Tina Turner - Private Dancer

Tina Turner - Private Dancer

O grande álbum que marcou o retorno triunfal de Tina Turner na década de 1980 foi Private Dancer, lançado em 29 de maio de 1984 pela Capitol Records. Após um período difícil na carreira, especialmente depois do fim de sua parceria com Ike Turner, Tina ressurgiu com um trabalho que redefiniu completamente sua imagem artística e a posicionou como uma estrela solo de alcance global. Produzido por nomes como Rupert Hine e Martyn Ware, o álbum mistura pop, rock e soul com uma sonoridade moderna para a época, alinhada ao espírito dos anos 80. O disco traz uma série de faixas marcantes, incluindo What's Love Got to Do with It, que se tornaria seu maior sucesso, além de Better Be Good to Me, Private Dancer e Let's Stay Together, um cover que ajudou a impulsionar seu retorno nas paradas. A performance vocal poderosa e emocional de Tina foi um dos elementos mais elogiados, evidenciando sua maturidade artística e força interpretativa.

A recepção crítica ao álbum foi extremamente positiva, com veículos como a Rolling Stone destacando a impressionante reinvenção de Tina Turner e sua capacidade de dominar diferentes estilos musicais. O The New York Times também ressaltou o impacto de sua volta, enfatizando o carisma e a autenticidade que ela trouxe ao cenário pop dominado por artistas mais jovens. Comercialmente, Private Dancer foi um fenômeno global, vendendo mais de 20 milhões de cópias e conquistando vários prêmios, incluindo Grammys importantes. O álbum não apenas revitalizou sua carreira, mas a elevou a um novo patamar de sucesso, transformando-a em um dos maiores ícones da música mundial. Seu legado permanece até hoje como um dos maiores exemplos de “comeback” da história da música, influenciando artistas e reafirmando a força da reinvenção artística. É um disco que transcende sua época e continua sendo celebrado tanto por sua qualidade musical quanto pela história inspiradora que representa.

Tina Turner – Private Dancer (1984)

I Might Have Been Queen

What's Love Got to Do with It

Show Some Respect

I Can't Stand the Rain

Private Dancer

Let's Stay Together

Better Be Good to Me

Steel Claw

Help!

1984

Erick Steve. 

Cyndi Lauper - So Unusual

Cyndi Lauper - So Unusual

O primeiro álbum da cantora norte-americana Cyndi Lauper foi lançado em 14 de outubro de 1983 e recebeu o título de She's So Unusual. Produzido por Rick Chertoff e lançado pela gravadora Epic Records, o disco apresentou ao grande público uma artista de personalidade excêntrica, voz marcante e um estilo visual vibrante que ajudaria a definir parte da estética pop dos anos 1980. O álbum mistura pop, new wave e elementos de rock, refletindo a diversidade musical da época. Entre os músicos participantes estão nomes como Rob Hyman e Eric Bazilian. O disco ganhou enorme destaque com singles como Girls Just Want to Have Fun, que rapidamente se tornou um hino pop e feminista, além de Time After Time, uma balada que mostrou a capacidade interpretativa da cantora. Outras faixas importantes incluem She Bop e All Through the Night. A combinação entre letras acessíveis, produção radiofônica e a presença carismática de Lauper fez do disco um marco imediato na música pop.

A recepção crítica ao álbum foi amplamente positiva. Publicações importantes como a Rolling Stone elogiaram o frescor e a personalidade da cantora, destacando seu talento vocal e sua habilidade em transformar músicas pop em performances cheias de identidade. O The New York Times também comentou sobre a energia e originalidade do trabalho, apontando Lauper como uma nova voz importante no cenário pop dominado pela MTV. Comercialmente, o álbum foi um enorme sucesso, alcançando altas posições nas paradas e vendendo milhões de cópias em todo o mundo. Ele também fez história ao gerar quatro singles que chegaram ao Top 5 da Billboard, algo raro para um álbum de estreia feminino na época. Ao longo das décadas, She’s So Unusual passou a ser visto como um dos discos mais emblemáticos dos anos 1980, influenciando gerações de artistas pop e consolidando Cyndi Lauper como uma das vozes mais originais daquela década. Hoje o álbum continua sendo celebrado por sua energia, diversidade musical e impacto cultural duradouro.

Cyndi Lauper – She's So Unusual (1983)

Money Changes Everything

Girls Just Want to Have Fun

When You Were Mine

Time After Time

She Bop

All Through the Night

Witness

I'll Kiss You

He's So Unusual

Yeah Yeah

Erick Steve. 

A-ha - Stay On These Roads

Muita gente acredita que o A-ha foi apenas uma banda norueguesa que fez muito sucesso na década de 1980 com suas canções de refrões pegajosos e depois disso sumiu do mapa sem deixar vestígios. Nada mais longe da realidade. Na verdade o A-ha é um dos grupos europeus mais interessantes que já surgiram no mundo da música. Embora realmente tenham tido uma fase de sucesso FM, o fato é que eles seguiram em frente após isso e gravaram trabalhos excelentes, acima da média mesmo. Muitos desses álbuns não fizeram grande sucesso entre o público brasileiro mas devem ser redescobertos, como por exemplo, o excepcional "Memorial Beach", um grande fracasso de vendas cuja qualidade é inversamente proporcional ao seu fraco sucesso comercial.

Considerado por muitos o melhor disco do grupo ele demonstra que mesmo não alcançando mais o topo das paradas o A-ha conseguiu manter um bom nível de qualidade em seus discos. "Stay On These Roads", por outro lado, faz parte da fase de maior sucesso do grupo. Lançado em 1987 o disco emplacou nas rádios e paradas com várias de suas canções, que viraram hits como "You Are the One", "Touchy!", "The Blood That Moves the Body", "The Living Daylights" e a própria faixa título do disco, a baladona "Stay on These Roads". Esse foi o terceiro disco do A-ha na gravadora Warner e contou com todo o apoio da gravadora multinacional que não mediu esforços para continuar divulgando o grupo, inclusive escalando a banda para compor e cantar o tema do novo filme de James Bond, "Marcado Para Morrer". A faixa "The Living Daylights" é inclusive considerada até hoje um dos melhores temas do agente inglês no cinema. Composta em quatro mãos por Paul Waaktaar-Savoy e John Barry, não fez feio nem nas paradas e nem na avaliação dos principais críticos de música na época de seu lançamento. Um grande êxito.

Para promover o disco o A-ha caiu na estrada e realizou mais de 80 concertos mundo afora. Uma turnê exaustiva e muito produtiva em termos de divulgação. Para os fãs brasileiros essa turnê marcou época pois o grupo a encerrou justamente no Brasil ao realizar cinco shows em São Paulo e no Rio de Janeiro. A presença dos noruegueses por aqui inflamou as vendas do conjunto que foi premiado pela Warner Brasil com um Disco de Platina pelas vendas excepcionais. Como se não bastasse a filial brasileira da Warner até mesmo inventou uma coletânea chamada "A-ha In Brazil" que também fez bonito nas lojas, vendendo milhares de cópias. Infelizmente "Stay On These Roads" marcaria o fim da fase de maior sucesso da carreira do A-ha. Depois da enorme turnê eles resolveram dar um tempo. Cada um foi para seu lado produzir trabalhos próprios e o A-ha como grupo só voltaria ao mercado dois anos depois com o álbum "East of the Sun, West of the Moon" que ficou famoso por causa do hit "Crying in the Rain", uma regravação de um antigo sucesso da dupla The Everly Brothers. Não faz mal. "Stay On These Roads" está aí como um disco acima da média com nada mais, nada menos, do que cinco grandes sucessos em um álbum com apenas 10 faixas - um resultado excepcional em termos de popularidade. Se você gosta do A-ha ou da sonoridade da década de 80 então “Stay On These Roads” é simplesmente indispensável em sua coleção.

A-ha - Stay On These Roads (1987)
Stay on These Roads
The Blood That Moves the Body
Touchy!
This Alone Is Love
Hurry Home
The Living Daylights
There's Never a Forever Thing
Out of Blue Comes Green   
You Are the One
You'll End up Crying

Pablo Aluísio.

Madonna - True Blue

Madonna - True Blue

Não faz muito tempo vi uma entrevista da Madonna falando mal de seus primeiros discos, definindo eles como algo "pré-histórico", primitivo e que atualmente ela se sentia muito mais confiante em seu trabalho. Não seja tão pretensiosa querida Madonna. Em relação ao seu trabalho eu gosto de compará-lo com os primeiros discos dos Beach Boys. Quando eram despretensiosos (e tinha um ar de adolescentes assumidos) eram muito mais divertidos. Depois que passou a se considerar uma espécie de "Mozart de saias" ficou chata até dizer chega. O pop só sobrevive se for bem descartável mesmo, tipo um chiclete que você compra na esquina. Nos tempos de "True Blue" Madonna era bem isso - provavelmente por isso fez tanto sucesso na época! "Papa Don't Preach" que abre o disco tinha justamente esse sabor de "desabafo adolescente". A letra é uma afirmação de independência de uma adolescente ao seu pai. Nada mais adequado já que a público da Madonna nos anos 80 era formado por garotas de 16 anos. Nada de muito anormal. O problema é que nem todas as garotinhas que resolveram fugir com seus namorados para terem suas próprias famílias se deram tão bem na vida. De qualquer forma essa é uma canção pop teen. O ritmo é muito bom e nostálgico. Bons tempos - você pensará!

Desse disco a minha canção preferida é a que dá título ao álbum. "True Blue" parece uma melodia saída de algum compacto de Buddy Holly. Uma delícia. O clipe serviu para que Madonna adotasse um visual a la Marilyn Monroe, algo que sempre achei muito adequado. Ambas inclusive tinham mais em comum do que muitos pensavam. Também sempre considerei a imagem de Madonna dançando como uma pin-up dos anos 50 um verdadeiro ícone da música e do nascimento dos videoclips. A letra é bobinha, para não fundir a cabecinha das fãs, mas tudo bem. Esse é um daqueles pops que ficaram para sempre na cabeça de quem viveu os anos 80. O disco também é cheio de bobagens que não sobreviveram ao tempo. "White Head" é um desses momentos absurdamente datados. Cheio de sintetizadores, com uma parte falada - como se um filme estivesse sendo exibido ao fundo - a canção é um exemplo de como o tempo arrasa certas canções quando elas adotam instrumentos e efeitos sonoros que com o tempo ficam completamente ultrapassados e fora de moda. "Love Makes the World Go Round" também ficou velha, mas seu ritmo latino a salvou da mediocridade total. Vale pelo refrão bem alto astral. Madonna, que nunca foi boba, sabia como levantar uma pista de dança.

Madonna - True Blue (1986)
Papa Don't Preach / Open Your Heart / White Heat / Live to Tell / Where's the Party / True Blue / La Isla Bonita / Jimmy Jimmy / Love Makes the World Go Round.

Pablo Aluísio.

Michael Jackson - Bad

Michael Jackson - Bad 

Esse álbum realmente tinha uma tarefa impossível de cumprir, a de superar o sucesso e as vendas do disco anterior de Michael Jackson, "Thriller", até hoje o LP mais vendido de todos os tempos. Claro que jamais iria alcançar aquele tipo de êxito comercial mas a indústria fonográfica tinha esperanças que aquilo ainda era possível de se repetir. No final das contas não deu. Na verdade "Bad" vendeu pouco mais da metade das cópias de "Thriller". Além disso não conseguiu a façanha de transformar praticamente todas as suas faixas em hits, como havia acontecido no disco anterior. Mesmo assim vendeu horrores, ganhando 20 discos de platina por suas vendas. Também consolidou Michael Jackson como o maior astro da música de seu tempo.

Infelizmente aspectos bizarros de sua vida pessoal começaram também a pipocar nos jornais por essa época, isso foi ruim pois ofuscou o lado artístico de Jackson, dando margem ao aspecto mais sensacionalista de sua vida. Revisando "Bad" nos dias de hoje chegamos na conclusão que a boa sonoridade ainda resiste, embora algumas faixas tenham perdido relevância com o tempo justamente por terem se rendido em demasia aos padrões meramente comerciais dos anos 80. / Estúdio Selo: CBS / Produção: Michael Jackson, Quincy Jones / Formato Original: Vinil  / Músicos: Michael Jackson, Steve Wonder, Eric Gale, Maxi Anderson, David Williams entre outros.

Michael Jackson - Bad (1987)
Bad / The Way You Make Me Feel / Speed Demon / Liberian Girl / Just Good Friends / Another Part of Me / Man in the Mirror / I Just Can't Stop Loving You / Dirty Diana / Smooth Criminal / Leave Me Alone.   

Pablo Aluísio.

Ringo Starr - Sentimental Journey

Ringo Starr - Sentimental Journey - Certa vez uma jornalista perguntou a John Lennon se ele achava que Ringo era o melhor baterista do mundo! John pensou um pouco e disparou: "Ele não é nem o melhor baterista dos Beatles!". Todos riram. Penso que o único que não riu de verdade foi o próprio Ringo. Por anos e anos ele sempre foi subestimado. Era sempre visto como o baterista mais sortudo do mundo por fazer parte do grupo mais famoso da história do rock e nada mais. Isso porém não conseguiu abalar sua bem humorada personalidade. Hoje em dia o Ringo pode até parecer meio ranzinza e mal humorado (como quando pediu aos fãs dos Beatles que parassem de lhe enviar cartas pois a Beatlemania já havia acabado há mais de cinquenta anos), mas a verdade é que quando jovem ele realmente tinha um bom humor à toda prova, o que sempre lhe valeu a alcunha de ser o alívio cômico dentro do grupo (enquanto os outros tentavam se matar dentro do estúdio ele mantinha a calma, procurando manter um clima ao menos respirável dentro da banda). Quando isso não foi mais possível e os Beatles explodiram ele, como os demais, também partiu para uma carreira solo. "Sentimental Journey", lançado em março de 1970, foi sua primeira tentativa de seguir por esse caminho.

Um disco solo de Ringo Starr tinha que superar dois grandes problemas: O primeiro é que ele nunca foi um compositor consolidado enquanto fez parte dos Beatles. De fato Ringo nunca conseguiu se sobressair no meio de todos aqueles gênios. Ele sabia disso e para falar a verdade nunca tentou. Ao contrário de George Harrison, que com muito esforço conseguiu colocar a cabeça por um breve momento em um ponto pouco acima da genialidade de Lennon e McCartney, Ringo nunca se destacou. O segundo problema para Ringo era mais complicado: ele também nunca foi um bom cantor. Então como segurar as pontas em um disco todo cantado por alguém que nunca foi considerado um bom cantor? Ele certamente não iria passar todo o seu disco solo tocando bateria. Para piorar ele também não era arranjador e nem produtor. Para superar tantos problemas Ringo apelou para seus amigos. Assim Paul McCartney, Quincy Jones, Les Reed, George Martin e até Maurice Gibb (do Bee Gees) ajudaram o Ringão nesse projeto. As canções foram escolhidas pelo próprio Ringo e para não errar ele escolheu apenas a nata, como Cole Porter, Johnny Mercer e Les Brown. O resultado é bom, interessante, mas também nada brilhante. No fundo tudo não passa de um esforço honesto por parte de Ringo em sobreviver musicalmente.

Ringo Starr - Sentimental Journey (1970)
1. Sentimental Journey
2. Night and Day
3. Whispering Grass (Don't Tell the Trees)
4. Bye Bye Blackbird
5. I'm a Fool to Care
6. Stardust
7. Blue, Turning Grey Over You
8. Love Is a Many Splendoured Thing
9. Dream
10. You Always Hurt the One You Love
11. Have I Told You Lately That I Love You?
12. Let the Rest of the World Go By

Pablo Aluísio.

Queen - News of the World

Recentemente a EMI Odeon lançou uma edição comemorativa dos 40 anos do lançamento original do álbum clássico do Queen "News of the World". Dentro de um box muito caprichado o fã da banda inglesa encontra o disco de vinil que foi lançado na época, um álbum especial com muitas fotos e informações, posters, letras, pequenos brindes e os CDs, trazendo as músicas oficiais e vários takes alternativos. Um lançamento para fã nenhum colocar defeito. Um produto de resgate histórico realmente primoroso. Esse álbum pode ser considerado o primeiro disco realmente popular do grupo. Antes dele o Queen obviamente já era bem conhecido pelos fãs de rock, mas foi esse "News of the World" que o efetivamente colocou na seleta lista das maiores bandas de rock do mundo. O sucesso do disco inclusive fez com que o Queen fosse para os Estados Unidos para sua primeira grande turnê internacional.

E como convém a um disco com tantos títulos importantes a ostentar, esse também não poderia abrir sem um grande clássico do Queen. É a tal coisa, se você nunca ouviu "We Will Rock You" em sua vida provavelmente você não viveu no Planeta Terra nesses últimos quarenta anos. Até hoje a canção é onipresente, seja em estádios de futebol (na Inglaterra ela é ouvida em praticamente toda partida) até em peças publicitárias. Provavelmente seja uma das cinco músicas mais conhecidas da discografia do Queen. Impossível não reconhecer nos primeiros acordes. O que mais me causa admiração nessa faixa composta por Brian May é que ela inverte a ordem natural das coisas em uma música. Geralmente as músicas possuem uma introdução, duas ou três partes e o refrão, que é usado para grudar na mente do ouvinte. Com "We Will Rock You" isso não acontece. A música é praticamente um refrão que se repete e repete até o fim. Bom, funcionou e virou um clássico absoluto. Então provou que seu autor estava mais do que certo.

"We Are The Champions" é o outro grande sucesso desse álbum. Uma composição muito inspirada de Freddie Mercury, que diga-se de passagem sempre foi muito subestimado como compositor. Muitos louvam sua excelente performance de palco, suas apresentações memoráveis e também sua ótima capacidade vocal, já que é consenso em todos que ele foi um grande cantor. Porém quando se trata do Mercury escritor de boas músicas, isso é meio deixado de lado. Bom, qualquer um que escrevesse um hino como essa faixa seria plenamente reconhecido. Com Mercury nem sempre isso aconteceu. A música virou outro clássico esportivo, vamos colocar nesses termos. Sempre quando há premiações (principalmente no futebol europeu) o sistema de som dos grandes estádios não perdem a oportunidade de tocar esse grande sucesso do Queen. A música aliás se tornou muito maior do que o próprio disco que a lançou. A denominação hino é muito mais adequada para ela. Não é apenas um sucesso, mas sim um hino moderno, sempre relembrado e tocado em inúmeras ocasiões Absolutamente inesquecível.

Depois de duas faixas tão fortes e marcantes, o disco cai um pouco com "Sheer Heart Attack". Essa é uma composição de Roger Taylor. Apesar do ritmo acelerado e das boas guitarras ao fundo marcando toda a faixa, a música tem uma letra muito fraca e ruinzinha. Nem os arranjos salvam a canção de um incômodo sentimento de que tudo ficou datado e em certos aspectos quase ridículo. A parte vocal também não ajuda muito. Assim não tenho outra opinião. Essa é realmente a primeira canção fraca do disco.

Pablo Aluísio.

Rod Stewart - An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down

Rod Stewart - An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down - O primeiro álbum solo de Rod Stewart, An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down, foi lançado em novembro de 1969 no Reino Unido (nos EUA saiu como The Rod Stewart Album). O disco surge num momento em que Stewart dividia atenções com o Jeff Beck Group e, pouco depois, com o Faces, mas já deixava claro que sua identidade artística era singular. Misturando folk, blues, rock e uma sensibilidade quase boêmia, o álbum apresenta um artista ainda cru, porém extremamente carismático, apoiado em sua voz rouca e emotiva, que se tornaria sua marca registrada.

Musicalmente, o trabalho equilibra composições próprias e releituras, com arranjos que valorizam instrumentos acústicos, mandolim, guitarras elétricas discretas e climas introspectivos. A atmosfera é intimista, às vezes melancólica, refletindo influências do folk britânico e do rock americano de raiz. A interpretação de Stewart carrega vulnerabilidade e intensidade, revelando um cantor mais interessado na emoção do que na técnica formal. Embora não tenha sido um grande sucesso comercial imediato, o álbum foi bem recebido pela crítica e hoje é reconhecido como um início sólido de uma das carreiras mais duradouras do rock.

Rod Stewart - An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down (1969)

Street Fighting Man

Man of Constant Sorrow

Blind Prayer

Handbags and Gladrags

An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down

I Wouldn’t Ever Change a Thing

Cindy’s Lament

Dirty Old Town

Erick Steve. 

Eagles - Eagles (1972)

Eagles - Eagles (1972) 

O primeiro álbum do grupo Eagles, intitulado Eagles, foi lançado em junho de 1972 e marcou o início de uma das trajetórias mais bem-sucedidas da história do rock norte-americano. Produzido por Glyn Johns e lançado pelo selo Asylum Records, o disco apresenta a formação clássica inicial com Glenn Frey, Don Henley, Bernie Leadon e Randy Meisner. Desde o começo, a banda revelou uma sonoridade elegante que misturava country, folk e rock, ajudando a consolidar o chamado country rock californiano. O clima ensolarado e levemente melancólico das canções capturava perfeitamente o espírito da Costa Oeste no início da década de 1970.

Musicalmente, o álbum combina harmonias vocais refinadas com arranjos simples, mas extremamente eficazes. Canções como “Take It Easy” e “Witchy Woman” rapidamente se tornaram sucessos nas rádios, projetando o grupo nacionalmente. A escrita colaborativa entre Glenn Frey e Don Henley já demonstrava maturidade e forte senso melódico, enquanto Bernie Leadon acrescentava texturas com guitarra e influências do country tradicional. O disco alcançou boa posição nas paradas e estabeleceu as bases para a ascensão meteórica que culminaria em álbuns posteriores como Desperado e Hotel California. Mais do que um início promissor, Eagles é a fundação de um estilo que definiria o som do rock americano dos anos 1970.

Eagles - Eagles (1972)

Take It Easy

Witchy Woman

Chug All Night

Most of Us Are Sad

Nightingale

Train Leaves Here This Morning

Take the Devil

Earlybird

Peaceful Easy Feeling

Tryin’

Erick Steve. 

Pink Floyd - A Saucerful of Secrets

Pink Floyd - A Saucerful of Secrets

O fundador e criador do grupo Syd Barrett usou tantas drogas que embarcou numa viagem sem retorno. Com sua saída os demais membros do Pink Floyd ficaram meio perdidos, sem saber para onde iriam. Esse foi o segundo álbum do Floyd e o primeiro sem Barrett, imerso em sua própria loucura. Uma das boas decisões que o novo líder do Floyd Roger Waters tomou foi trazer o guitarrista David Gilmour para as gravações do disco. Além de músico extremamente talentoso, um dos maiores guitarristas da história do rock, ele também ajudou muito na composição e arranjo de novas músicas para o disco. Era sem dúvida o músico certo naquele momento mais do que complicado do Pink Floyd. Afinal eles corriam o risco até mesmo de serem demitidos pela direção da gravadora EMI. 

O mais curioso é que o grupo pensou seriamente em se tornar uma banda especializada em temas incidentais para trilhas sonoras de filmes. Pois é, com a saída de Barrett eles ficaram inseguros sobre o futuro, achavam que o Pink Floyd estava com os dias contados. Uma saída para sobrevivência seria tocar e compor músicas para filmes. O destino porém iria levar eles para outra direção, bem mais promissora e de sucesso. Em relação ao resultado final desse disco o considero bom. Não é uma obra-prima do grupo e tem seus deslizes, mas serviu para manter o Pink Floyd vivo, planejando um futuro. Eles ainda não tinham encontrado o caminho certo, mas já estavam indo em uma boa direção. 

Pink Floyd - A Saucerful of Secrets (1968)

Let There Be More Light

Remember a Day

Set the Controls for the Heart of the Sun

Corporal Clegg

A Saucerful of Secrets

See-Saw

Jugband Blues

Pablo Aluísio. 

George Harrison - Living in the Material World

George Harrison - Living in the Material World

Depois do fim dos Beatles, George lançou um ótimo álbum triplo chamado "All Things Must Pass". Sucesso de público e crítica, esse disco foi mesmo uma explosão de criatividade para ele, com muitas músicas que tinham sido compostas na época dos Beatles, mas que não tinham encontrado espaço na discografia do famoso grupo. Então quando os Beatles acabaram, George deu início em sua carreira solo. Esse foi o seu segundo disco. Curiosamente ele levaria três anos sem lançar algo de novo no mercado. Parecia exausto depois dos Beatles e do lançamento de seu primeiro álbum solo nessa nova fase. 

Esse "Living in the Material World" trazia muitas letras de natureza espiritualista. O próprio nome do disco, "Vivendo no Mundo Material" dava pistas sobre isso. George nunca perdeu seu fascínio pelas religiões orientais e sua filosofia. Por essa razão quando se viu livre do controle de Paul e John, ele passou a desenvolver melhor seu trabalho como letrista, trazendo aspirações e pensamentos bem pessoais. E talvez esse excesso de religiosidade também tenha atrapalhado as vendas desse segundo disco. As pessoas em geral não tinham mais muito interesse nesse tipo de material. Muitos achavam coisa de hippie velho! No final das contas esse repertório não fez sucesso. Até mesmo a música mais trabalhada pela gravadora,  "Give Me Love (Give Me Peace on Earth)", teve pouca repercussão nas rádios. Assim George acabou experimentando o primeiro disco mal sucedido em vendas de sua carreira. 

George Harrison - Living in the Material World (1973)

Give Me Love (Give Me Peace on Earth)

Sue Me, Sue You Blues

The Light That Has Lighted the World

Don't Let Me Wait Too Long

Who Can See It

Living in the Material World

The Lord Loves the One (That Loves the Lord)

Be Here Now

Try Some, Buy Some"

The Day the World Gets 'Round

That Is All

Pablo Aluísio. 

George Harrison - Discografia Solo

George Harrison - Discografia Solo

Wonderwall Music (1968) 

Electronic Sound (1969) 

All Things Must Pass (1970)

Living in the Material World (1973)

Dark Horse (1974) 

Extra Texture (Read All About It) (1975) 

Thirty Three & 1/3 (1976) 

George Harrison (1979) 

Somewhere in England (1981)

Gone Troppo (1982)

Cloud Nine (1987) 

Brainwashed (2002) 

Álbuns ao vivo:

The Concert for Bangladesh (1971)

Coletâneas: 

The Best of George Harrison (1976)

Best of Dark Horse 1976–1989 (1989)

Let It Roll: Songs by George Harrison (2009)

Early Takes: Volume 1 (2012)

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

Creedence Clearwater Revival (1968)

Creedence Clearwater Revival (1968)

O primeiro álbum do Creedence Clearwater Revival, intitulado Creedence Clearwater Revival, foi lançado em maio de 1968 e marca a introdução oficial de uma das bandas mais importantes do rock norte-americano do final dos anos 1960. Liderado por John Fogerty, o grupo apresenta desde o início uma identidade sonora muito definida, combinando rock and roll, blues, country e swamp rock em uma mistura crua, direta e profundamente enraizada na tradição musical dos Estados Unidos. Diferente de muitas bandas psicodélicas da época, o Creedence opta por uma abordagem mais simples e terrena, com arranjos enxutos, riffs marcantes e forte presença rítmica. A voz áspera e expressiva de Fogerty já surge como elemento central, dando às canções um caráter intenso e autêntico que rapidamente chamaria a atenção do público.

Embora ainda apresente forte influência de releituras e versões, o álbum já demonstra o talento composicional que definiria o sucesso posterior da banda. A sonoridade compacta, guiada pela guitarra de Fogerty, pelo baixo sólido de Stu Cook, pela bateria firme de Doug Clifford e pela participação de Tom Fogerty na guitarra rítmica, cria um conjunto coeso e energético. O disco não foi um grande sucesso imediato, mas estabeleceu as bases para a sequência impressionante de álbuns lançados pelo grupo entre 1969 e 1970. Com sua atmosfera sombria, pulsante e profundamente americana, Creedence Clearwater Revival funciona como ponto de partida para uma das trajetórias mais consistentes do rock clássico.

Creedence Clearwater Revival (1968):

I Put a Spell on You

The Working Man

Suzie Q

Ninety-Nine and a Half (Won’t Do)

Get Down Woman

Porterville

Gloomy

Walk on the Water

Erick Steve. 

Paul McCartney - Ram

Paul McCartney - Ram 

Enquanto Paul brigava na justiça contra seus ex-colegas de banda, o selo Apple colocou no mercado o novo trabalho de McCartney. O título era bem diferente e a capa idem, com Paul segurando os chifres de um de seus carneiros na sua fazenda na Escócia. A razão de ser era que Paul havia composto a grande maioria das canções enquanto tirava férias nessa propriedade rural. Então para preservar o clima em que elas foram criadas ele resolveu trazer todo o conceito para dar nome ao álbum. Por essa época Paul já tinha o projeto de formar uma nova banda mas ainda não tinha decidido como isso seria feito, assim resolveu creditar o disco como sendo de Paul e Linda McCartney.

Embora as músicas tenham sido criadas no meio rural, bem no meio do campo, Paul resolve dar uma caprichada dessa vez em termos de estúdio. Resolveu que iria gravar tudo em Nova Iorque nos estúdios da Columbia, que naquela época oferecia o que havia de melhor em termos tecnológicos. A presença de Paul em Nova Iorque aliás parece ter incomodado John que passou a soltar farpas pela imprensa contra o ex amigo dos Beatles. Embora ainda não tivesse conseguido o tão cobiçado green card que lhe dava direito de viver e trabalhar nos Estados Unidos, Lennon considerava já naquela época a cidade como seu lar definitivo. De repente ter Paul McCartney rondando por lá parece ter incomodado bastante John.

Como os processos ainda estavam todos pendentes John começou a soltar indiretas em direção a McCartney nas letras de suas próprias canções. Paul ficou surpreso mas topou a provocação e também começou a mandar sutis ataques contra Lennon. A imprensa obviamente se esbaldou ao ver aqueles dois ídolos brigando publicamente e acirrou os ânimos em relação a eles. Apesar de ter levado na esportiva por um tempo Paul começou realmente a se incomodar e resolveu terminar as gravações de Ram, levando os tapes para Londres para que recebessem a mixagem final.

Ram chegou nas lojas em maio de 1971. Logo na primeira semana mostrou-se um verdadeiro sucesso de vendas mas a crítica torceu o nariz. Os americanos principalmente não conseguiram captar direito a mensagem de Paul e desmereceram seu disco como um todo, embora sobrassem elogios para uma ou outra faixa. Paul ficou meio decepcionado com a reação fria dos especialistas, o que talvez tenha aumentado sua vontade de formar um novo grupo que iria ser os Wings. De fato esse seria o último disco de Paul assinado apenas por ele mesmo por um longo período de tempo.

Também foi um dos raros em que resolveu gravar nos Estados Unidos já que preferia mesmo trabalhar em Londres. Paul também chegou na conclusão que produzir seus discos também não era uma boa ideia pois ele gostava de trocar opiniões sobre isso enquanto estava gravando. Assim começou a sentir a falta de George Martin, o maravilhoso produtor dos Beatles. Ele queria voltar a trabalhar com Martin mais cedo ou mais tarde. Em breve ele estaria com novo grupo musical no mercado e desejava que seus discos apresentassem uma sonoridade de primeira linha, tal como os álbuns maravilhosos que gravou com os Beatles. Os fãs não perdiam por esperar...

Vamos tecer alguns comentários sobre as músicas do álbum "Ram", começando pelo antigo Lado A do vinil (para matar as saudades dos nostálgicos em geral).

Too Many People (Paul McCartney) - Em entrevista John Lennon não perdoou Paul McCartney por essa música. Na visão de Lennon a letra da canção era uma provocação direta a ele! Será mesmo? Não penso que seja tão direta assim. Na canção Paul fala sobre pessoas que perdem a grande chance de suas vidas, a "quebrando em dois", ou em outras palavras, jogando fora aquele grande lance de sorte que acaba mudando a vida de uma pessoa (no caso John). Estaria mesmo Paul falando de John dizendo que ele jogara a grande chance de sua vida (os Beatles) fora? Vai da cabeça de cada um, Lennon se convenceu que sim mas Paul sempre negou qualquer ligação entre a letra, John e o fim dos Beatles. Para ele é apenas uma boa canção e nada mais.

3 Legs (Paul McCartney) - Se a música anterior dava tanta margem para interpretações diversas o que dizer de uma canção chamada "3 Pernas"? A letra chega a ser bucólica, sob uma viés de humor negro. Paul cita seu cachorro que só tem três pernas, coitado! E de se perguntar onde entraria a querida cadela Martha no meio disso tudo! A sensação mesmo é de estar no meio da fazenda de Paul na Escócia, o que aliás é bem adequado já que ele mesmo sempre disse que essas canções foram escritas enquanto estava de férias em sua propriedade rural por lá.

Ram On (Paul McCartney) - No começo mais parece uma gravação informal, um take alternativo qualquer, mas depois Paul entra com um arranjo bem rústico mas simpático. A letra é mínima, poucos versos. Parece uma daquelas musiquinhas compostas para cantar com a família depois do almoço de domingão. Sim, divertida.

Dear Boy (Paul McCartney / Linda McCartney) - Outra canção que John Lennon levou para o lado pessoal. No caso o tal "Dear Boy" seria ele mesmo! Como? John achava que os versos "Eu acho que você nunca soube, meu caro, o que você encontrou" e "Eu espero que você nunca saiba o quanto você perdeu" eram recados diretos a ele. No caso Paul estaria dizendo a John que ele nunca conseguiu entender o quanto os Beatles significavam não apenas para eles, mas também para o mundo inteiro. Nem ele tinha consciência do que teria encontrado ao entrar nos Beatles e nem o que havia perdido ao sair do grupo. Essa letra, ao contrário da outra, faz mais sentido sob o ponto de vista de Lennon.

Uncle Albert / Admiral Halsey (Paul McCartney / Linda McCartney) - Essa faixa foi composta em "homenagem" a um tio de Paul chamado Albert. O próprio Paul relembrou ele em uma entrevista dizendo: "Tio Albert era um bom homem. Nas reuniões de família ele sempre ficava caindo de bêbado e então começava a citar trechos da bíblia - todos errados! Era muito divertido". Talvez por ser tão pessoal acabou caindo nas graças do público inglês e virou o maior sucesso do álbum na Inglaterra. No resto do mundo não teve maior repercussão, apesar de seu belo arranjo e melodia.

Smile Away (Paul McCartney) - Em minha opinião a primeira faixa realmente forte do disco, com ótimo arranjo de guitarras e uma vocalização que chega até mesmo a me lembrar do Beach Boys em seus bons tempos. Um rock de primeira, sem dúvida. A letra é até bem trabalhada para um autêntico momento rocker do disco como esse. Gosto bastante dos solos de guitarra, do vocal de Paul, de seu grupo de apoio e dos arranjos em geral. Uma beleza.

Heart of the Country (Paul McCartney) - Faixa que abria o lado B do antigo vinil. Esse lado, temos que admitir, não é tão bom quanto o lado A. Isso se deve a uma certa dificuldade por parte de Paul em arrumar melhor a estrutura do disco - algo comum em artistas que começam uma carreira solo como ele naquele momento de sua vida. Essa música tem uma melodia engraçadinha, bem bucólica, que aliás combina muito bem com o clipe, onde Paul e Linda passeiam a cavalo, namoram na praia e brincam com Martha, a famosa cadela de Paul. Não gosto muito, mas confesso que é um momento simpático (embora inofensivo) do disco.

Monkberry Moon Delight (Paul McCartney) - Paul, com vocalização visceral, tenta trazer algum interesse nessa música obscura que hoje em dia está completamente esquecida. Os arranjos circenses me lembram vagamente dos dias de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" mas claro que vai um abismo de diferença entre os dois trabalhos. O refrão se torna um pouco cansativo depois de alguns minutos (a canção é extensa, uma das mais longas do disco). Não está entre os grandes momentos do álbum.

Eat at Home (Paul McCartney) - Gosto bastante do arranjo forte dessa faixa. O dueto entre guitarras ao fundo é seu ponto de interesse. A melodia também não aborrece, pelo contrário, me soa como uma das mais agradáveis de todo o disco - principalmente pelo pegajoso refrão. Essa foi gravada em Nova Iorque e nela podemos sentir a diferença que faz uma boa produção em uma gravação. O solo de Paul também faz toda a diferença do mundo. Deu origem a um single que só foi lançado no mercado inglês em setembro de 1971. Provavelmente a melhor canção do Lado B.

Long Haired Lady (Paul McCartney) - Mais um canção que mostra Paul em busca de uma sonoridade própria, longe dos Beatles. Aqui ele destaca mais uma vez os backing vocais de Linda (algo que em excesso enche um pouco a paciência, tenho que admitir). A garota da letra inclusive é Linda, obviamente.

Ram On (Paul McCartney) - É praticamente a mesma musiquinha do Lado A, com arranjo levemente diferenciado, mas com o mesmo Paul mandando ver no ukelele. Sem maior interesse.

The Back Seat of My Car (Paul McCartney) - Paul encerra "Ram" com essa interessante canção, muito bem arranjada e produzida. Muitos não gostam, acham a faixa excessiva, com arroubos melódicos por parte dele, mas não vejo assim. Não é das minhas melodias preferidas do disco mas mantém um desenvolvimento que de certa forma me lembra de gravações que Paul faria anos depois, como por exemplo, do disco "London Town". Aqui Paul contou com a participação da filarmônica de Nova Iorque, mostrando que ele estava disposto a caprichar na faixa. "The Back Seat of My Car" inclusive foi lançada em um single promocional em agosto daquele ano. Fecha bem o disco que é marcado por apresentar realmente altos e baixos em sua seleção musical.

Ram - Paul McCartney (1971) - Paul McCartney (vocais, baixo, piano, teclados, guitarra e ukelele) / Linda McCartney (Backing vocais) / David Spinozza (guitarra) / Hugh McCracken (guitarra) / Denny Seiwell (bateria) / Heather McCartney (Backing vocais) / Marvin Stamm (flugelhorn) / New York Philharmonic / Produzido e arranjado por Paul McCartney / Data de gravação: janeiro de 1970 - janeiro, fevereiro e abril de 1971 / Data de Lançamento: maio de 1971 / Melhor posição nas charts: # 2 (Billboard EUA) e # 1 (Inglaterra).

Pablo Aluísio.

John Lennon - Plastic Ono Band

John Lennon - Plastic Ono Band

O álbum “John Lennon / Plastic Ono Band” foi lançado em 11 de dezembro de 1970, pela Apple Records, em um dos momentos mais delicados e transformadores da carreira de John Lennon. Gravado ao longo de 1970, logo após o fim oficial dos Beatles, o disco nasceu em um contexto profundamente pessoal, influenciado pela terapia do “primal scream” conduzida por Arthur Janov, da qual Lennon e Yoko Ono participaram intensamente. Diferente da grandiosidade e do refinamento sonoro associados aos Beatles, o álbum adotou uma abordagem crua, minimalista e emocionalmente exposta. As gravações contaram com um trio enxuto, formado por John Lennon, Klaus Voormann no baixo e Ringo Starr na bateria, reforçando o caráter direto e sem adornos das músicas. Esse disco marcou a verdadeira estreia artística solo de Lennon, não apenas como ex-Beatle, mas como um compositor disposto a expor suas dores, traumas e contradições. Sua importância na carreira do artista reside justamente nessa ruptura radical com o passado e na afirmação de uma nova identidade musical e pessoal.

A recepção da crítica foi majoritariamente entusiástica, embora marcada por surpresa e impacto. O The New York Times descreveu o álbum como “uma confissão brutal, desprovida de qualquer tentativa de agradar”, destacando a honestidade quase desconfortável das letras. Para o jornal, Lennon havia abandonado qualquer verniz pop em favor de uma expressão emocional direta. O Los Angeles Times elogiou a coragem artística do disco, afirmando que “Plastic Ono Band é um dos raros álbuns que soam necessários, não calculados”. A crítica ressaltou a força de faixas como Mother e Working Class Hero, vistas como declarações pessoais universais. Muitos críticos apontaram que o álbum exigia do ouvinte uma escuta atenta e emocionalmente envolvida. Ainda assim, reconheciam seu valor artístico imediato. A sensação geral era de que Lennon havia criado algo profundamente autêntico.

A revista Rolling Stone publicou uma das resenhas mais emblemáticas da época, afirmando que “John Lennon / Plastic Ono Band é o melhor álbum solo já feito por um ex-Beatle”. Já a Billboard destacou o contraste entre a simplicidade instrumental e o peso emocional das composições, chamando o disco de “um manifesto íntimo e corajoso”. O The New Yorker, embora mais contido, reconheceu que Lennon havia produzido “uma obra de vulnerabilidade rara na música popular contemporânea”. Algumas críticas iniciais apontaram o álbum como excessivamente sombrio ou difícil, mas mesmo essas análises reconheciam sua força artística. Com o passar do tempo, muitos desses textos passaram a ser revisitados como exemplos de crítica musical visionária. O consenso crítico, mesmo entre opiniões divergentes, era de que o álbum representava um ponto de inflexão na música popular. Plastic Ono Band não era apenas um disco, mas uma declaração existencial.

Comercialmente, o álbum teve um desempenho sólido, embora mais modesto do que os lançamentos dos Beatles. Nos Estados Unidos, alcançou a 6ª posição na Billboard 200, enquanto no Reino Unido chegou ao 8º lugar nas paradas oficiais. Estima-se que o disco tenha vendido milhões de cópias ao longo das décadas, impulsionado principalmente por seu reconhecimento crítico e legado histórico. Embora não tenha sido um sucesso massivo imediato, o público que se conectou com o álbum o fez de maneira profunda e duradoura. Muitos ouvintes se identificaram com a franqueza emocional de Lennon e com a ausência de artifícios comerciais. O álbum também teve forte impacto entre músicos e artistas da época, o que ajudou a ampliar sua influência. Ao longo dos anos, suas vendas continuaram constantes graças a reedições e redescobertas. Assim, o sucesso comercial do disco se consolidou no longo prazo.

O legado de “John Lennon / Plastic Ono Band” é hoje considerado monumental. Frequentemente listado entre os melhores álbuns de todos os tempos por publicações especializadas, o disco é visto como uma das obras mais honestas e emocionalmente intensas da história do rock. Fãs e críticos o reconhecem como um modelo de autenticidade artística, influenciando gerações de músicos que buscaram uma abordagem mais pessoal e direta em suas composições. O álbum redefiniu o conceito de música confessional no rock, abrindo caminho para artistas que explorariam temas íntimos sem medo da exposição. Sua produção minimalista continua sendo estudada como exemplo de como menos pode ser mais. Plastic Ono Band permanece relevante justamente por sua atemporalidade emocional. É um disco que continua a dialogar com novas gerações de ouvintes.

John Lennon – John Lennon / Plastic Ono Band (1970)

Mother

Hold On

I Found Out

Working Class Hero

Isolation

Remember

Love

Well Well Well

Look at Me

God

My Mummy’s Dead

Erick Steve. 

Elton John - Elton John (1970)

Elton John - Elton John (1970)

O primeiro álbum de estúdio de Elton John, intitulado simplesmente Elton John, foi lançado em abril de 1970 e marca o verdadeiro início de sua carreira como artista solo de relevância internacional. Embora exista um trabalho anterior (Empty Sky, de 1969), é este disco que estabelece de forma clara a identidade musical e estética de Elton John. Aqui, ele surge como um compositor maduro, sensível e sofisticado, apoiado de maneira decisiva nas letras de Bernie Taupin, seu parceiro criativo fundamental. O álbum apresenta um som que mistura piano rock, pop barroco, folk e elementos orquestrais, revelando um artista profundamente influenciado tanto pela tradição da música clássica quanto pelo rock e pelo soul contemporâneos. A interpretação vocal de Elton já demonstra intensidade emocional e grande alcance expressivo, enquanto os arranjos, frequentemente grandiosos, apontam para uma ambição artística pouco comum em discos de estreia.

Musicalmente, Elton John é um álbum introspectivo, elegante e melancólico, com canções que exploram temas como solidão, identidade, espiritualidade e conflitos emocionais. A presença marcante do piano conduz quase todas as faixas, criando uma assinatura sonora que se tornaria inseparável do nome do artista. Canções como “Your Song” — que se tornaria um de seus maiores clássicos — revelam a habilidade de unir simplicidade melódica a profundidade lírica, enquanto outras faixas mostram experimentações com estruturas longas e climas mais contemplativos. O disco foi bem recebido pela crítica e pelo público, especialmente nos Estados Unidos, e estabeleceu Elton John como uma das novas vozes mais promissoras da década de 1970. Mais do que um álbum de estreia bem-sucedido, Elton John é a fundação de uma carreira monumental, apresentando ao mundo um artista capaz de combinar sensibilidade pop, sofisticação musical e emoção genuína.

Elton John - Elton John (1970)

Your Song

I Need You to Turn To

Take Me to the Pilot

No Shoe Strings on Louise

First Episode at Hienton

Sixty Years On

Border Song

The Greatest Discovery

The Cage

The King Must Die

Pablo Aluísio.

The Who - My Generation

The Who - My Generation

O primeiro álbum do The Who, lançado no Reino Unido em dezembro de 1965 com o título My Generation, é uma das estreias mais explosivas e definidoras da história do rock britânico. Surgido no auge do movimento mod, o disco captura a inquietação, a agressividade e o sentimento de ruptura de uma juventude que já não se reconhecia nos valores tradicionais do pós-guerra. Pete Townshend apresenta uma abordagem inovadora de composição, baseada em acordes de força, letras diretas e uma postura confrontacional inédita para a época. Roger Daltrey assume um papel vocal dominante e cheio de atitude, enquanto John Entwistle redefine o baixo elétrico como instrumento protagonista, com linhas melódicas ousadas e volume agressivo. Keith Moon, por sua vez, rompe completamente com o papel tradicional do baterista, tocando de forma caótica, intensa e quase anárquica, o que se tornaria uma de suas marcas registradas. O álbum soa cru, urgente e barulhento, refletindo perfeitamente a energia dos palcos londrinos em meados dos anos 1960.

Musicalmente, My Generation mistura rhythm and blues, soul americano e rock and roll, mas tudo filtrado por uma estética mais dura e acelerada. Diferente de muitos de seus contemporâneos, o The Who não buscava suavidade ou refinamento; o objetivo era impacto. As canções abordam temas como frustração juvenil, alienação social, identidade e confronto entre gerações, com letras que soavam provocativas tanto para adultos quanto para a crítica musical. A faixa-título, com seu famoso verso “hope I die before I get old”, tornou-se um verdadeiro hino geracional, condensando em poucos minutos o espírito rebelde da época. O uso do feedback, da distorção e da dinâmica agressiva antecipa elementos que mais tarde seriam fundamentais para o hard rock e o punk. Ainda que o álbum traga várias releituras de músicas de R&B, o tratamento dado pelo grupo é tão radical que essas versões soam quase como composições originais.

O impacto de My Generation foi profundo e duradouro, tanto cultural quanto musicalmente. O disco consolidou o The Who como uma das bandas mais perigosas e inovadoras do Reino Unido, conhecidos não apenas por sua música, mas também por performances destrutivas, nas quais instrumentos eram quebrados no palco como forma de expressão artística. Embora inicialmente tenha dividido opiniões da crítica, o álbum rapidamente se tornou uma referência essencial do rock dos anos 1960. Ele abriu caminho para a evolução conceitual que o grupo desenvolveria em trabalhos posteriores, como Tommy e Quadrophenia, mas já deixava claro que o The Who era uma banda disposta a desafiar limites. Mais do que um simples álbum de estreia, My Generation é um documento sonoro de rebeldia, urgência e transformação, representando o nascimento de uma nova linguagem dentro do rock.

The Who - My Generation (1965)

Out in the Street

I Don’t Mind

The Good’s Gone

La-La-La Lies

Much Too Much

My Generation

The Kids Are Alright

Please, Please, Please

It’s Not True

I’m a Man

A Legal Matter

The Ox

Erick Steve. 

Bob Dylan - The Times They Are a-Changin’

O terceiro álbum de estúdio de Bob Dylan, intitulado The Times They Are a-Changin’, foi lançado em janeiro de 1964 e marca o ponto mais explícito de engajamento político e social em sua fase folk. Diferente do lirismo mais pessoal de The Freewheelin’ Bob Dylan, este disco adota um tom mais austero, direto e coletivo, refletindo as tensões sociais dos Estados Unidos no início da década de 1960. Com arranjos extremamente simples — basicamente voz, violão e, ocasionalmente, gaita — Dylan coloca o foco absoluto nas palavras, transformando suas canções em verdadeiros manifestos. O álbum dialoga diretamente com temas como desigualdade, racismo, injustiça social, guerras e mudanças geracionais, assumindo de vez o papel de cronista de seu tempo.

Musicalmente contido, The Times They Are a-Changin’ é poderoso justamente por sua sobriedade. Dylan abandona qualquer traço de leveza ou humor presente em trabalhos anteriores e apresenta composições densas, muitas vezes sombrias, inspiradas tanto na tradição do folk protesto quanto em baladas narrativas antigas. Canções como a faixa-título, “Only a Pawn in Their Game” e “The Lonesome Death of Hattie Carroll” evidenciam sua habilidade de transformar fatos históricos e questões sociais em poesia cantada, sem perder impacto emocional. Embora menos acessível ao grande público do que seus discos anteriores, o álbum consolidou Bob Dylan como uma voz central do movimento folk e como um dos principais compositores de sua geração.

Bob Dylan - The Times They Are a-Changin’ (1964)

The Times They Are a-Changin’

Ballad of Hollis Brown

With God on Our Side

One Too Many Mornings

North Country Blues

Only a Pawn in Their Game

Boots of Spanish Leather

When the Ship Comes In

The Lonesome Death of Hattie Carroll

Restless Farewell

Erick Steve. 

Led Zeppelin - Led Zeppelin II

Led Zeppelin - Led Zeppelin II

O segundo álbum do Led Zeppelin, intitulado Led Zeppelin II, foi lançado em outubro de 1969 e representa um dos momentos mais decisivos da consolidação do hard rock como força dominante no cenário musical internacional. Gravado de forma fragmentada durante turnês intensas pelos Estados Unidos e pelo Reino Unido, o disco carrega uma energia urgente e explosiva, refletindo a vida nômade da banda naquele período. Jimmy Page aprofunda aqui sua abordagem pesada e riff-oriented na guitarra, enquanto John Paul Jones amplia a densidade sonora com linhas de baixo marcantes e arranjos precisos. Robert Plant assume de vez a persona vocal intensa e sexualizada, e John Bonham entrega uma performance de bateria que se tornaria referência definitiva no rock pesado.

Musicalmente, Led Zeppelin II expande o blues rock apresentado no álbum de estreia, tornando-o mais agressivo, mais alto e mais ousado. O grupo mergulha com ainda mais força nas raízes do blues elétrico, mas as transforma em algo moderno e visceral, criando uma sonoridade que influenciaria gerações de bandas. Faixas como “Whole Lotta Love” e “Heartbreaker” exibem riffs icônicos, solos incendiários e experimentações sonoras — como os efeitos de estúdio e o uso criativo do panning — que eram incomuns para discos de rock da época. A produção, comandada por Jimmy Page, revela um equilíbrio raro entre crueza e sofisticação técnica.

O álbum também demonstra uma banda mais confiante em explorar diferentes climas e estruturas. Enquanto algumas músicas apostam no impacto direto e quase físico do som, outras revelam nuances mais sutis, com grooves envolventes e atmosferas psicodélicas. Essa variedade reforça a versatilidade do Led Zeppelin e mostra que o grupo não estava interessado em repetir fórmulas, mas sim em expandir os limites do rock. Mesmo sob pressão constante das gravadoras e da agenda de shows, a banda conseguiu criar um trabalho coeso, intenso e surpreendentemente bem acabado.

O impacto de Led Zeppelin II foi imediato e duradouro. O álbum alcançou o primeiro lugar nas paradas americanas e britânicas, superando até mesmo nomes consagrados da época, e consolidou definitivamente o Led Zeppelin como uma das maiores bandas do mundo. Mais do que um simples segundo disco, ele estabeleceu padrões estéticos e sonoros que moldariam o hard rock e o heavy metal nas décadas seguintes. Sua influência permanece evidente até hoje, seja na construção de riffs, na força rítmica ou na atitude desafiadora que se tornaria marca registrada do grupo.

Led Zeppelin - Led Zeppelin II (1969)

Whole Lotta Love

What Is and What Should Never Be

The Lemon Song

Thank You

Heartbreaker

Living Loving Maid (She’s Just a Woman)

Ramble On

Moby Dick

Bring It On Home

Erick Steve. 

Joan Baez - Joan Baez (1960)

Joan Baez - Joan Baez (1960)

Joan Baez, lançado em outubro de 1960, é o álbum de estreia de Joan Baez e um marco fundamental do renascimento da música folk nos Estados Unidos. Gravado quando a cantora tinha apenas 19 anos, o disco apresentou ao grande público uma voz clara, poderosa e profundamente emotiva, rapidamente associada à tradição do folk tradicional e às canções de raiz anglo-americana. Diferente de muitos lançamentos da época, o álbum apostou quase exclusivamente em voz e violão, criando uma atmosfera íntima e atemporal.

Do ponto de vista comercial, Joan Baez foi um sucesso surpreendente para um álbum de folk tradicional. O disco alcançou o 15º lugar na parada da Billboard, uma posição notável para um trabalho com repertório majoritariamente composto por canções tradicionais. As vendas se mantiveram constantes ao longo da década de 1960, impulsionadas pelo crescimento do movimento folk e pela associação de Baez com causas sociais e políticas, o que ajudou o álbum a se tornar um clássico de catálogo.

A reação da crítica foi amplamente positiva desde o lançamento. A revista Billboard destacou que Joan Baez possuía “uma voz de pureza incomum, capaz de transformar baladas antigas em algo intensamente atual”. Já o The New York Times escreveu que a jovem cantora demonstrava “uma maturidade artística rara, com um canto que parece ecoar séculos de tradição musical”, elogiando especialmente sua interpretação contida e respeitosa das canções folclóricas.

Outros jornais enfatizaram o impacto cultural do disco. O Los Angeles Times observou em 1960 que o álbum revelava “uma intérprete destinada a se tornar referência do folk americano”. A revista Sing Out!, especializada no gênero, afirmou que Baez surgia como “uma das vozes mais promissoras e autênticas do novo folk revival”, consolidando seu prestígio entre músicos e estudiosos do estilo.

Com o passar do tempo, Joan Baez passou a ser reconhecido como um dos álbuns mais importantes da história do folk moderno. Mais do que um simples disco de estreia, ele lançou as bases de uma carreira marcada pelo compromisso artístico e social, influenciando toda uma geração de músicos, incluindo Bob Dylan. O álbum permanece como um retrato puro e poderoso de uma artista no início de uma trajetória que mudaria a música popular e o ativismo cultural dos anos 1960.

Erick Steve.