The Doors - L.A. Woman

O disco final da banda The Doors, "L.A.Woman", foi gravado em oito canais entre dezembro de 1970 a fevereiro de 1971, no Doors Workshop (Hollywood, CA). Esse era um estúdio pequeno, improvisado no escritório do grupo. Logo no começo dos ensaios Jim percebeu que o som ficava ótimo dentro do banheiro e sugeriu que toda a banda fosse para dentro do sanitário! Com a recusa dos demais membros da banda, o Rei Lagarto não se fez de rogado, gravou todas as faixas sentado em um banquinho ao lado da privada... O disco foi lançado oficialmente nos EUA no final de abril de 1971. A produção ficou com Bruce Botnick e os próprios The Doors. Panelinha nativa.

Mesmo contendo três das canções mais famosas dos Doors (a faixa título, Love Her Madly e Riders on the Storm) e ter sido um dos discos mais vendidos da banda (fazendo deles o primeiro grupo de rock americano a receber sete discos de ouro consecutivos), "L.A. Woman" é uma obra que pode não ser rapidamente digerida pelos admiradores do grupo. Como Morrison Hotel já dava sinais, os Doors haviam se transformado mais do que nunca numa banda de blues, e esse último lançamento é basicamente todo dedicado a esse estilo. A diferença pode ter sido acentuada com a saída do produtor Paul Rothchild, que não gostou do que ouviu nos ensaios das novas canções e decidiu se afastar dos Doors.

Assim, resolveram produzir a si mesmos com o auxílio de Bruce Botnick, que havia sido o engenheiro de gravação dos outros discos, e prepararam o novo álbum em um estúdio improvisado no escritório da banda. Num ambiente calmo e familiar (os vocais eram feitos no banheiro, que possuía uma melhor acústica), prepararam as faixas no chamado "estúdio ao vivo", onde todos os instrumentos são tocados e gravados ao mesmo tempo, como num show. O resultado foi simples e excelente, uma grandiosa despedida de Jim Morrison. Curiosidade: o nome Mr. Mojo Risin', repetido diversas vezes durante a canção L.A. Woman, é um anagrama de Jim Morrison. Reordenando as letras é possível formar o nome do vocalista. Além disso é o nome de uma entidade de vodu, muito em voga na cidade de New Orleans, no sul dos EUA.

1. The Changeling (Jim Morrison) - Para muitos essa canção chamada "The Changeling' é um blues visceral. Para outros o único funk feito por brancos que valeu a pena ouvir (pelo amor de Deus, estamos falando aqui do funk americano verdadeiro, não daquelas coisas que são chamadas de funk no Rio de Janeiro e demais cidades pelo Brasil afora!). No final das contas não importa a exata classificação da música, o que importa mesmo aqui é a bela performance de Morrison (visivelmente "alto", dando gritos de empolgação) e sua banda. Curiosamente apesar de ser muito bem executada, com ótimo arranjo, a canção não deu muito trabalho aos Doors. Em poucos takes eles chegaram na versão definitiva. E pensar que esses ótimos solos de guitarra de Robby Krieger foram alcançados quase de primeira mão dentro do estúdio. Virtuosismo pouco é bobagem.

2. Love Her Madly (Robby Krieger) - "Love Her Madly" acabou sendo escolhida para ser uma das músicas de divulgação do álbum. Com ritmo nitidamente alegre e simpático, com a cara de Krieger, realmente parecia ser a ideal para virar um hit das rádios. A canção tem algumas paradinhas em sua melodia típicas para se ouvir nas praias californianas. Tudo muito soft e relax. Por ter essa característica tão comercial, digamos assim, não a colocaria entre as grandes faixas desse álbum. Dançante, com bom arranjo, mas em essência simplória demais para estar à altura das outras mensagens de Morrison e sua mente privilegiada. Jim aliás a achou "engraçadinha" demais da conta, mas como gostava de Krieger a gravou sem causar maiores problemas para seu amigo de banda.

3. Been Down So Long (Jim Morrison) - Depois começamos a ouvir os primeiros acordes de "Been Down So Long". Vamos aos fatos: Jim estava interessado mesmo em cantar blues nessas sessões. Embora isso de certa forma aborrecesse o batera Densmore, Morrison queria mesmo se entregar de corpo e alma ao ritmo. Essa "Been Down So Long" é o primeiro grande blues do disco. Morrison visivelmente entregue, se farta com uma canção extremamente bem arranjada, com os demais membros do Doors em momento inspirado. Curiosamente a ordem dos instrumentos foi levemente alterada para essa gravação. Não havia necessidade de órgão e nem piano e por essa razão Ray Manzarek trocou os teclados pela guitarra rítmica. Robby Krieger ficou responsável pelo Slide guitar e um terceiro guitarrista, o músico Marc Benno, ficou na base. Completando a equipe os Doors ainda contaram com Jerry Scheff, o baixista de Elvis Presley. Assim acabaram atendendo às velhas críticas que sempre afirmavam que os Doors precisavam urgentemente de um baixo em suas canções, algo que nunca havia se tornado um problema, mas que agora tinham resolvido suprir contratando o baixista da banda do Rei do Rock.

4. Cars Hiss by My Window (Jim Morrison) - Foi justamente a gravação dessa faixa "Cars Hiss by My Window" que irritou o baterista Densmore. Anos depois ele declararia numa entrevista: "Tudo bem para um vocalista pois aqueles blues eram ótimos nesse aspecto. Já para um batera como eu, era extremamente chato esse tipo de canção. Não há como inovar ou trazer coisas interessantes. A coisa toda vira um tédio. O ritmo se mantém o mesmo em praticamente todo o tempo". Se para Densmore tudo era tédio puro o mesmo não se pode dizer para o brilhante trabalho de guitarra do mestre Krieger. Ele praticamente sola da primeira a última estrofe, criando um duelo de melodia com a voz de Morrison, que aliás surge perfeita, dando a impressão de estar levemente embriagada - o que convenhamos casa perfeitamente com a proposta da gravação e da letra. Impossível ficar indiferente a esse belo momento dark etílico da carreira do grupo.

5. L.A. Woman (Jim Morrison) - "L.A. Woman" foi creditado a todo o grupo, ou seja, Morrison, Manzarek, Densmore e Krieger. Basicamente é uma declaração de amor de Morrison para a cidade de Los Angeles. Em uma de suas últimas entrevistas Jim Morrison explicou que L.A. o tinha acolhido em um momento particularmente complicado de sua vida, quando finalmente resolveu largar a universidade e viver como um vagabundo errante pelos arredores de Venice Beach, e que por essa razão era eternamente grato a ela. "Se disserem que nunca a amei certamente estarão mentindo" - decretou o cantor. Curiosamente em sua letra Morrison acaba humanizando a cidade, a identificando de forma surrealista com uma mulher, tudo sendo criado em um plano puramente subjetivo e poético, de sua maneira muito peculiar de enxergar a realidade. Os lugares da cidade por onde parece caminhar se misturam com os delicados devaneios do corpo de uma mulher amada, misteriosa e Inatingível. Em termos técnicos considero essa uma das melhores gravações da carreira dos Doors. A música tem uma melodia envolvente, que desfila em uma crescente euforia que também vai contagiando o ouvinte, tudo indo desembocar em um excesso de explosões emocionais. Certamente uma obra prima da carreira do grupo. Genial mesmo.

6. L'America (Jim Morrison) - "L'America" é outra composição de Jim Morrison com forte influência cinematográfica. É praticamente um road movie, como eram chamados os filmes de estrada, com enredos versando sobre pessoas que em determinada manhã simplesmente decidiam ligar o carro e pegar a estrada, rumo a lugar nenhum. Morrison assim vai narrando em forma sensorial essa trip, onde ele se coloca como aquele forasteiro que chega numa cidade onde não conhece ninguém. Os homens não gostam de sua chegada, mas as mulheres acabam ficando atraídas pela sua presença. A letra é até simples, com poucos versos, mas funciona muito bem, afinal Jim Morrison era um grande poeta e escritor.

7. Hyacinth House (Ray Manzarek / Jim Morrison) - "Hyacinth House" também servia de trilha sonora para essa via crucis do cantor pelos lugares menos glamourosos de Los Angeles. Aqui, em versos simples, Jim dava uma indireta até mesmo para os colegas de banda. Ele estava meio de saco cheio de viver ao lado de pessoas que só o criticavam. Isso justificava versos como: "Eu preciso de um novo amigo que não me incomode / Eu preciso de um novo amigo que não me atrapalhe / Eu preciso de alguém que não precise de mim". Essa última frase era uma resposta direta a John Densmore, o baterista dos Doors, que havia dito durante as gravações que o grupo poderia seguir em frente, mesmo sem Jim nos vocais. O clima entre eles, como se podia perceber, não era dos melhores.

8. Crawling King Snake (John Lee Hooker) - De todas as faixas uma das mais representativas é justamente essa "Crawling King Snake". Esse é um blues antigo, clássico, um verdadeiro standart. Presume-se (ninguém tem certeza) que a canção foi composta por cantores de blues de cabarés na década de 1920. Só depois vieram as primeiras gravações. Naquela época os compositores e cantores de blues eram considerados vagabundos, artistas que vendiam suas criações em troca de uma garrafa de whisky, as gravando em pequenos estúdios do tipo fundo de quintal. Assim as origens de músicas como essa acabavam se perdendo nas areias do tempo. A versão de Morrison bebe diretamente (sem trocadilhos infames, por favor!) da gravação de John Lee Hooker dos anos 1940. Em minha opinião essa versão dos Doors é inclusive superior às gravadas por Howlin' Wolf e Muddy Waters, Um registro excelente, com muita alma e espírito (provavelmente vindo diretamente das entidades que norteavam a mente do embriagado Morrison). Melhor do que isso, impossível.

9. The WASP (Texas Radio and the Big Beat) (Jim Morrison) - Outra excelente faixa desse álbum, tanto em termos de composição como gravação é a diferente "The WASP (Texas Radio and the Big Beat)". Essa canção soava como se você estivesse dirigindo por alguma estrada do Texas e sintonizasse uma rádio de blues no dial. A sigla WASP era uma referência aos brancos, aos protestantes, aos anglo-saxões, considerados "a nata" da sociedade americana. Essa sigla inclusive foi usada por organizações racistas para classificar o que era um "verdadeiro americano", pessoas bem acima do restante da escória, ou seja, dos negros, dos latinos, dos imigrantes e de todos aqueles que não se enquadrassem na visão racista e canalha da Klan. Jim obviamente usou o WASP como ironia, como crítica, como uma forma de debochar da mentalidade dessa gente. Jim incorpora um DJ na música e declama versos como esse: "Os negros brilhantemente enfeitados na selva / Estão dizendo "Esqueçam as noites" / Vivam conosco na floresta azulada / Aqui fora no perímetro não há estrelas / Aqui estamos petrificados - imaculados.". Morrison estava particularmente inspirado para escrever letras nesse disco.

10. Riders on the Storm (Jim Morrison / Ray Manzarek / Robby Krieger / John Densmore) - "Riders On The Storm" foi lançada em single, em junho de 1971. Foi o segundo compacto simples extraído deste disco. "Riders on the Storm" é uma canção visceral, excepcionalmente bem produzida e que mostra que em poucos anos o grupo atingiu uma maturidade precoce. A letra é bem emblemática e mostra como o cinema influenciou o trabalho poético de Jim, basta ler a letra e ver como tudo se desenrola como um verdadeiro roteiro de um filme, uma cena rápida, bem ao estilo de alguém que frequentou uma escola de cinema, um verdadeiro outsider cinematográfico. Bem, essa canção dispensa maiores comentários, nem vou relembrar o fato dela ter sido inspirada em um fato real ocorrido com Jim em sua infância, quem assistiu ao filme de Oliver Stone, sabe do que estou falando, por isso não vou me repetir aqui. Em suma, essa música é vital, essencial na história do Rock Mundial. No Lado B do single foi colocada "Changeling", um blues ao velho estilo. Todos concordam em um ponto, "L.A.Woman" é basicamente um trabalho de Blues. Jim poderia até mesmo ter chamado esse disco de "The Doors Blues Album" se quisesse. É uma faixa forte, recomendada para bluesmen inveterados.

Singles extraídos desse álbum:

Love her madly / Don't go no farther - Em março de 1971 os Doors lançaram seu penúltimo single. O interessante deste compacto simples foi a escolha de uma das canções do disco como lado principal. "Love Her Madly" não tem a importância de "Riders on the Storm" ou ainda "L.A.Woman", mas foi ela a eleita para figurar como música "carro chefe" do disco. Não a considero uma canção altamente relevante dentro da discografia da banda, mas me parece que ela foi escolhida por ser a mais comercial, a mais fácil de ser digerida pelas rádios americanas. No lado B desse single temos uma música que hoje em dia é considerada uma verdadeira raridade. Se você já ouviu "Don't go no farther" por aí se considere privilegiado pois essa faixa sumiu da discografia da banda após seu lançamento nesse single.

Riders on the storm / Changeling - Em junho de 1971 o grupo lançou o segundo single extraído deste disco. "Riders on the Storm" é uma canção visceral, excepcionalmente bem produzida e que mostra que em poucos anos o grupo atingiu uma maturidade precoce. A letra é bem emblemática e mostra como o cinema influenciou o trabalho poético de Jim, basta ler a letra e ver como tudo se desenrola como um verdadeiro roteiro de um filme, uma cena rápida, bem ao estilo de alguém que frequentou uma escola de cinema, um verdadeiro outsider cinematográfico. Bem, essa canção dispensa maiores comentários, nem vou relembrar o fato dela ter sido inspirada em um fato real ocorrido com Jim em sua infância, quem assistiu ao filme de Oliver Stone, sabe do que estou falando, por isso não vou me repetir aqui. Em suma, essa música é vital, essencial na história do Rock Mundial. No Lado B do single foi colocada "Changeling", um blues ao velho estilo. Todos concordam em um ponto, "L.A.Woman" é basicamente um trabalho de Blues. Jim poderia até mesmo ter chamado esse disco de "The Doors Blues Album" se quisesse. É uma faixa forte, recomendada para bluesman inveterados.

The Doors - L.A. Woman (1971): Jim Morrison (vocais) / Ray Manzarek (piano, órgão) / Robby Krieger (guitarra) / John Densmore (bateria) / Jerry Scheff (baixo) / Marc Benno (guitarra) / Produzido por Bruce Botnick, Joey Levins e The Doors / Selo: Elektra Records / Local de gravação: The Doors' Workshop, Santa Monica Boulevard, Los Angeles / Data de gravação: Dezembro de 1970 - Janeiro de 1971 / Data de lançamento: Abril de 1971.

Pablo Aluísio.

The Doors - Morrison Hotel

The Doors - Morrison Hotel

Em 1970 Jim Morrison já tinha ultrapassado todos os limites. Ele já havia sido preso, processado e execrado pela mídia por causa de alguns concertos muito loucos que havia feito ao lado de sua banda. Não havia mais espaço para a inocência. Quando não estava sendo massacrado pela imprensa ou prestando depoimento em algum tribunal, Jim procurava relaxar. Seu lugar preferido para isso era o bar mais próximo. Quanto mais vagabundo fosse o boteco, melhor para Jim. Ele adorava passar horas e horas ouvindo blues, bebendo muito, nesse tipo de lugar. E foi em um desses bares que ele teve duas ideias que pareciam brilhantes: um disco mais visceral, cru, com muitos blues intitulado simplesmente "Morrison Hotel", justamente o mesmo nome de um dos botequins que Jim mais apreciava.

Os Doors estavam mesmo precisando cumprir seus contratos com a gravadora. Desde que Jim tinha se metido em apuros legais, ele não havia entrado mais em estúdio. A lata estava vazia! O problema para os produtores era conseguir levar Jim para trabalhar sem que ele estivesse completamente bêbado ou narcotizado. Como seu lema preferido dizia: "Os excessos levam aos palácios da sabedoria". Pelos excessos que tinha cometido certamente, naquela altura de sua vida, Jim já poderia se considerar um sábio!

De uma forma ou outra Jim prometeu cumprir o contrato, procurando beber menos durante a semana de gravações do novo álbum (algo que cumpriu apenas em parte pois em algumas faixas o ouvinte podia notar claramente que Jim estava embriagado!). Assim uma semana antes de entrar em estúdio Jim e os Doors se encontraram para os primeiros ensaios. Morrison havia escrito algumas letras, adaptado até mesmo velhos poemas de sua autoria. Como sempre o material era de primeira. Meio ao acaso, administrando o caos, então os Doors começaram a dar os primeiros acordes. O novo disco estava prestes a ser produzido.

1. Roadhouse Blues (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) - O álbum "Morrison Hotel" começa com aquele que considero o melhor blues dos Doors, "Roadhouse Blues"! Que grande gravação! Dentro dos estúdios, quando os Doors se entrosavam completamente, eles conseguiam o melhor em termos musicais. Essa faixa é certamente uma das melhores da discografia do grupo, porém uma ressalva é importante. Embora seja uma das melhores gravações dos Doors, a melhor versão de "Roadhouse Blues" não está nesse disco. Uma versão ao vivo, maravilhosa, foi descoberta anos depois. Quem adquiriu o CD com a trilha sonora do filme "The Doors" de Oliver Stone certamente saberá do que estou escrevendo. Essa "Live Version" é seguramente a melhor performance do grupo interpretando esse blues. Contando com o calor e reação do público presente no concerto, esse é seguramente o auge dos Doors em relação a essa música. A Warner Music (atual detentora dos direitos autorais dos Doors) bem poderia lançar uma versão Luxe de "Morrison Hotel" com essa faixa. Ficaria perfeito.

2. Waiting for The Sun (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) - Outra que também não fez parte das sessões originais do "Morrison Hotel" foi "Waiting for The Sun". Essa destoa muito das outras músicas desse álbum. Ela foi gravada originalmente em 1968 e sabe-se lá a razão ficou pegando poeira nos arquivos da gravadora em Nova Iorque por dois anos! É uma composição que foi creditada a todos os membros do grupo  (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek e Jim Morrison), embora saiba-se que os que mais contribuíram mesmo para sua elaboração tenham sido Manzarek, Krieger (nos arranjos) e Morrison (na letra e nos versos). Sinceramente falando não gosto muito dessa música porque ela quebra o ritmo de "Morrison Hotel", se mostrando bem fora de rota mesmo da linha dorsal melódica desse disco.

3. You Make Me Real (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) - A primeira vez que ouvi "You Make Me Real" eu pensei comigo mesmo que essa canção era alegre demais para ter saído da pena de Jim Morrison. Realmente, o verdadeiro autor desse momento pra cima era o guitarrista Robby Krieger. Ele a compôs após um encontro com uma garota que estava apaixonado há muitos anos. Por isso o tom para cima, contagiante, como se alguém realmente comemorasse aquela noite. Algum tempo depois Jim declarou: "Eu nunca escrevi nem uma linha para You Make Me Real. Acho que Robbie colocou meu nome na autoria da música por amizade ou misericórdia, ou ambos, quem sabe..."

4. Peace Frog (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) -
"Peace Frog" por outro lado traz uma das melhores melodias do disco. Puro swing. Essa é mais uma criação do guitarrista Robbie Krieger que a compôs com sua guitarra (nada de violão ou piano). Por isso se nota o intenso uso do instrumento durante toda a execução. Curiosamente a voz de Morrison foi gravada em dois canais diferentes, dando a impressão de que ele também realiza os vocais de apoio a ele mesmo! Há até espaço para Jim declamar um verso de um de seus poemas. Outro aspecto digno de nota é que a fita original de gravação apresentou um pequeno defeito, o que levou muitos a pensaram que a cópia de vinil que tinham comprado nas lojas estava com defeito de fabricação. Não era! Foi um problema do rolo de gravação dentro do estúdio mesmo. O grupo percebeu o problema técnico, mas o take havia ficado tão bom que foi lançado assim mesmo.

5. Blue Sunday (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) - A baladinha "Blue Sunday" não acrescenta muito. Jim, com a voz encharcada de álcool (e outras coisinhas mais) canta a canção com convicção, mas sem maior envolvimento. A letra é um tanto banal, o que nos leva a pensar que foi composta exclusivamente por Krieger, já que Jim não era adepto de letras pueris e banais em excesso. Ele sempre preferia o excesso, até mesmo o barroco em seus textos. Afinal era exatamente isso que o levava aos pilares da sabedoria!

6. Ship of Fools (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) - O bom e velho Jim Morrison só retorna mesmo em "Ship of Fools", um blues acelerado que ele pensou enquanto estava em uma mesa de bar da periferia de Los Angeles. No meio dos seus delírios alcoólicos ele escreveu as primeiras linhas. Depois como era de hábito enviou o esboço com cheiro de vodka e maconha para o tecladista Ray Manzarek. Morrison, como todos os fãs sabem, era um grande letrista e poeta, porém não entendia nada de notas musicais ou harmonia. Seu método de trabalho era justamente esse, escrevendo a poesia da música para que depois Manzarek e os demais Doors se virassem para compor arranjos e melodia. O curioso é que como foi provado esse tipo de  parceria sempre funcionava bem.

7. Land Ho! (Robby Krieger, Jim Morrison) - "Land Ho!" foi uma parceria entre Jim Morrison e o guitarrista Robby Krieger. Dentro dos Doors eles tinham uma amizade especial. Krieger sempre foi um cara na dele, introspectivo, até mesmo tímido. Morrison gostava muito dele. Ao contrário de sua relação ruim com o baterista John Densmore, Jim apreciava a companhia e a presença de Krieger ao seu lado. Desses encontros, geralmente no apartamento de Morrison, surgiram composições como essa. "Land Ho!" é uma expressão que significa "Terra à Vista!", sempre dita por marinheiros quando encontravam terra firme. A letra é uma referência indireta ao próprio pai de Jim, que era da Marinha dos Estados Unidos. Claro que para disfarçar um pouco Jim diz na letra que seu avô era um baleeiro, em um universo de ficção, porém fica óbvio desde os primeiros versos a associação com o velho pai. Eles sempre tiveram uma relação muito complicada, a ponto de certa vez Jim mentir durante uma entrevista dizendo que ele estava morto!

8. The Spy (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) - "The Spy" por sua vez tem uma carga erótica muito grande, embora quase ninguém tenha percebido isso ao ouvir a canção pela primeira vez. Jim Morrison tinha grande habilidade nas letras, conseguindo transmitir mensagens em linguagem cifrada que poucos conseguiam compreender de imediato. Versos como "Eu sou um espião na casa do amor" não eram tão inocentes como inicialmente poderiam soar. Para pessoas próximas Jim explicou que a letra havia sido escrita após uma aventura sexual pelas noites de Los Angeles (provavelmente com uma prostituta). Para que Pamela, a garota de Jim, não pirasse, ele resolveu colocar tudo sob um véu de metáforas, algumas parecendo simples banalidades românticas. Ficou bonita, com melodia envolvente.

9. Queen of the Highway (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) - "Queen of the Highway" é uma homenagem de Jim às mulheres que conhecia pelas noites de Los Angeles. Diretamente ele não assumia isso por causa de seu relacionamento com Pamela, mas todos sabiam que a rainha da Highway era um protótipo ou uma imagem das milhares de prostitutas que ficavam nas pistas de alta velocidade da cidade para arranjar seus clientes. Jim achava muito interessante o estilo e modo de vida daquelas moças. Durante uma conversa de bar ele chegou a dizer que havia feito a música em homenagem a todas essas mulheres que lutavam por sua sobrevivência nas noites da cidade. Jim as admirava e as respeitava, acima de tudo.

10. Indian Summer (Robby Krieger, Jim Morrison) - "Indian Summer" não foi gravada nas mesmas sessões das outras canções desse álbum "Morrison Hotel". Na verdade essa era uma faixa que estava arquivada na Elektra Records desde o ano anterior. Deveria ter saído como single, mas ficou perdida, no limbo, sem espaço na discografia oficial da banda. Antes que surgisse na praça em algum disco pirata acabou sendo encaixada aqui no disco. Não é um blues como as demais canções. É uma bela balada escrita por Robby Krieger que mais uma vez foi generoso, colocando Jim como parceiro na composição.

11. Maggie M'Gill (John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison) -
Outra canção que também falava sobre as ditas "garotas de vida fácil" era "Maggie M'Gill". Essa segunda música sobre prostitutas já era mais complicada de disfarçar pois Jim resolveu homenagear a Maggie, uma garota que fazia ponto perto do bar onde ele bebia todos os dias. A letra é direta. Maggie contou a Jim que era uma garota do interior que apanhava do pai alcoólatra. Assim resolveu deixar seu passado para trás e foi para as ruas de Los Angeles ganhar sua vida. Jim ouviu tudo atentamente e disse a Maggie: "Farei uma canção em sua homenagem no meu próximo disco!". Promessa que aliás cumpriu justamente aqui nesse álbum, "Morrison Hotel".

Pablo Aluísio.

The Beatles - Beatles For Sale - Parte 5

The Beatles - Beatles For Sale - Parte 5

Finalizando a análise desse álbum dos Beatles, vamos tecer os últimos comentários sobre ele. Sempre que se fala em "Beatles For Sale" se afirma que foi um álbum criado meio às pressas, tentando cumprir obrigações contratuais dos Beatles com a gravadora EMI. Era necessário ter um disco novo dos Beatles nas festas de fim de ano e o grupo estava exausto por essa época. Tudo isso tem mesmo seu fundo de verdade, mas não vamos desmerecer essas gravações. Afinal se trata de um dos 13 álbuns oficiais dos Beatles em sua carreira. Sua importância jamais poderá ser subestimada. 

"I Don't Want to Spoil the Party" nunca chegou a fazer sucesso, nem na época em que o disco foi lançado e nem muito menos depois. Eu considero, por outro lado, um dos bons momentos do "Beatles For Sale". É uma composição da dupla Lennon e McCartney que de certo modo foi usada apenas para completar o disco, mas isso não tira seus méritos. Considero ela muito bem gravada e executada. E a letra, mesmo sendo simples, tenta inovar de alguma forma. 

John Lennon tinha uma personalidade bem incisiva. Isso não atraía a simpatia de todas as pessoas, muito pelo contrário. Geralmente John, com seu jeito sincero, criava muitos problemas, seja com a imprensa, seja até mesmo com outros artistas. Não foram poucos os jornalistas que o encontraram no auge da Beatlemania, dizendo depois que ele era um tanto rude. Uma característica da classe trabalhadora de Liverpool que Lennon levou para sua vida. 

Quando essas reclamações chegavam até Brian Epstein ele costumava se encontrar com John Lennon, perguntando: What You're Doing (O que você está fazendo?). John aproveitou a deixa e escreveu essa música. Para disfarçar tentou colocar os recados que mandava para Epstein no meio de uma letra que supostamente falava do amor entre dois adolescentes. Foi praticamente uma piadinha interna entre ele e seu empresário. O bom é que tudo isso resultou em mais uma boa música do disco. 

Pablo Aluísio. 

The Beatles - Beatles For Sale - Parte 4

The Beatles - Beatles For Sale - Parte 4

É curioso e interessante, mas eu sempre ouvi a canção "Baby's in Black" como uma espécie de ensaio para o que viria depois, com "Eleanor Rigby". Diria que as duas músicas são almas gêmeas, com o mesmo tipo de feeling! Sim, porque fato inegável é que essa faixa do Beatles For Sale foge mesmo da antiga fórmula das primeiras músicas dos Beatles. Pense bem. A protagonista é uma "garota de preto" cuja letra soa muito mais sombria do que poderia se imaginar. Paul McCartney, já nessa época, nessa fase primeira dos Beatles, já deixava claro que estava pronto para alcançar horizontes bem mais amplos. 

Paul costuma dizer que muitas de suas melhores músicas trazem personagens de mera ficção que ele utilizou ao longo dos anos. Nesse caso a tal garota vestida de preto seria mais uma delas, ou melhor dizendo, a primeira personagem de literatura que Paul inseria nos álbuns dos Beatles. Enfim, mostrava mesmo como Paul era diferenciado na criação de suas próprias canções. 

"Every Little Thing" não é tão inovadora como a faixa anterior, mas isso não significa que ela não seja outra bela surpresa. Eu iria além e penso que essa canção tem um sabor claramente oriental. Ela me lembra músicas criadas em um mundo antigo, em uma grande cidade de fusão cultural entre a tradição ocidental e oriental, como Constantinopla!

Veja sua marcação de ritmo, inclusive com pontuação de refrão que realmente foge do que se costumava ouvir na música pop dos anos 60. Ela tem um estilo diria até mesmo épico, por mais estranho que isso possa parecer. O vocal está com John Lennon, aqui com voz duplicada em estúdio. Enfim, uma faixa que até hoje impressiona por sua singularidade fora dos padrões. 

Pablo Aluísio. 

The Beatles - Beatles For Sale - Parte 3

The Beatles - Beatles For Sale - Parte 3

Há duas músicas de Carl Perkins nesse disco dos Beatles. "Honey Don't" é a primeira. Esse country music foi escolhido a dedo por John Lennon para ser a faixa que Ringo Starr cantaria no álbum. Como se sabe os Beatles sempre deixavam uma música para Ringo cantar nos discos oficiais do grupo. Era uma maneira de valorizar o baterista, fazendo com que ele ganhasse auto confiança em si mesmo. E o timbre de Ringo era muito adequado para esse tipo de sonoridade. Nos primeiros discos dos Beatles sempre que surgia um country no estúdio, todo mundo já sabia, essa faixa seria gravada pelo Ringo.

"Everybody's Trying to Be My Baby" foi a outra composição de Carl Perkins que os Beatles escolheram para fazer parte do disco. Carl Perkins era um artista da Sun Records, a mesma gravadora de Memphis que havia descoberto Elvis Presley e Johnny Cash, entre outros tantos pioneiros da primeira fase do rock americano. Os Beatles eram fãs dessa geração de artistas. 

Na época era bem complicado achar um disco de Perkins na Inglaterra, mas eles conheciam suas músicas, principalmente por causa do rádio. O fato de Liverpool ser um dos portos mais movimentados da Inglaterra também ajudava aos rapazes. Havia sempre algum marinheiro disposto a vender cópias de discos para eles. E assim os Beatles foram conhecendo a nata da música dos Estados Unidos.  

"Kansas City / Hey-Hey-Hey-Hey!" era outro cover do rock americano. Essa foi composta pela excelente dupla Leiber e Stoller, que escreveram alguns dos maiores sucessos da carreira de Elvis Presley. É interessante que a ideia do medley surgiu quando os Beatles estavam em turnê nos Estados Unidos. Eles iriam tocar na cidade de Kansas City e improvisaram esse número para homenagear o público dessa cidade americana. A coisa deu tanto certo, teve tão boa receptividade, que John e Paul decidiram fazer uma versão de estúdio. Ficou, como era de esperar, realmente excelente.

Pablo Aluísio. 

Ray Charles - Hit The Road Jack

Ray Charles - Hit The Road Jack

Ray Charles era cego mas não era bobo! Ao longo de sua vida colecionou uma infinidade de namoradas, amantes, esposas e aventuras. Se a mulher bobeasse caía na conversa do Ray. Não era raro ele ter mais de um caso com suas próprias vocalistas, algumas vezes com mais de uma, e tudo debaixo do nariz da própria esposa. Para um sujeito tão galinha não era de se admirar que de vez em quando ele levasse um toco de algumas de suas garotas que ficavam fartas de suas lorotas sem fim! E foi justamente numa ocasião dessas, quando uma delas cansada da galinhagem de Ray lhe disse a gíria "Hit The Road Jack" (algo como "Caia fora Jack!") que Ray teve a brilhante ideia de gravar essa irresistível canção de autoria do bluesman Percy Mayfield. Ele acrescentou mais pimenta no caldeirão e criou uma obra prima. Embora tenha uma origem pouco nobre, o fato é que "Hit The Road Jack" é um dos maiores clássicos gravados por Charles - um sucesso estrondoso que até hoje toca nas rádios e todo mundo conhece de cor e salteado.

A letra é das mais simples, basicamente uma mulher literalmente mandando seu amante embora para nunca mais voltar e ele respondendo com cinismo e irreverência singulares - "Agora, amor, ouça, amor, não me trate assim". O mais divertido de tudo é que quando Ray Charles foi apresentar a música pela primeira vez na TV americana ele estava tendo um caso com duas de suas vocalistas e o clima de "cachorrada" na apresentação ficou mais do que claro para quem assistiu. Ray aliás se segura para não cair na gargalhada, tal o clima de nonsense que se instala. Nesse mesmo dia nos bastidores o clima esquentou e o barraco se instalou completamente nos camarins do cantor! Imagine a baixaria! Para a gravadora ABC por outro lado isso não tinha a menor importância. Eles não estavam interessados em histórias de alcova mas em lucros! Lançado em single em outubro de 1961 a canção estourou nas paradas chegando ao primeiro lugar da cobiçada lista Billboard Hot 100, a principal da indústria fonográfica americana. No lado B a também interessante "The Danger Zone". Em suma, o que temos aqui é um sucesso memorável de um dos maiores nomes da música americana. E agora, pode cair fora Jack...

Pablo Aluísio

Chuck Berry & Bo Diddley - Two Great Guitars

Chuck Berry & Bo Diddley - Two Great Guitars (1964)

Lançado em agosto de 1964 pelo selo Checker, subsidiário da Chess Records, Two Great Guitars é um álbum especial que reúne dois dos maiores pioneiros do rock and roll: Chuck Berry e Bo Diddley. Diferentemente dos discos convencionais de rock da época, construídos em torno de uma sequência de canções curtas, o trabalho aposta principalmente em longas sessões instrumentais, nas quais os dois músicos exploram o ritmo, improvisam e demonstram suas personalidades musicais. As gravações foram realizadas em março de 1964, no Ter-Mar Recording Studio, em Chicago, cidade fundamental para o desenvolvimento do blues elétrico e do rhythm and blues. O lançamento também possui um significado particular na trajetória de Berry, pois foi seu primeiro álbum de estúdio publicado depois de sua saída da prisão, em outubro de 1963. Enquanto Chuck Berry era conhecido por seus riffs melódicos, solos ágeis e pela combinação de blues com estruturas que ajudariam a definir o rock, Bo Diddley havia desenvolvido uma identidade rítmica própria, marcada por batidas insistentes e sincopadas. O encontro dos dois, portanto, representava muito mais do que uma colaboração entre colegas de gravadora: era uma reunião de artistas que haviam ajudado a estabelecer as bases do rock moderno. 

O álbum original contém apenas quatro faixas, mas duas delas ocupam grande parte de seus aproximadamente trinta minutos de duração. A abertura, “Liverpool Drive”, é uma peça instrumental de Chuck Berry, com pouco menos de três minutos, que apresenta sua guitarra em um formato mais direto e próximo de seu estilo habitual. Em seguida vem “Chuck's Beat”, uma extensa jam instrumental de cerca de dez minutos, na qual Berry e Bo Diddley compartilham o protagonismo, acompanhados por músicos da sessão de Chicago. No segundo lado, Bo Diddley interpreta “When the Saints Go Marching In”, uma versão instrumental do tradicional tema gospel, adaptada ao seu característico senso rítmico. O encerramento fica por conta de “Bo's Beat”, uma improvisação ainda mais longa, com aproximadamente quatorze minutos, que permite explorar a interação entre os guitarristas e a seção rítmica. O disco foi produzido no ambiente profissional da Chess, sob a direção dos irmãos Leonard e Phil Chess, e também apareceu em edição estéreo. Em vez de procurar sucessos radiofônicos imediatos, a proposta era registrar o diálogo entre dois instrumentistas com estilos distintos, deixando espaço para variações, repetições, solos e mudanças de intensidade. Por essa razão, o álbum se aproxima tanto de uma sessão de blues quanto de um experimento de rock instrumental, antecipando o interesse que surgiria posteriormente por improvisações mais longas na música popular. 

A importância de Two Great Guitars está sobretudo no registro do encontro entre duas personalidades essenciais para a história da guitarra elétrica. Embora não seja normalmente considerado um dos álbuns mais acessíveis de Chuck Berry, o disco interessa especialmente aos admiradores do blues de Chicago, do rock instrumental e da evolução da improvisação na música popular. A longa duração de “Chuck's Beat” e “Bo's Beat” permite ouvir os músicos desenvolverem ideias sem a estrutura rígida de versos e refrões que caracterizava grande parte dos sucessos da época. A obra também documenta um momento de retomada para Berry, que voltaria a conquistar destaque comercial naquele mesmo ano com St. Louis to Liverpool, álbum que inclui clássicos como “No Particular Place to Go” e “You Never Can Tell”. Para Bo Diddley, a parceria reforçava sua posição como um dos grandes inovadores rítmicos do rock, cuja influência alcançaria gerações de guitarristas e bandas. Nas décadas seguintes, Two Great Guitars seria relançado em CD com faixas adicionais, ampliando o interesse dos colecionadores e permitindo conhecer outras gravações relacionadas às sessões. Seu valor histórico reside, portanto, na oportunidade de ouvir dois pioneiros em um ambiente mais livre e espontâneo, celebrando a força da guitarra elétrica e a herança musical que ambos ajudaram a construir. 

Chuck Berry & Bo Diddley – Two Great Guitars (1964)

Lista de faixas: edição original norte-americana, Checker Records:

Lado A

1. Liverpool Drive — Chuck Berry

2. Chuck's Beat — Chuck Berry e Bo Diddley

Lado B

3. When the Saints Go Marching In — Bo Diddley

4. Bo's Beat — Bo Diddley e Chuck Berry

Erick Steve. 

Chuck Berry - New Juke Box Hits

Chuck Berry - New Juke Box Hits (1961)

Lançado em março de 1961 pela gravadora Chess Records, New Juke Box Hits é o quinto álbum de estúdio de Chuck Berry e um registro importante de uma fase turbulenta de sua trajetória. No início dos anos 1960, Berry já era reconhecido como um dos principais arquitetos do rock and roll, responsável por canções que ajudaram a definir a linguagem musical e a atitude de toda uma geração. Entretanto, sua carreira começava a enfrentar dificuldades em meio a problemas judiciais que prejudicariam sua imagem pública e culminariam em sua prisão em 1962. O álbum surgiu nesse contexto, reunindo doze faixas que combinam composições próprias com releituras de músicas de outros artistas. Entre as criações de Berry estão “I'm Talking About You”, “Diploma for Two”, “Thirteen Question Method” e “The Way It Was Before”, canções que preservam sua habilidade de construir narrativas diretas, melodias cativantes e ritmos contagiantes. Embora não tenha alcançado o impacto dos discos anteriores, o trabalho mantém os elementos fundamentais de seu estilo: guitarra incisiva, vocal expressivo, humor, balanço e a mistura de blues e rhythm and blues com a energia juvenil do rock. 

Um dos aspectos mais interessantes de New Juke Box Hits é a maneira como Chuck Berry dialoga com diferentes tradições da música popular norte-americana. “Route 66”, composição de Bobby Troup que se tornou conhecida na interpretação de Nat King Cole, recebe uma leitura enérgica, conduzida pelo fraseado característico da guitarra de Berry. “Sweet Sixteen”, associada a B. B. King, aproxima o álbum do blues elétrico, enquanto “Rip It Up”, sucesso de Little Richard, reforça a conexão com o rock and roll mais explosivo da época. “Don't You Lie to Me”, por sua vez, recupera uma composição ligada ao repertório do blues, mostrando que as raízes musicais de Berry permaneciam essenciais para sua produção. A faixa “I'm Talking About You” merece destaque especial: embora não tenha se transformado em um grande sucesso comercial na época, seria posteriormente gravada pelos Rolling Stones, demonstrando a influência duradoura de seu repertório sobre o rock britânico. A recepção crítica retrospectiva foi respeitosa, mas não unanimemente entusiasmada. William Ruhlmann, do AllMusic, considera o álbum uma boa coleção de rock and roll, embora inferior aos trabalhos anteriores de Berry, observando que os problemas pessoais e judiciais do músico coincidiram com uma fase menos inspirada em termos de composição e de resultados comerciais. 

Apesar de não figurar entre os álbuns mais celebrados de Chuck Berry, New Juke Box Hits conserva valor histórico por documentar uma transição delicada em sua carreira. Pouco depois de seu lançamento, os problemas judiciais do cantor se agravaram, e ele seria preso em 1962, passando um período afastado das gravações e dos palcos. O álbum também antecede um intervalo significativo até o lançamento de seu próximo disco de estúdio composto por novas canções, St. Louis to Liverpool, em 1964, que marcaria uma retomada importante de sua carreira. Com o passar dos anos, a obra de Berry seria reconhecida como uma das bases do rock moderno, influenciando artistas e bandas de diferentes gerações, dos Beatles e Rolling Stones a inúmeros guitarristas que adotaram seus riffs, solos e seu modo de contar histórias por meio da música. Nesse panorama, New Juke Box Hits talvez não tenha a concentração de clássicos encontrada em Berry Is on Top (1959), mas oferece uma combinação interessante de material original e interpretações que revelam as fontes musicais do artista. É um disco que merece ser ouvido não como o auge de sua produção, mas como um capítulo revelador da trajetória de um compositor fundamental, cuja criatividade e influência ultrapassaram amplamente os limites de seu próprio tempo. 

Chuck Berry – New Juke Box Hits (1961)

1. I'm Talking About You

2. Diploma for Two

3. Thirteen Question Method

4. Away from You

5. Don't You Lie to Me

6. The Way It Was Before

7. Little Star

8. Route 66

9. Sweet Sixteen

10. Run Around

11. Stop and Listen

12. Rip It Up

Erick Steve. 

Bill Haley and His Comets - Bill Haley's Chicks

Bill Haley and His Comets - Bill Haley's Chicks

Bill Haley's Chicks é um álbum de estúdio de Bill Haley & His Comets, lançado em 5 de janeiro de 1959 pela Decca Records. Produzido por Milt Gabler, o disco surgiu durante uma fase de transição para o rock and roll, quando os pioneiros do gênero procuravam manter sua popularidade diante de mudanças no gosto do público e da ascensão de novos artistas. O álbum foi concebido em torno de um tema bastante particular: todas as canções fazem referência a mulheres, seja por meio de nomes femininos, personagens ou histórias românticas. Essa proposta deu origem a uma coleção que mistura rock and roll, rhythm and blues, jazz tradicional e versões de standards populares. Entre as faixas mais importantes está “Skinny Minnie”, uma gravação energética que se tornou um dos sucessos do grupo em 1958 e ajudou a preparar o terreno para o lançamento do álbum. O repertório também inclui “Whoa Mabel!”, “Eloise”, “Mary, Mary Lou” e “B.B. Betty”, composições que mantêm o humor, o ritmo acelerado e a linguagem informal característicos de Bill Haley. Ao lado dessas músicas aparecem interpretações de clássicos como “Dinah”, “Sweet Sue, Just You”, “Charmaine” e “Marie”. Essa combinação de material original e canções conhecidas demonstra a intenção de Haley e de seu produtor de atualizar repertórios anteriores por meio da energia rítmica dos Comets. 

O principal destaque comercial do álbum foi “Skinny Minnie”, lançada como single em 1958 e responsável por manter Bill Haley & His Comets em evidência no mercado americano. A música alcançou a 22ª posição na parada de singles da Billboard e a 25ª na Cashbox, demonstrando que o grupo ainda conseguia produzir sucessos depois do auge de “Rock Around the Clock”, “Shake, Rattle and Roll” e “See You Later, Alligator”. Outra faixa relacionada a esse período foi “Lean Jean”, que também apareceu nas paradas, chegando à 52ª posição na Cashbox. O álbum, entretanto, não alcançou o mesmo impacto comercial dos grandes lançamentos anteriores da banda, e não há evidências de que tenha se tornado um sucesso expressivo nas paradas de álbuns. A crítica especializada da época dedicou menos atenção ao disco do que aos primeiros trabalhos revolucionários do grupo, mas sua proposta temática e a mistura de composições próprias com standards ajudam a compreender a estratégia musical de Milt Gabler. A formação reunida nas gravações incluía Bill Haley nos vocais e guitarra rítmica, Franny Beecher na guitarra solo, Billy Williamson na guitarra de aço, Johnny Grande no piano, Al Rex no baixo, Ralph Jones na bateria e Rudy Pompilli no saxofone. Essa equipe proporcionava à banda uma sonoridade reconhecível, com ritmo marcado, solos instrumentais e vocais descontraídos. Embora Bill Haley's Chicks não tenha redefinido o gênero, preservou a capacidade dos Comets de combinar o rock and roll com elementos de estilos anteriores da música popular americana. 

Atualmente, Bill Haley's Chicks é lembrado principalmente por representar uma etapa específica da discografia dos Comets, quando o rock and roll já havia conquistado o mercado, mas começava a se transformar rapidamente. O álbum permite observar como Bill Haley procurou ampliar seu repertório sem abandonar a fórmula que havia ajudado a popularizar o gênero: guitarras elétricas, saxofone, piano, contrabaixo e bateria trabalhando em conjunto com melodias simples e refrões memoráveis. “Skinny Minnie” continua sendo a faixa mais conhecida da coleção e uma das gravações importantes da fase final da banda na década de 1950. “B.B. Betty” também chama a atenção por apresentar Billy Williamson nos vocais principais, uma escolha pouco habitual que demonstra a participação dos outros integrantes na identidade musical do grupo. Já “Ida, Sweet as Apple Cider”, “Charmaine” e “Marie” revelam o interesse em reaproveitar canções de épocas anteriores, transformando-as em interpretações adequadas ao público jovem. O disco antecedeu Strictly Instrumental, lançado no final de 1959, e encerrou uma sequência de álbuns temáticos que incluía Rockin' the Oldies e Rockin' Around the World. Embora tenha ficado à sombra dos trabalhos mais famosos de Bill Haley, Bill Haley's Chicks conserva valor histórico para colecionadores e admiradores do rock clássico. É um retrato de uma banda experiente tentando acompanhar a evolução do mercado musical e, ao mesmo tempo, preservar o espírito irreverente que ajudou a transformar o rock and roll em um fenômeno internacional. 

Bill Haley and His Comets - Bill Haley's Chicks (1959)

1. Whoa Mabel!

2. Ida, Sweet as Apple Cider

3. Eloise

4. Dinah

5. Skinny Minnie

6. Mary, Mary Lou

7. Sweet Sue, Just You

8. B.B. Betty

9. Charmaine

10. Corrine, Corrina

11. Marie

12. Lean Jean 

    

Erick Steve. 

Bill Haley and His Comets - Strictly Instrumental

Bill Haley and His Comets - Strictly Instrumental 

Strictly Instrumental é um álbum de estúdio de Bill Haley & His Comets, lançado em 14 de dezembro de 1959 pela gravadora Decca Records. O disco ocupa uma posição curiosa na discografia do grupo: foi o último álbum de material inédito gravado pela banda para a Decca durante sua primeira fase de sucesso e apresentou uma proposta diferente daquela que havia consagrado Bill Haley como um dos pioneiros do rock and roll. Como o próprio título sugere, o repertório é essencialmente instrumental, privilegiando os arranjos da banda, a guitarra elétrica, o saxofone, o piano e a seção rítmica, em vez dos vocais característicos de Haley. As gravações foram realizadas em diferentes sessões entre junho de 1958 e setembro de 1959, em Nova York, e reunidas sob a produção de Milt Gabler, colaborador fundamental do cantor durante seus anos na gravadora. A formação dos Comets incluía músicos experientes como Franny Beecher na guitarra solo, Billy Williamson na guitarra havaiana, Johnny Grande no piano, Rudy Pompilli no saxofone tenor e Ralph Jones na bateria. Bill Haley também participou das gravações, embora sua presença instrumental nem sempre fosse evidente para os ouvintes. O resultado foi um álbum que combinava rock and roll, música instrumental popular e influências de ritmos internacionais, refletindo uma época em que o mercado fonográfico explorava diferentes caminhos para manter a popularidade dos artistas pioneiros do gênero. 

A recepção comercial do álbum esteve ligada principalmente ao sucesso de algumas faixas lançadas como singles. “Joey's Song”, composição de Joe Reisman, tornou-se o maior destaque do repertório, alcançando a 46ª posição na parada da Billboard e a 35ª colocação na Cashbox, além de chegar ao primeiro lugar na Austrália durante oito semanas, entre dezembro de 1959 e janeiro de 1960. A música demonstrou que Bill Haley & His Comets ainda conseguiam conquistar o público mesmo sem depender dos vocais de seu líder. Outro destaque foi “Skokiaan”, instrumental baseado em uma composição de August Musarurwa, músico do Zimbábue, que havia ganhado popularidade internacional na década de 1950. A gravação dos Comets ajudou a levar esse tema a um público ainda maior na América do Norte. O álbum também trouxe versões instrumentais de canções conhecidas, como “Mack the Knife” e “Music! Music! Music!”, além de composições originais dos integrantes, entre elas “Two Shadows”, “Shaky” e “The Catwalk”. Apesar desses resultados, o cenário musical estava mudando rapidamente: o rock and roll dos primeiros anos da década enfrentava novas tendências, e o mercado começava a privilegiar outros artistas e estilos. O produtor Milt Gabler considerava que a sonoridade instrumental do disco poderia atrair ouvintes mais velhos, interessados em música de entretenimento orquestral. Assim, Strictly Instrumental representou também uma tentativa de adaptar a banda a um mercado em transformação, embora não tenha recuperado o impacto dos grandes sucessos de meados da década. 

Com o passar do tempo, Strictly Instrumental passou a ser reconhecido como um registro peculiar, mas significativo, da fase final de Bill Haley & His Comets na Decca. Sua importância histórica reside, em parte, no fato de documentar uma banda que procurava explorar a versatilidade de seus músicos para além do formato tradicional de canções de rock and roll com vocais. A guitarra de Franny Beecher, o saxofone de Rudy Pompilli e o piano de Johnny Grande assumem maior protagonismo, revelando a qualidade instrumental dos Comets. “Joey's Song” continua sendo a faixa mais associada ao álbum por seu desempenho comercial, enquanto “Shaky” e “The Catwalk” oferecem exemplos das composições criadas pelos próprios integrantes. Embora o disco seja predominantemente instrumental, “Chiquita Linda (Un Poquito de tu Amor)” apresenta breves vocais coletivos, uma pequena exceção à proposta sugerida pelo título. O álbum foi o último lançamento de material novo dos Comets pela Decca antes da mudança para a Warner Bros. Records, em 1960, encerrando uma etapa importante da parceria entre Haley e Gabler. A crítica retrospectiva tem opiniões variadas sobre o resultado: alguns ouvintes valorizam a leveza e a competência instrumental das gravações, enquanto outros consideram que o conjunto não possui a energia revolucionária dos clássicos anteriores da banda. Ainda assim, Strictly Instrumental oferece uma perspectiva interessante sobre a evolução do grupo no final dos anos 1950 e sobre as tentativas de Bill Haley de permanecer relevante depois da primeira grande explosão do rock and roll. 

Bill Haley & His Comets - Strictly Instrumental (1959)

1. Joey's Song

2. (Put Another Nickel In) Music! Music! Music!

3. Mack the Knife

4. In a Little Spanish Town

5. Two Shadows

6. Shaky

7. Strictly Instrumental

8. Skokiaan

9. Puerto Rican Peddler

10. Drowsy Waters

11. Chiquita Linda (Un Poquito de tu Amor)

12. The Catwalk 

  

Erick Steve.