passaram a criticar o excesso de produção e a falta de edição nas composições, apontando o disco como inflado e menos focado que seus predecessores. Comercialmente, Be Here Now foi um enorme sucesso imediato, tornando-se um dos álbuns mais vendidos da história no Reino Unido em sua semana de lançamento e alcançando o topo das paradas em diversos países. Apesar disso, sua reputação foi sendo reavaliada ao longo dos anos, muitas vezes citada como o ponto de saturação do britpop. Ainda assim, o álbum mantém um legado significativo como símbolo do auge e da decadência de um movimento cultural, além de continuar sendo apreciado por fãs por sua energia grandiosa e momentos marcantes.

Oasis – Be Here Now (1997)

D'You Know What I Mean?

My Big Mouth

Magic Pie

Stand by Me

I Hope, I Think, I Know

The Girl in the Dirty Shirt

Fade In-Out

Don't Go Away

Be Here Now

All Around the World

It's Gettin' Better (Man!!)

All Around the World (Reprise)

Erick Steve. 

Nirvana - In Utero

Nirvana – In Utero

Inicialmente Kurt Cobain quis chamar esse disco de “Eu me Odeio e Quero Morrer!”. Isso mesmo, mais direto impossível. Depois de muitos debates e brigas com a gravadora finalmente ele concordou em desistir do título. Os advogados lhe convenceram que um nome como esse poderia lhe trazer muitos problemas legais, inclusive acusações de incentivo ao suicídio de seus fãs. Mesmo relutando o líder do Nirvana recuou e escolheu o nome de “In Utero” que havia retirado de um verso escrito para uma canção por sua esposa, Courtney Love. Mas afinal porque Kurt Cobain estava tão desiludido com sua própria vida? Na realidade não foi apenas um motivo que o levou a isso mas vários. A gravação do disco ocorreu em uma das fases mais conturbadas da vida do músico. Sua filha Frances acabara de nascer mas ele corria o risco de perder sua custódia por causa de seu abuso de drogas. A justiça americana estava querendo tirar a criança dos cuidados do casal uma vez que o vício em heroína de Cobain havia saído do controle e era de conhecimento público. A luta nos tribunais foi desgastante e penosa. Além de ter a vida exposta ao grande público Cobain começou também a entrar em uma rota depressiva que o levaria em pouco tempo ao suicídio, comprovando tragicamente os sentimentos de sua frase onde afirmava que ele se odiava e queria morrer.

As letras das canções de “In Utero” representam bem esse estado de espírito depressivo de Kurt Cobain. Os temas são sombrios, pessimistas, muitas vezes beirando o mal gosto (como na faixa “Rape Me” cuja tradução literal “Estupre-me” já era auto explicativa). Não era para menos. Pensando bem nada ia bem na vida do roqueiro. Ele sofria de sérias dores de estomago, perdia cada vez mais o senso de realidade pelo abuso de drogas e sentia-se perdido com a fama que havia conquistado. Além disso começou a agir como um perfeito paranóico, comprando armas de grande calibre, afirmando que estava sendo perseguido por “forças ocultas”. E havia problemas de relacionamento com as pessoas mais próximas de sua vida. Um desses era o complicado sentimento que Kurt tinha para com seu próprio pai. Eles tinham ficado anos sem se ver, mas o velho Cobain após o sucesso do Nirvana reapareceu para assistir a um show do filho famoso. Isso perturbou bastante Kurt. O encontro deixou Cobain muito mal. Ele tinha reservas contra sua família e não conseguia ficar à vontade na presença deles. Sem reação resolveu desabafar através de sua música. “In Utero” traz vários versos dedicados ao pai, mesmo que de forma bem indireta e obscura. E para piorar o que já era bem ruim seu estado era deplorável. Ele não conseguia mais reagir aos acontecimentos ao redor, estando sempre chapado ao limite. Em casa ficava o tempo todo drogado, caído pela chão. Ainda foi feita uma tentativa de intervenção sobre sua dependência química mas sem sucesso. O resto já sabemos. Kurt Cobain não conseguiu sobreviver a uma crise suicida e se matou na garagem de sua casa após escrever um bilhete de despedida para familiares e fãs tornando assim “In Utero” seu verdadeiro testamento musical. Uma pena. Foi um fim muito precoce para um artista que marcou época e revitalizou o cenário punk alternativo americano.

Nirvana - In Utero (1993)
Serve the Servants
Scentless Apprentice
Heart-Shaped Box
Rape Me
Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle
Dumb
Very Ape
Milk It
Pennyroyal Tea
Radio Friendly Unit Shifter
tourette's
All Apologies

Pablo Aluísio.

Elton John - The Fox

Elton John - The Fox

O primeiro álbum de Elton John na década de 1980 foi The Fox, lançado em 20 de maio de 1981 pela Geffen Records (nos Estados Unidos) e também pela Rocket Record Company em outros territórios. Produzido por Chris Thomas, o disco marcou uma fase de transição na carreira do artista, que buscava se reinventar após o enorme sucesso obtido nos anos 1970. The Fox apresenta uma sonoridade diversificada, combinando pop, rock e elementos orquestrais, além de manter a tradicional parceria com o letrista Bernie Taupin. O álbum inclui faixas como Just Like Belgium, Chloe e Elton's Song, esta última destacando-se por sua temática sensível e incomum para a época. Embora não tenha produzido grandes sucessos comerciais comparáveis aos clássicos da década anterior, o disco revela um artista experimentando novas direções musicais e explorando diferentes abordagens de composição.

A recepção crítica ao álbum foi mista, com publicações como a Rolling Stone apontando certa irregularidade no material, embora reconhecendo momentos de grande qualidade musical. O The New York Times destacou o esforço de Elton John em renovar seu estilo, mas também observou que o disco não possuía o mesmo impacto imediato de seus trabalhos mais consagrados. Comercialmente, The Fox teve desempenho moderado, alcançando posições razoáveis nas paradas, mas ficando abaixo das expectativas para um artista de sua magnitude. Com o passar do tempo, o álbum passou a ser visto como uma obra de transição importante, que preparou o terreno para o ressurgimento comercial de Elton John ao longo dos anos 1980. Hoje, é valorizado por fãs e críticos como um registro honesto de um período de reinvenção artística, demonstrando a capacidade do músico de se adaptar às mudanças da indústria e manter sua relevância ao longo das décadas.

Elton John - The Fox (1981)

Breaking Down Barriers

Heart in the Right Place

Just Like Belgium

Nobody Wins

Fascist Faces

Carla/Etude

Chloe

Heels of the Wind

Elton's Song

The Fox

Erick Steve. 

Bruce Springsteen – Greetings from Asbury Park, N.J.

Bruce Springsteen – Greetings from Asbury Park, N.J.

O primeiro álbum do cantor e compositor norte-americano Bruce Springsteen foi Greetings from Asbury Park, N.J., lançado em 5 de janeiro de 1973 pela Columbia Records. Produzido por John Hammond e Mike Appel, o disco apresentou ao mundo um jovem artista com uma abordagem lírica extremamente rica, frequentemente comparada à de Bob Dylan. O álbum é fortemente enraizado no folk rock, com influências de rhythm and blues e rock clássico, e destaca-se principalmente por suas letras densas, cheias de personagens urbanos, histórias do cotidiano e jogos de palavras elaborados. Faixas como Blinded by the Light e Spirit in the Night se tornaram referências iniciais da carreira de Springsteen, evidenciando seu talento narrativo e sua habilidade de construir atmosferas vívidas. Apesar da produção relativamente simples, o disco já indicava o potencial de um artista que viria a se tornar um dos maiores nomes do rock americano.

A recepção crítica foi bastante positiva, embora o impacto comercial inicial tenha sido modesto. A Rolling Stone elogiou a sofisticação das letras e a energia do jovem músico, enquanto o The New York Times destacou sua originalidade e presença como compositor. No entanto, o álbum não teve grande sucesso nas paradas no momento de seu lançamento, vendendo relativamente pouco em comparação com trabalhos posteriores. Com o passar dos anos e o crescimento da popularidade de Springsteen, Greetings from Asbury Park, N.J. foi reavaliado e ganhou status de obra fundamental em sua discografia. Hoje, é reconhecido como um início promissor que já continha muitos dos elementos que definiriam sua carreira: narrativas urbanas, personagens marcantes e uma profunda conexão com a cultura americana. O álbum permanece como um registro importante do surgimento de um dos maiores contadores de histórias da música contemporânea.

Bruce Springsteen – Greetings from Asbury Park, N.J. (1973)

Blinded by the Light

Growin' Up

Mary Queen of Arkansas

Does This Bus Stop at 82nd Street?

Lost in the Flood

The Angel

For You

Spirit in the Night

It's Hard to Be a Saint in the City

Erick Steve. 

Duran Duran – Seven and the Ragged Tiger

Duran Duran – Seven and the Ragged Tiger 

O álbum que sucedeu Rio na discografia da banda britânica Duran Duran foi Seven and the Ragged Tiger, lançado em 21 de novembro de 1983 pela EMI. Este terceiro trabalho de estúdio veio em um momento de enorme pressão, já que o grupo precisava corresponder ao sucesso estrondoso de seu antecessor. Gravado em diversos estúdios ao redor do mundo, incluindo locais na França e Austrália, o disco reflete tanto o glamour quanto o desgaste da vida na estrada. Musicalmente, o álbum mantém a base new wave e synth-pop característica da banda, mas com uma produção mais polida e ambiciosa. Faixas como Union of the Snake, New Moon on Monday e The Reflex se destacaram, sendo esta última um enorme sucesso após remix de Nile Rodgers. O disco também evidencia a evolução do grupo em termos de arranjos e experimentação sonora, mantendo ao mesmo tempo o apelo comercial que os tornara ídolos da era MTV.

A recepção crítica foi mista, especialmente quando comparada ao entusiasmo gerado por Rio. Publicações como a Rolling Stone reconheceram o talento da banda para criar hits, mas apontaram certa falta de coesão no álbum como um todo. Já outros veículos, como o The New York Times, destacaram o refinamento da produção e o alcance global do grupo. Apesar das críticas divididas, o desempenho comercial foi impressionante: o álbum alcançou o topo das paradas no Reino Unido e teve grande sucesso internacional, consolidando o Duran Duran como um dos maiores nomes do pop dos anos 1980. Com o tempo, Seven and the Ragged Tiger passou a ser reavaliado de forma mais positiva, sendo visto como um retrato fiel do auge da banda e da cultura pop da época. Seu legado permanece associado à estética extravagante e ao som sofisticado que definiram uma geração, além de reforçar a influência duradoura do grupo na música pop e no videoclipe como forma de arte.

Duran Duran – Seven and the Ragged Tiger (1983)

The Reflex

New Moon on Monday

(I'm Looking For) Cracks in the Pavement

I Take the Dice

Of Crime and Passion

Union of the Snake

Shadows on Your Side

Tiger Tiger

The Seventh Stranger

Erick Steve. 

George Michael - Faith

Fim de ano é tempo de organizar algumas bagunças. Remexendo em uma velha pilha de discos de vinil da minha velha coleção acabei me deparando com uma cópia antiga, já bem gasta pelo tempo, desse "Faith". Para matar um pouco a saudade resolvi colocar para tocar algumas faixas. Provavelmente apenas Michael Jackson e Madonna eram mais populares do que George Michael na década de 80. O cantor inglês era um dos maiores vendedores de discos do mundo! Suas turnês lotavam estádios planeta afora e George Michael tinha um fã clube tão forte e organizado como os de Madonna e Michael Jackson. "Faith" foi seu auge absoluto. Depois de um começo de carreira no Wham! (uma espécie de Menudo em versão dupla) o cantor rompeu com o antigo amigo e se lançou em carreira solo.

Após assinar com uma grande gravadora ele mudou o visual (saiu o estilo namoradinho de colegial e entrou o jeito motoqueiro de ser). George Michael encarnava naquele momento o cara durão de rua, que arranjava briga em bares de motoqueiro onde só havia caras durões para bater. Com uma jukebox dos anos 50 ao lado e casaco de couro negro, o cantor praticamente se reinventou. O novo design caiu imediatamente no gosto de seu extenso fã clube. "Faith" vendeu quase 30 milhões de cópias ao redor do mundo! George Michael com seu visual de borracharia, barba por fazer e óculos espelhados virou um ícone de sensualidade e perigo para todas as adolescentes do mundo! Depois de conquistar o primeiro lugar nas paradas George Michael partiu para conquistar o mundo através de turnês megalomaníacas! Lotou estádios dos EUA à Europa e até no Brasil o ídolo das massas aterrissou.

Foi um dos primeiros álbuns gravados digitalmente no mundo - uma revolução e tanto para aquela época. George Michael mostrando uma maturidade incomum foi praticamente o único produtor de todas as faixas. Usando a nova tecnologia ao limite ele conseguiu produzir um disco único que até hoje causa admiração em quem ouve. Além disso ele sempre mostrou ser um intérprete muito talentoso, com voz muito agradável. Infelizmente assim como aconteceu com Michael Jackson, sua vida pessoal cheia de problemas e escândalos nublaram a isenção dos que escreviam sobre suas obras. O fato porém é que George Michael nunca mais voltou ao nível comercial e artístico que apresentou nesse "Faith", um álbum que até hoje é um dos maiores representantes da musicalidade da década de 80. Um apogeu que jamais voltaria a acontecer em sua carreira.

1. Faith (George Michael) - Inegavelmente é um pop descartável dos anos 80, música para tocar nas estações de rádio FM. Tudo feito para consumo rápido. A música título "Faith" vai justamente por esse lado. Agora pare para pensar um pouco. Compare essa pop music dos anos 80 com o que se ouve hoje em dia no Dial de sua programação. É algo muito superior a qualquer coisa que se ouça hoje em dia. Os arranjos dessa música são caprichados, lembrando inclusive as guitarras dos anos Rockabilly. Isso fica ainda mais evidente pelo próprio visual de George Michael nesse álbum. Ele surge como um roqueiro dos anos 50, com direito a casaco preto de couro e tudo. Uma antiga guitarra vintage completa o quadro. Ficou muito legal!

2. Father Figure (George Michael) - "Father Figure" foi outro grande sucesso desse álbum. É uma balada, mas que se diferencia justamente pelo estilo vocal de George Michael. Ele a canta em sussurros, causando um efeito de confissão em quem ouve a faixa. O coro feminino só valoriza ainda mais a canção. É aquela sonoridade anos 80 que se você ouviu na época nunca mais esqueceu. Extremamente fixada em sua mente. Coisas de produtor. A letra é também extremamente sensual. Em primeira pessoa George Michael conta para sua garota que quer ser sua figura paterna. Não na linha de se tornar um Sugar Daddy da jovem, mas sim ali lado a lado, desfrutando de momentos mais íntimos possíveis. Um violão espanhol solando ao fundo completam o quadro de sensualidade latente.

3. I Want Your Sex (I & II) (George Michael) - A música que mais fez sucesso desse álbum foi "I Want Your Sex (I & II)", Realmente um belo trabalho de arranjos providenciado pelo próprio George Michael que foi o produtor do disco. É interessante perceber também que essa faixa acabou sendo renegada pelo próprio George Michael alguns anos depois, principalmente depois que ele enveredou por uma linha mais séria em sua discografia. Não é mesmo incomum astros da música renegarem seus maiores sucessos depois de alguns anos. Até parece que sentem uma certa vergonha por terem feito sucesso com determinadas canções. Deixando isso de lado a canção tem um arranjo que mais parece um antigo R&B, com ênfase na parte mais acústica, isso sem deixar de lado o som mais sofisticado que acabou estourando nas rádios durante os anos 80. Já a letra, bem, essa era mais do que direta. Na época não se sabia que George Michael era gay, por isso o apelo de sua sexualidade pegou também as fãs em cheio. Com um visual bem másculo, com jeitão de roqueiro dos anos 50, George Michael logo se reafirmou como símbolo sexual para as garotas, algo aliás que vinha desde os tempos do Wham, só que naqueles tempos numa pegada mais juvenil.

4. One More Try (George Michael) - "One More Try" começa quase como uma música sacra. Essa balada foi outra que não saiu das paradas na época. De forma em geral esse foi mesmo o auge comercial da carreira do cantor. Praticamente todas as faixas do disco se tornaram hits. Impressionante. George Michael estava ali lado a lado com Michael Jackson e Madonna no domínio das paradas de sucesso. Aliás sempre cito os três artistas como a verdadeira "trindade" da música pop internacional dos anos 80. Seus discos eram formados de um sucesso atrás do outro. Em uma época onde a sonoridade da música comercial era infinitamente superior ao que se ouve hoje em dia eles se destacavam muito nesse aspecto. Sim, música comercial mesmo, feita para vender, mas com inegável qualidade.

5. Hard Day (George Michael) - "Hard Day" também é muito bem arranjada, porém é tal coisa, esse uso excessivo de sintetizadores (tão comum nos anos 80) deixou a gravação também bastante datada. A linha de baixo, instrumento mais tradicional e convencional, acabou salvando a canção de sua sonoridade 80s em excesso. Essa faixa fez relativo sucesso na época. Não é uma música de George Michael que você vai lembrar de imediato, mas bastará mais alguns segundo para que você se lembre bem dela. Tem um ritmo mais cadenciado. A letra não diz muita coisa, porém no conjunto se torna bastante razoável.

6. Hand to Mouth (George Michael) - A música começa com uma bateria digital (que era febre nos anos 80). A voz do George Michael também está modificada, muito remixada. Essa faixa fez um sucesso apenas razóavel em seu lançamento. Seu estrofe principalmente vai soar familiar para quem viveu a época. O refrão então, você lembrará com certeza. Mesmo assim penso que é uma faixa menor dentro do disco. Não chega a se destacar. Apenas seu ritmo mais relaxante vai chamar a atenção hoje em dia.

7. Look at Your Hands (David Austin / George Michael) - "Look at Your Hands" tem um arranjo tão anos 80! Esses saxofones, nesse tipo de linha melódica, me lembra imediatamente de Rob Lowe fingindo ser um músico naquele clássico "O Primeiro Ano do Resto de Nossas Vidas". Poderia ter feito parte dessa trilha sonora pois tem tudo a ver. Voltando para o "Faith" podemos perceber que a música tem seu embalo - com destaque também para as vocalistas femininas - mas nunca fez muito sucesso. Um Lado B de Michael. Bom embalo, dançante, bem produzida, mas sem maior brilho. Detalhe importante: foi composta em dupla com David Austin.

8. Monkey (George Michael) - A música "Monkey"ganhou clip, a gravadora se esforçou para fazer sucesso, mas a música nunca virou um hit! Por qual razão? Complicado dizer. O público tem seus próprios mistérios e nenhum analista consegue com certeza dizer se uma faixa vai ou não fazer sucesso. No videoclip temos uma parte em que George Michael, vestido de fazendeiro chic, com direito a suspensórios, dança em boa fotografia preto e branco. Na outra linha uma bem bolada edição mostra o cantor em diversos shows de sua turnê. É como eu escrevi, George Michael se esforçou muito para promover a canção - até fez coreografia própria, mas nunca pegou, nunca tocou bem nas rádios.

9. Kissing a Fool (George Michael) - E que tal beijar um tolo? Essa é a proposta de "Kissing a Fool". Ao contrário das anteriores esse bom swing fez sucesso e se tornou um hit internacional. O que não deixa de ser curioso pois é uma música bem simples, mas que caiu no gosto popular. Esse tipo de sonoridade me lembra muito os antigos cantores dos anos 40, com toda aquela ginga que se perdeu no tempo. Outro fato digno de nota: o arranjo não envelheceu nada e segue sendo tão saboroso e moderno como no dia em que chegou nas lojas pela primeira vez. Quem diria que essa faixa seria uma das mais impermeáveis ao tempo? Pois é... George Michael soando como algo novo, a última novidade.

10. Hard Day (Shep Pettibone Remix) (George Michael) - Numa época em que era raro termos remixes em álbuns de cantores e bandas, o George Michael inovou ao colocar essa faixa "Hard Day (Shep Pettibone Remix)". Era basicamente a mesma Hard Day, só que obviamente turbinada com todos os efeitos sonoros que eram possíveis nos anos 80. Ficou bem dançante, bem moderna, ideal para as pistas de dança. Importante chamar a atenção para o fato de que embora ainda não tivesse assumido publicamente que era gay o cantor era figurinha fácil em bailes e festas LGBTs. E ele bem sabia disso, tanto que contratou um grupo de DJs de Los Angeles especialmente para a elaboração desse remix. Um presente de George Michael para seu público mais fiel, obviamente.

11. A Last Request (I Want Your Sex Part III) (George Michael) - A mesma lógica fonográfica vem com "A Last Request (I Want Your Sex Part III)", só que aqui saiu o lado mais dance, frenético, para a entrada de uma balada bem calma, relax, bem diferente da "I Want Your Sex" original. Era fácil para George Michael brincar de produtor com esse tipo de faixa, afinal ele tinha à disposição o melhor dos mais modernos estúdios de gravação de Los Angeles e Nova Iorque ao seu dispor. Assim ele poderia dar diversas vertentes sonoras às músicas que havia gravado para o álbum "Faith". O resultado iria inspirar outros artistas a fazerem o mesmo, trilharem o mesmo caminho. Não deixou de ser uma inspiração bem interessante para quem gostava de música e sonoridade em geral. Foi até uma pequena revolução no mundo do disco que ele deu o pontapé inicial, quase sem querer.

Pablo Aluísio.

U2 - The Joshua Tree

U2 - The Joshua Tree

O álbum The Joshua Tree, da banda irlandesa U2, foi lançado em 9 de março de 1987 e representa o auge artístico e comercial do grupo durante a década de 1980. Produzido por Brian Eno e Daniel Lanois, o disco consolidou a sonoridade épica e atmosférica do U2, combinando rock com influências do folk americano, blues e gospel. Inspirado pela cultura e pela paisagem dos Estados Unidos, o álbum também traz uma forte carga política e espiritual, abordando temas como desigualdade social, fé e crítica à política externa americana. Faixas como With or Without You, I Still Haven't Found What I'm Looking For e Where the Streets Have No Name tornaram-se hinos instantâneos, destacando a voz emocional de Bono e o estilo de guitarra inconfundível de The Edge. O álbum também se beneficia de uma produção sofisticada, que equilibra minimalismo e grandiosidade, criando uma atmosfera sonora única que ajudou a definir o som do rock alternativo da época.

A recepção crítica foi extremamente positiva, com publicações como a Rolling Stone classificando o disco como uma obra-prima e destacando sua profundidade lírica e ambição sonora. O The New York Times elogiou a maturidade artística da banda, enquanto outras revistas como a The New Yorker reconheceram a habilidade do U2 em unir mensagem política e apelo popular. Comercialmente, The Joshua Tree foi um enorme sucesso, alcançando o topo das paradas em diversos países e vendendo mais de 25 milhões de cópias ao redor do mundo. O álbum rendeu vários prêmios Grammy, incluindo Álbum do Ano, e consolidou o U2 como uma das maiores bandas do planeta. Seu legado permanece até hoje como um dos discos mais importantes da história do rock, influenciando gerações de músicos e sendo constantemente citado em listas de melhores álbuns de todos os tempos. É uma obra que transcende seu contexto histórico e continua relevante tanto musical quanto culturalmente.

U2 – The Joshua Tree (1987)

Where the Streets Have No Name

I Still Haven't Found What I'm Looking For

With or Without You

Bullet the Blue Sky

Running to Stand Still

Red Hill Mining Town

In God's Country

Trip Through Your Wires

One Tree Hill

Exit

Mothers of the Disappeared

Erick Steve.